SLEEPY HOLLOW. Perderas La Cabeza¡¡¡¡¡¡

Dificil es ocultar el cariño que siente Tim Burton por los cuentos. Forzosamente se ha de compartir este gusto para ver con agrado sus películas más personales, y ésta es una de ellas. Rodada con la colaboración de sus amigutes más habituales, por si quedaba alguna duda. En cualquier caso, también es imprescindible contar con ciertas dosis de simpatia hacia el mundo personal del autor, que en el caso de Burton, o se tiene o no se tiene.
Adaptación del cuento de Whasington Irving, tiene toda la truculencia que empapaba los relatos que se contaban antaño a los niños, antes del advenimiento de las consolas de videojuegos. Cuenta la historia de un guerrero descabezado que vuelve desde la tumba para sustraer cabezas ajenas, mientras que un pobre y honrado agente de la ley se afana en dar descanso al atormentado engendro para que en el pueblo cesen de una vez los chistes malos acerca de perder la cabeza. Calificada, para extrañeza de sua utor, como no recomendada para menores de trece años por sus varias escenas de decapitaciones y desmembramientos. En mi opinión, nada que supere los traumáticos destripamientos post-antropofagia de caperucita roja, lo suficiente sin embargo para considerar la idea de mantener alejados de esta película a los más pequeños de la casa y destinarla al público infantil mayor de edad.
Jhonny Depp encarna al excentrico héroe Ichabod Crane de la manera más histriónica que le permiten. Hay que decir que en este caso se lo consiente todo, y si bien en algunos momentos está muy bien en su papel, en muchos otros la situación empieza casi a dar un poco de grima, pero lo que más causa es extrañeza. Otra interpretación inclasificable como la de si Jack Sparrrow en "Piratas del Caribe", que encuentra a partes iguales admiradores, detractores y perplejos, pero que de ningún modo pasa desapercibida en la película.
En cualquier caso, confieso mi simpatía por los timoratos héroes de las películas de Tim Burton, rebosantes de candidez, ternura y también de valentía a su manera, en unos momentos en los que las carteleras están llenas de macarras embrutecidos.
Realmente soberbia la recreacion del mundo de cuento, con sus bosques encantados de árboles retorcidos ty todo lo que es menester. No siempre el esfuerzo económico y técnico resulta tan agradecido como lo es en esta ocasión. Lo mejor de "Sleepy Hollow", sin duda, a pesar de contar también con un buen guión. Poco importa que se pueda confundir uno entre tanta madrastra, cuñado, herederos y hacendosas criadas, o que en muchos momentos el protagonista haga avanzar la historia gracias a las deducciones que le sopla el apuntador. Son detalles sin importancia que conducen la acción en la dirección correcta y hacen que al final todo adquiera la forma de debe tener. Si hay que buscarle pegas, pongámoslas en los viajes oníricos de Jhonny Depp y alguna otra cuestión lateral que no contribuyen a agilizar una narración enmarcada en un género que, por denso que sea en simbología y significados, siempre tiene una forma muy ligera.
El director Tim Burton, con su imaginativa y fascinante habilidad visual, su profunda sensibilidad en la captación de ambientes bizarros y su atractiva simbiosis entre comercialidad y su gusto por la serie b, era la persona adecuada para poner en imágenes la novela de Washintong Irving.
El resultado es satisfactorio en la vertienete visual ya que reconduce hacia su historia las pautas atmosféricas de los miticos estudios Hammer, a los que rinde homenaje no sólo en su plasmación estética sino con la presencia en el reparto de Christopher Lee. De la Hammer recoge los aspectos góticos, el erotismo inherente al visionado de pronunciados y carnossos escotes y la explicita muestra de sangre y violencia.

SWEENEY TODD. Apuestas. Oscar Mejor Película 2008.

Sweeney Todd es sin duda una gran musical, donde Tim Burton plasma con un diseño de producción perfecto, los terribles hechos que se presenta en la pelicula. A nivel de música, están bien logradas las escenas. Cabe destacar a la pareja protagonista del año, Jonny Depp y Helena Bronhan Carter. Actuaciones que merecen una nominación al Oscar, y sin duda el triunfo de la pareja maculina.
Sweeney Todd es una obra de arte¡¡¡¡¡¡, el escenario, el maquillaje, el vestuario...todo crea sin duda un ambiente hipnótico que te tiene pendiente de cada movimiento.
Una película merecedora del Oscar por mejor actor "Jonny Depp", mejor película, mejor direccion "Tim Burton" y mejor actriz de reparto "Helena Bonham Carter".
En tono, forma y contenido, el talento de Tim Burton, sin dar un paso en falso, domina totalmente la producción y convierte a Sweeney Todd: The Demon Barber Of Fleet Street en una verdadera obra maestra y una de las mejores, sino la mejor pelicula del año.
Las actuaciones son excelentes, empezando por Johnny Depp como el personaje del título, para quien ésta es su quinta película bajo la batuta de Burton, después de Sleepy Hollow (1999), Charlie and Chocolate Factory (2005), y las mencionadas, Edward Scissorhands y Ed Wood.
Y no menos distinguidas son las contribuciones de Helena Bonham Carter (la esposa de Burton en la vida real) como la señora Lovett, Alan Rickman en el papel del villano juez Turpin, y hasta Sasha Baron Cohen (famosa gracias a Borat), encarnando al ridículo Adolfo Pirelli, la primera victima de Todd, cuyo cadaver convierte los pasteles de carne de la señora Lovett en la sensacion de Londres.
Probablemente los millones de admiradores de Depp, que convirtieron la trilogía de Piratas del Caribe en una de las mas taquilleras de la historia de Hollywood, no van a disfrutar de una historia de horror cantada por el actor como un demente asesino de degolla a sus victimas. Pero quienes busquen en el cine algo más de acción y efectos especiales, apreciarán una produción que funciona artisticamente en todos sus niveles tanto técnicos como creativos.
Lo uqe hay que aclarar e que a pesar de lo obscuro y trágico de la trama, la historia ofrece momentos de delicioso humor, ya sea por la señora Lovett informandonos porque sus pasteles (en un pincipio) son los peores de Londres, y como los gatos del vecindario tienden a desaparecer cuando su competencia prepara los mismos manjares; o el también barbero Pirelli, con un falso acento y una peor peluca, ofreciendo falsos productos para el cabello.
Y tambien hay una dulce y complicada historia de amor entre un joven marinero Anthony Hope, que regresa a Londres con Sweeney Todd, y Johanna, la hija de éste, con quien el juez intenta contraer matrimonio ya que su madre se envenenó cuando su padre fue encarcelado.

BATMAN VUELVE. Burton Fiel Al Goticismo.

Batman Vuelva es la secuela del film de 1989; y afortunadamente, es una secuela que respeta con fidelidad sus origenes, cuando no es levemente superior al original. En general las secuelas tienden a diluir una saga con el tiempo (vean lo que sucedió con Superman años antes), pero Burton es un director formidable que mantiene un standard de calidad alto, además de que Batman es material que le resulta caro a sus gustos góticos. a lo largo de toda su filmografía Burton ha demostrado su predilección por personajes marginales, el humor negro, la imagineria acerca de la muerte y, en general, por temas macabros y bizarros. La saga de Batman, en sus dos primeros filmes, son sólo su tarjeta de presentacióon a nivel popular amén de la poca vista Bitelchus o los filmes con PeeWee Herman. Uno no puede dejar de reconocer temas Burtonianos, desarrollados posteriormente en los filmes del hombre murciélago.
Batman Returns es una pelúcla de superhéroe de 1992 basada en el personaje Batman creado por el Bill Finger y Bob Kane. Es la segunda película de Batman, y la última de la serie dirigida por Tim Burton y con Michael Keaton coo Bruce Wayne/Batman. La salida de Burton y Keaton preparó el terreno para las películas de Joel Schumacher. Esto era también la primera película para destacar la tecología Dolby Digital en el verano de 1992.
Originalemnte Burton no pensaba regresar para una segunda entrega de la saga debido a sus emociones contrapuestas generadas por el primer film, pero terminó haciéndolo después de ser impresionado por un guión escrito por Daniel Walters. La película fue filmada enteramente en el estudio de Burbank de la Warner Brothers y desató polémicas y reacciones contrapuestas de la crítica. Pese a su éxito económico, el filme fue considerado "muy oscuro" para menores, lo que derivo en que, para la tercera entrega, la warner le cediera la dirección a Joel Schumacher en lugar de a Burton, todo un desacierto total, teniendo como fin conquistar al público y mercado infantil.
Si brillante aunque con algunas limitaciones fue la primera de las entregas modernas de Batman (1989), Tim Burton gozó de más libertad creativa en esta segunda entrega por parte de la Warnerr y mayor presupuesto para lograr una auténtica obra maestra no sólo del cine de superhéroes procedentes del cómic, sino del su filmografía en particular y del cine de consumo en general.
La dirección artistica sigue desprendiendo delicioso goticismo por los cuatro costados, una ciudad de Gothan tan inquietante como los tres magistrales villanos que se ponen en escena: Danny De Vito realiza uno de los mejores papeles de cu carrera como el atormentado pingüino, rechazado por todos busca su venganza manipulando por un malvado de la talla de Christopher Walken, al que da miedo sólo mirarle (la secuencia con Selyna Kyle al comienzo de la película es impresionante, y lo mismo se puede decir del prólogo en el que narra el origen del pingüino) y Michelle Pfeiffer queda como una apropiadísima Catwoman (Olvidense del bodrio de Halle Berry). Michael Keaton, por su parte, sigue mostrandonos a Batman como un tipo reservado, poco dado a excesos de bondad o ansias de salvar el mundo, que lucha por la justicia posiblemente por que es la única forma que tiene de olvidarse de sus propios tormentos.
Con tales cartas sobre la mesa, Burton compone una auténtica Freak Movie, un aterrador cuento sobre el rechazo, la injusticia y la soledad, dejando claro quienes son realmente los villanos que viven en nuestras ciudades, unos villanos que son apreciados y respetados por quienes les rodean gracias al dinero y al poder y que se sirven de otros, los que son vistos como el peligro, para conseguir sus propósitos.
Es Batman Vuelve, es Tim Burton en todo su esplendor y una de sus mejores películas hasta la fecha.

DESAFIO TOTAL. Sumamente Recomendable Para Los Amantes De Schwarzenegger.

Espectacular adaptación cinematográfica del relato corto "Usted lo recordará perfectamente" (1966) de Philip K.Dick, filama con un buen pulso por el simpre polémico y contundente director de origen holandés Paul Verhoeven depués de su gran debut norteamericano con "Robocop"(1987).
La película está al servicio de popular arnold Schwarzenegger y de la no menos interesante Sharon Stone, quien con esta película y la posterior "Instinto Basico"(1992) se consagraría como una de las sex-symbols más deseadas de la decada de los 90.
"Desafio Total" (Total Recall) tuvo un largo y dificil periodo de desarrollo en las cuales muchas personalidades del mundo del cine se implicaron de manera muy personal en su concepción y posterior desarrollo, desde guionistas, productores, directores y actores, incluytendo a David Cronenberg, quien en un principio fue el primero en ser asignado para dirigir esta superproducción.
Con Cronenberg se llegaron a escribir doce borradores del guión, siendo todos ellos rechazados. Posteriormente fue sustituido por Bruce Beresford con Patrick Swayze contratado para el papel de protagonista. Cuando ya estaba todo dispuesto para la filmación en Australia, la compañia del productor Dino de Laurentiis se declaró en bancarrota y los derechos pasaron finalemte a manos de la Carolco Pictures, ya uqe Schwarzenegger convenció a sus productores Mario Kassar y Andrew Wajda para que le compraran el guión.
El resultado final es una de las mejores películas que se han hecho sobre una obra de Philip K. Dick y la qué más se aproxima al espíritud del relato en la que se basa, por no decir que también lo es de su protagonista principal, casi simpre encasillado en este tipo de papeles de acción. Confieso que yo personalmente disfruto viendole hacer el bestia en todas sus películas porque realmente era su actividad más meritoria, aportndo también a sus personajes cierto sentido del humor e ironía...Vamos, como si del propio caballo de Atila se tratase, allí por donde pisa ya no vuelve a crecer la hierba.
A su lado Sharon Stone está soberbia y borda su papel de Lori, bella, sensual y bastante arpía. Para este personaje tuvo que aprender artes marciales y ensayar la coreografía de las peleas. Es una pena que su personaje fuese secundario porque realmente podría aportar más al margen de su presencia en soberbias secuencias de acción, filmadas de manera inmejorable por Verhoeven en el desarrollo de toda la película. Un buen ejemplo es la de tiroteo en las escaleras mecánicas.
Cabe destacar así mismo la gran labor realizada por todo el equipo del filme en lo referente a los efectos especiales (ganadores del Oscar) para la recreación de los paisajes y en el empleo de maquetas y miniaturas para la colonia marciana.
También la tarea realizada or el extraordinaria fotografía de Jost Vacano para resaltar con sus luces y su rico colorido el conjunto visual del filme, la banda sonora de Jerry Goldsmith, tan pegadiza y contundente, y los efectos de maquillaje de Rob Bottin (galardonado también con una estatuilla de Hollywood) para crear todas las malformaciones genéticas de los colonos marcianos y la actividad realizada con nuestro admirado Schwarzenegger en secuencias impactantes que resaltan toda su pétrea fealdad facial, como la mostrada en el momento en que se extrae la sonda implantada en el cerebro mediante un aparato extractor a través de una de las fosas nasales.
En pocvas palabras, una película sumamente recomendable para todos los fans del monstruo cinematográfico Schwarzenegger y de la obra de Philip K. Dick.

C U B E. Una Película Claustrofóbica.

Cube es una obra maestra del cine independiente dirigida por ese genio canadiense llamado Vicenzo Natali, que volvió a triunfar entre la critica con la fantástica Cypher y que aún tiene pendiente de estreno en nuestro pais la extraña Nothing. La película adquirió pronto el calificativo de film de culto, más por el boca a boca entre espectadores que por los premios que cosechó en diferentes festivales. De hecho, en la edición de Sitges de 1998 se llevó los galardones a mejor guión y mejor película.
A priori la película puede generar rechazo debido a su minimalismo y esquemático desarrollo, pero el buen aficionado al cine no debe perdérsela. Natali con pocos medios recrea una atmósfera sobrecogedora e inquietante, gracias a una excepcional puesta en escena y un guión perfectamente diseñado. Parece que es el espectador quien se ha quedado encerrado en ese diabólico cubo. Pero lo más interesante de la película es que rompe de un plumazo todos los convencionalismos propios del cine comercial. En Cube, no son relevantes ni el por qué ni el cómo han llegado allí los portagonistas, sino que lo que importa es que es lo que sucede en esos habitáculos, y más en concreto, en la mente de cada persona.
Otro gran acierto de Cube es que funciona como las manecillas de un reloj: de forma exacta y uniforme. El filme no tiene ningún bajón narrativo. Es más, no sobre ninguno de los diálogos, pues todos ayudan a que el espectador recree el particular cubo/mente de cada uno de los protagonistas. Además, pocas veces en un filme los diálogos han estado relacionados de forma tan auténtica con las sensaciones de angustia y locura como en Cube.
Asímismo, cabe destacar la velada pero devastadora crítica social que Natali pone de manifiesto en las últimas escenas del filme. Parece que a veces la vida real viene a ser peor que el cubo donde están encerrados los personajes. Además Cube tampoco escatima en sustos y sorpresas, ya que tiene un par de brochetazos de gore bastante logrados.
Los actores, desconocidos en España, cumplen sobradamente, sobre todo Maurice Dean Wint, que encarna a un policía, quien a priori debe ser ejemplo de moralidad, pero que se convierte en un auténtico monstruo enfermizo. Cube como todo filme de culto, puede generar controversia, pero no deja de ser una pequeña joya del cine fantastico reciente.
No se puede negar que Cube sea una película claustrofóbica, de situaciones angustiosas e inluso, con los elementos del más puro terror psicológico. Sin ninguna razón y sin explicación ninguna, el director nos mete en la piel de un grupo de protagonistas que no se conocen y que no saben cómo han podido llegar al interior de un misterioso lugar, una especie de cubo que contiene una serie de trampas a lo largo de sus estancias. Aunque los decorados sean sencillos, son claustrofóbicos, da la sensación de que en cada habitación del cubo se va a acabar de un momento a otro el oxígeno. Un aspecto también a destacar es la buena elaboración del sonido (el movimiento de los cubos o la trampa de los pinchos mortales). "CUBE es ya una película de culto y sin duda, no defraudará al amante del cine fantástico.

LOS SIN NOMBRE.Un Debut Terrorífico.

Enmarcada en lo que llamaríamos fantaterror de autor o culto, por distanciarse claramente del cine más tipicamente comercial como digamos el auspiciado por el productor Andrés Vicente Gómez, ect,ect, me parece, junto con 99.9 de Agustín Villaronga, los dos filmes más interesantes y desasosegantes que he degustado en los últimos años, no sólo en el poco fértil cine patrio sino a nivel internacional. Y quizás el cine del catalán Balagueró,cinéfilo beligerente, editor de publicaciones especializadas en el género, y cultivador del mismo en sus varios cortometrajes, sea un tanto deudor, entre otras influencias, del personal estilo del cineasta mallorquin Villaronga.

El film, que con una impactante secuencia inicial deja claro la dimensión turbia que adquirirá la historia, y amenaza también con devenir en una especie de "La Habitacion del Hijjo" versión splatter, va, en cambio, desgranando un transcurso envolvente apoyado en una narración que, si bien no sea algo nada visto pues algunas secuencias como el recurso a un teólogo amigo que les pone en el camino de la misteriosa secta parece un poco traída por los pelos, o el encuentro que nos recuerda a El Silencio De Los Corderos como desesperado intento del protagonista para averiguar algo conel presento líder de la secta, un tal Santini en una impagable interpretación de Carlos Lasarte, resultainquietantemente entretenida hasta el desenlace final.

A golpe defotograma, que está entre el cine negro y el look Expediente X, nos muestra con la gélida fotografía de Xavi Giménez de tonos siniestros, unahistoria escrita por el propio director adaptación de la novela homónima del ingles John Ramsey Campbell. Menos perceptibles pero presentes, según las referencias en sus trabajos anteriores, otros iconos del género: Lynch, Cronenberg,.....
La trama gira en torno a la obsesiva investigación de una madre, Claudia (Emma Vilarasau), ayudada por un ex-policia, Massera (Karra Elejalde), para recuperar a su hija que creía desaparecida en un cruel asesinato pero misteriosamente reaparecida secuestrada por una secta pseudo-satánica cuyo objetivo esla búsqueda de la verdad, el mal, el extasis absoluto a traves del dolor, liderados por un mad-doctor de orígenes turbios en los campos de exterminio nazis.

Parecida temática no ha llegado dela mano de otro escritor-director ingles: Clive Barker.

Oportuna banda sonora y montaje que alterna enel desarrollo delasescenasangustiosas breaks amodo de aceleradas pesadillas quemezclan sueño y realidad ala vez quepone de relieve las obsesiionesqueviven los personajes todo ello en un discurrir sin fisuras que nos conduce aun crescendo final, si bien bastante alicorto, poco convincente que defrauda un tanto las espectativas, no desmerece el hábil desarrollo.

Se hecha en falta una historia más solida pero al inquietante puesta en escena hace que el film transcurra no sin hacernos revolvernos angustiosamente enla butaca y quizás signifique más por las buenas maneras que apunta que por el resultado global.

"Los Sin Nombre" atrapa al espectador manteniendo el suspense durnte todo el film, cosa de agradecer por estos tiempos que corren.

MATRIX RELOADED. Prepárate Para Recargarte.

La primera fue un anticipo. La segunda la confirmación de que Matrix es mucho más que una película, es la materialización en la pantalla de la última y máxima tecnología adaptada al lenguaje cinematográfico. En medio de una época caracterizada por el despliegue infinito de recursos visuales en el cine. Matrix traspasó el limite de lo pensable, no sólo en cuanto a lo que efectos especiaqles y trabajo con la cámara se refiere sino, principalmente, en cuanto a cómo eso repercute e inaugura nuevas posibilidades de imaginar un cuerpo confrontado con otro. "Matrix Reloaded", por eso y mucho más, es sin duda una de las segundas partes más esperadas de los últimos tiempos. Pero tener una obra maestra como antecedente inmediato no la ponia en una situaión sencilla. ¿Cuanto más podía esperarse luego de la pelicula inicial?,¿Cuanto sería justo pedirle después de que el impacto visual e incluso filosófico de la primera parte cambiara cabeas, modos de pensar, de personas en todo el planeta?.
Una primera cosa a resolver de antemano es la siguiente: "Matrix" es una trilogia cuya primera parte es inigualable y por lo tanto incomparable. "Matrix Reloaded" es sólo su prolongación, la película que continúa el conflicto entre el hombre y la máquina que lo somete planteado en la cinta incial.
Como en aquella, narrativamente la historia de la segunda parte es impresionante, los realizadores cuanetan con un talento increible para llevar al espectador al compás de su relato, invitarlo a ser parte. Tanto es así que la película termina cuando parece que recién está comenzando, y eso que dura casi dos horas y media. Los hermanos Wachowski revolucionaron el cine porque supieron entender que cada escena, cada tramo de sus películas debe aprovechr al máximo sus posibilidades visuales, estéticas y auditivas, y que éstas deben complementarse entre si para, más allá de lo que se ve, construir una admósfera que diga algo más. ësa es su riqueza artistica incuestionable, la fusión entre un todo visual explotado como nunca antes en el cine, y el poder de un algo más que se presiente en todo momento. Ese algo más, esa tensión invisible que transmite cada plano, es la esencia que transformó a Matrix en una saga de culto.
Sin embargo, en esta segunda parte el guión no es del todo sólido, no profundiza tanto en los conflictos interiores de sus personajes y, como era de suponer, deja un poco de lado sus componentes filosóficos para darle más espacio a las peleas y la acción. Esta elección queda demostrada en la caracterización del protagonista Neo. El Elegido, el ser predestinado a salvar a la humanidad. En relación a la primera parte, el personaje interpretado por Keanu Reeves ha evolucionado de manera notable, ahora es capaz de volar, de pelear contra centenares sin perder la calma, fuera de lo referido a estas destrezas, nada más parece haber cambiado en su mente, por su modo de encarar la vida desde que entendió que su rol en el mundo había cambiado radicalmente.
Los ritmos y la dinámica del film no ofrece un espacio vacío, la trama avanza arrolándolo todo en su marcha. Dejando bien claro en pantalla, una secuencia tras otra, el colosal presupuesto que disponía y las capacidades creativas para bien aprovecharlo. De todas maneras, es Matrix. Y eso significa que no se trata de una simple película de cienci ficción sostenida en sus efectos especiales. Uno de los secretos del éxito hitórico de las películas del género fue justamente utilizar los efectos no como un fin en si mismo sino como una herramienta a través de la cual contar otra cosa. En Matrix, esa otra cosa tiene forma de signo de pregunta. Un signo de pregunta gigante que sirve también para definir un estado de la época actual, abrumada por cuestiones de poder, control, significado. ësa es la clave de Matrix y sus secuelas, capta la sensivbilidad de un momento de la humanidad. Esa interpelación a escala humana, como llave de acceso a la individualidad de cada uno, con la que es dificil no identificarse, funciona también en esta versión recargada de la saga.

LA NOVIA CADAVER. Te Atrapará Hasta El Más allá.

La novia cadaver es corta y prodigiosa. En apenas 76 minutos despliega todo su armamento de fantasía al servicio del asombro del espectador, con unos personajes bien construidos, algo arquetípicos pero sólidos aunque estén encerrados en el maravilloso "Stop-Motion", una técnica que nunca pasará de moda gracias a cintas como ésta y a la muy entretenida aunque en mi opinión algo sobrevalorada "Wallace and Gromit".
Y es que el "Stop-Motion" trae consigo un trabajo artesanal y de mimo que todos los avances infográficos del futuro jamás llegarán a supli. Que gran trabajo el del diseñador español Carlos Grandel, con dibujos esquemáticos, de trazos sencillos aunque expresivos.
Muy destacable resulta tambien la Banda Sonora de Danny Elfman, el habitual colaborador de Tim Burton, con una partitura fiel a su estilo habitual. Un compositor, Elfman, que si bien puede parecer que siempre hace la misma composición musical (profusa utilización del coro, etc) lo hace tan ajustado al "ideario" de los filmes de Burton que ni siquiera importa.
Burton y su equipo tampoco escatiman a la hora de encontrar los actores más adecuados para prestar su dicción a los animados personajes. El director de "Big Fish" pone en juego toda la artilleria pesada interpretativa en sus actores fetiche: Johnny Deep, Helena Bonham Carter, Albert Finney, Christopher Lee... con el magnífico añadido de Emily Watson en el papel de la prometida de Depp. La novia Viva, quiero decir...
Una lástima el no poder disfrutar en V.O. de la voz de estos magnificos actores, lo que me impide valorar la interpretación del filme de forma apropiada, teniendo que limitarme a valorar el doblaje y la adaptación española de los números musicales como correcta, ni más ni menos.
El guión basado en un cuento popular ruso podría ser acusado de ser un tanto convencional, con un joven a punto de casarse, el cual fortuitamente despertará el espíritud de una novia asesinada poco después de llegar al altar. Pronto se creará un fuerte contraste entre el grisáceo mundo de los vivos frente al colorista y animado Más Allá. Pero la vitalidad que imprime Burton y su codirector Mike Johnson a cada momento de la película y la sensibilidad con la que están descritos los personajes, cada uno en su sitio, sin que sobre ni falte nada, es sobresaliente, con unos números musicales magistralmente planificados.

Es por tanto una historia aprovechada, que provoca ese estado de ánimo en el espectador que muy pocos consiguen, la sonrisa sin estridencias, sin carcajadas, pero con gusto, una sonrisa que te acompaña durante el metraje y más allá.
Independientemente de la edad con la que afrontes esta magnífica película.
Siendo un incondicional y devoto de "Pesadilla antes de navidad" dessde que se estrenó, "La Novia Cadaver" me parece un anexo formidable y obligatorio para aquellos que disfrutamos y seguimos admirando el insólito cuento gótico navideño de Tim Burton.
Con préstamos de "La Promesa· de Gustavo Adolfo Bécquer, "Mi novia es un zombie" y la propia "Pesadilla antes de navidad", Burton realiza un memorable cuento romántico y optimista sobre lo macabro y el descanso eterno.
Repleta de juegos de palabras, humor negro y secuencias para el recuerdo, Tim Burton demuestra que a través de la animación tiene completa libertad para plasmar su extraño y entrañable universo.
Inferior a "Pesadilla antes de navidad", superior a cualquier elícula de animación actual, "La Novia Cadaver" sólo puede ser superada por el propio Burton. Los afotunados que disfrutemos de su macabra y original compañia lo haremos durante toda nuestra vida, durante toda nuestra interminable muerte.........

INDIANA JONES. EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA. Diversión, Aventuras, Entretenimiento e Icono Popular.

Según una idea de George Lucas, Steven Spielber firmó aquí una de sus película más redondas, paradigma del cine de aventuras moderno y presentación de Indiana Jones, el modelo de héroe aventurero que más ha influido en las mentes de los aficionados durante las últimas décadas.
La intención era recuperar un estilo clásico tomando como referente el cine y el cómic de los años 30 y 40. El resultado fue, efectivamente, un retorno al cine de aventuras que, además, conseguia reformular el estilo y el míto del héroe en sintonía con las nuevas exigencias de la emergente cultura de masas, y una industria del cine dispuesta a explotar al máximo las nuevas posibilidades.
Ante todo, "En busca del arca perdida" es la expresión más contudente que jamás ha tenido el cine en su ámbito más rentable: el pactáculo desprovisto de cualquier otra intención que no sea la de divertir al espectador con una sucesión de pasajes filmados de tal forma que emocionan y causan el asombro, no solo por un deleite visual que es consecuencia inmediata del impecable manejo de los tempos y el ritmo, también por la perfecta estructura que va enlazando unas situaciones con otras, en un cúmulo de escenas dea cción que se convirtierten en cine puro al estar al servicio de una narración sencilla y sin fisuras. De este modo, la película no le exige nada al espectador, estamos hablando de un producto de consumo fácil, pero hecho con arte.
Algunos críticos han querido ver defectos en esta película, y suelen referirse a la incapacidad de Spielberg para crear personajes complejos. Efectivamente, los personajes son bastante unidimensionales, pero en este ámbito especifico no es necesario disponer de personajes dotados de complejidad (dependiendo de las intenciones y contenidos de cada película, eso habría que analizarlo). Y concluyen estos críticos despistados- la película hubiera sido mucho mejor si los personajes tuvieran otros matices aparte del arquetipo "chico de la película", "chica de la película","el malo amigo de los malos", "el amigo de los buenos", etc.
Sin duda un icono ya de la cultura occidental, Indiana reavivó (casí inventó) para el cine un género que había ya conocido su apogeo en otros medios, como las novelas de Quatermain, y que a partir de entonces fue copiado, versionado e imitado múltiples veces, tanto en cine como en formatos más modernos, como el videojuego ( que de nuevo ha devenido en la saga "Tom Raider", como la serpiente que se muerda la cola). La historia narrada en la película es simple y será recurrente en las dos siguientes ( con alguna variación tanto en antagonistas como en la profundiad de la misma) peliculas de la saga, así como (intuímos) en la cuarta ntrega que se rumorea, está al caer. Indiana es recurrido por el gobierno para descubrir antes que los nazis, un arma terrible y esotérica que podria cambiar el curso de la guerra y traer la opresión y el oprobio sobre los pueblos libres.
Aquí los malos son diabólicos sinningun tipo de concesión ni zona gris, mientras que Indy y sus aliados presentan (aunque también con sus defectos humanizantes) las grandes virtudes de los grandes héroes, y muy especialemnte los de spielberg. Son leales a sus amigos y a sus familias, creen en la libertad y no se achican ante nadie ni nada para defender cualquier de las tres cosas.

C A R R I E. Brian De Palma Filmó Uno De Sus Títulos Más Celebrados.

Una tímida joven de instituto con poderes telequinéticos llamada Carrie (Sissy Spacek), alienada de la sociedad que la rodea por culpa de la educación amilanada y ultrareligiosa a la que es sometida por su madre, es objeto de burla constante por parte de sus compañeras de clase.
En vísperas del baile de fin de curso será invitada por el chico más popular del colegio (William Katt).
Adaptando un libro del prolífero y exitoso Stephen King, Brian de Palma filmó uno de sus títulos más celebrados con esta película que exhibe también una lógica estética sesentera un tanto Kitsch.
Con una progresión in crescendo acentuada por la narrativa de De Palma (utilizando el slow motion, el split screen y demás métodos acostumbrados en su perpectiva filmica) "carrie" oferta una historia de terror y suspense de ambiente post-adolescente-familiar, que tras superar una primera fase en la que algunas escenas podían estar perfiladas con mayor maestría dentro de su funcionalidad descriptiva termina culminada con un último acto absorbente.
La catarsis del personaje es puesta en escena de manera violenta mediante un periplo mental lleno de venganza. Tal violencia extrema aparece después de un apacible y cálido baile bellamente filmado, un baile que suponía el renacer social de una muchacha marcada por el estigma de una madre fanática e intolerante, la cual acabará devorada simbólicamente por su propia ignorancia purificadora.
El sencillo shock final pasará a los anales del cine de terror por su capacidad para sorprender al espectador en una sabia y mansa conjunción entre imagen y música. Lo mejor de la película son las actuaciones de Piper Laurie (compañera de Paul Newman en "El Buscavidas", como madre de Carrie y de una extraordinaria Sissy Spacek en la piel de protagonista principal. ¿A qué le tenemos miedo cuando somos adolescentes?. A la oscuridad, a las pesadillas, a quedarnos solos en casa, pero sobre todo a que los demás se burlen de nosotros. Sin duda alguna, una de las mejores adaptaciones cinematográficas de las novelas de Stephen King que declaró haberse basado en un hecho real como punto de partida para escribir su historia.
Piper Laurie borda su papel como la obsesiva fanática religiosa madre de Carrie, no obstante, obtuvo una nominación al Oscar en 1977 por su interpretación.
Carrie es una película de terror muy distinta a todas sus contemporáneas. Uno no tiene la sensación de estar viendo un film de terror, sino un drama, hasta llegar a la secuencia del baile de graduación. Pero en ese momento se desata un espectáculo estremecedor que continuará con la escena posterior hasta llegar a los créditos.

NOCHE DE MIEDO. Injustamente Olvidada.

A pesar de no tener tanta fama como "Un Hombre Lobo Americano en Londres", la película que nos ocupa, "Noche de Miedo", es otro clásico de culto que se encargó de revitalizar a un monstruo clásico: en este caso, a la figura del vampiro. Esa falta de fama puede achacarse a un tono más desenfadado, un ambiente de comedia juvenil ochentera y a que Tom Holland, director también de "Muñeco Diabólico" y de dos buenas adaptaciones de Stephen King "Thinner y Los Langoliers", no tenga tantos clásicos en su haber como Landis (desmadre a la Americana, "entre Pillos Anda el Juego","grabujas a Todo Ritmo".
En mi opinión "Noche de Miedo" es superior a "Un Hombre Lobo Americano en Londres" por diversas razones. La más importante de todas es que el ritmo de la película no decae en ningún momento, y hay una tensión casi constante que no se ve interrumpida ni por los detalles de humor, bastantes acertados.
La película se divide en dos partes: en la primera, Charlie Brewster (William Ragsdale) se nos presenta como un chaval normal y corriente, aficionado a un programa de televisión de cine de terror presentado por una vieja gloria, Peter Vincent (Roddy McDowall) "El Intrépido Mata Vampiros", y que descubre que su nuevo vecino, Jerry Dandrige, es un vampiro. Así, emprende una cruzada en la cuenta de que un vampiro no puede entrar en una casa sin ser antes invitado, e interviene su madre al respecto....JA¡.
Ya en la segunda mitad del film, nos encontramos con la tira y afloja entre Charlie y Jerry, y cobra protagonismo Peter Vincent, el mejor personaje de la película. Este viejo actor, aquien McDowall da un aire entre cínico y nostálgico hacia los viejos tiempos, ayudará al joven a enfrentarse al vampiro.


Si esta película revitalizó a los vampiros, al igual que "Un Hombre Lobo Americano en Londres" lo hizo con los licántropos, es porque retorna todos los viejos mitos acerca de los chupasangre.

Readaptando lo más atractivo y riendose del resto, pero siempre desde el respeto y sabiendo que se está ante un proyecto de serie B. así, el vampiro es un ser misterioso, que al no sernos dado su origen encarna la figura del Mal absoluto: es tentador, histriónico en ocasiones y siempre que aparece en pantalla la sensación que trasmite es de peligro inmediato, incluso cuando suelta alguna ocurrencia.
Por si no fuera poco, en ocasiones deja los discretos colmillos para exhibir una dentadura grotesca y afilada, más propia de una bestia que de un gentleman inglés. En este sentido los efectos especiales cumplen de maravilla.
En definitiva, "Nohce de Miedo" es una película muy simpática, de visionado obligatorio para los aficionados al cine de terror en general, y de los vampiros en particular.
Lo mejor: La banda sonora de Brad Fiedel (Terminator 2); los constantes guiños a las viejas películas y actores de lo que bebe; los personajes de Peter Vincent y Jerry Dandrige, y la actuación de Roddy McDowall; el mimo de Tom Holland en el guión y detrás de la cámara, y un pulso narrativo que no decae.
Lo peor: Que está siendo injustamente olvidada.

V I D O C Q. El Mito.

Insparados en las Memorias escritas por el galo Francois-Eugéne Vidocq, ex-presidiario y fundador de la súreté que, en la primera mitad del siglo XIX, regentó una agancia de investigación privada, Pidof y Jean-Christophe Grangé Pergeñan un guión, a ratos apasionate, que mezcla por igual tópicos del cine de detectivas y del cine fantástico:guión que narra la investigación que lleva a cabo el periodista Etienne Boisset para esclarecer unos misteriosos asesinatos mientras varios flash-back subjetivos, fruto de las sucesivas entrevistas con sospechosos y/o testigos, componen el rompecabezas pertinente.
Lo más destacable de Vidocq son, sin duda, los paisajes virtuales creados por ordenador. recrean a la perfección el clima de malestar que se vive en las calles. resultan tan descriptivos que yo incluso echo de menos más escenas en exteriores para poder disfrutar de nubes y tormentas virtuales (aunque en algunas se noten algunos recortes malillos). La imagen de los guardaespaldas con el cuello de su abrigo hasta las orejas con ese oscuro cielo es de lo mejor de la película. La película transcurre en base a entrevistas y flash-backs. Pocos momentos de la realidad que se investiga, realmente una lástima ya que el alquimista merecía más atención. La película narra la investigación de la muerte de Vidocq en manos de este ¿asesino? Resegimos los pasos que hizo este detectiva desde los puntos de vista de varios personajes hasta unas horas antes de su muerte. es un trabajo periodístico más que de la policía. ¿una biografía o una investigación?.
El poder de la máscara resulta desaprovechada en mi opinión. Se ha escrito un final para contentar a los que querían saber quién mató a Vidocq. Pero no quedamos satisfechos los que queremos saber los poderes de la máscara más allá de lo que haga el asesino que se la pone. Quedamos nosotros insatisfechos en beneficio de los que no quieren ver en la máscara algo que no se puede explicar más allá de la inmortalidad.

Quizás es que yo esperaba algo más del alquimista. Algo más que verle pelear con Vidocq, algo más parecido a caer de varios pisos y levantarse tan tranquilo o juntar los brazos y desaparecer. esperaba más sucesos sin explicación. Quuizás por eso no me contenta una historia basada en conversaciones y en un par de mentiras.
Francois Vidocq existió realmente entre los siglos XVIII y XIX en aquella Francia que fue revolucionaria en un principio e involucionária a posteriori. Como dijo Lampedusa: Todo tiene que cambiar para que nadie cambie. O algo así. Fue ladrón antes que policía y se convirtió en leyenda viva cuando Honorate de Balzac lo inmortalizó tras haber leido sus memorias. El filme de Pitof es una fantasía sobre hechos reales que tiene formato de cuento entre tétrico y gótico descrito con la convulsa caligrafía de la posmodernidad tecnológica más avanzada.
Vidocq es una muestra más de ese cine que recientemente se está explotando en el país vecino y que se exporta tan bien. Un cine que, en el extremo opuesto a ese otro-tambien francés- intimista, dialogado, costumbrista, intenta ergirse con identidad propia bebiendo de su propia tradición y conjugando su experimental apuesta con la comercialidad. En Vidocq encontramos el cómic, el fantastique, la ciencia ficción, el videoclip, la literatura de edgar Allan Poe y la influencia de la factoría Hammer por partes iguales, consiguiendo una mezcla sólida, sin grumos, de renovada apariencia familiar.

EL QUINTO ELEMENTO. Luc Besson Tiene Un Don Especial Que Hace Que Su Estilo Encante A Las Masas.

El Quinto Elemento es frágil en su propuesta dramática. Un correlato apenas de Las Guerras de Las Galaxias. Su fuerza proviene de la habilidad de Luc Besson para amalgamar temáticas culturales diversas.
En esta película la estética es, por porponer algo, neobarroca, visible en el diseño de producción, la visualemente impresionante Manhattan del futuro, los peculiares diseños de modas (a cargo de Jean-Paul Gaultier), la mezcla de músicas, incluidos el hip hopo y la música de Bristol.
Además, tras la dominante norteamericana del estilo cinematográfico se deja adivinar un toque irónico del francés Besson sobre la vida consumista del futuro siglo XXIII y una fijación en el estilo de vida (tanto como Ridley Scott en Blade Runner o Terry Gilliam en Brazil).
Esta "superficial profundidad" que implica la vida cotidiana del fuuro descentra un poco las posibilidades WASp (los valores norteamericanos tradicionales) de recomponer el mundo. Lo post de Besson, en fi, es muy años noventa.
Los héroes blancos de la historia (eslava, es decir, europea y norteamericano) forman algo así como la punta del iceberg de las razas humanas, ¿punta del iceberg que también implica hegemonía política imperial?.Sí.La historia neocolonial nunca termina.
Luc Besson tiene un don especial que hace que su estilo encante a las masas, cine comercial, donde la acción y la comedia se unen para crear un film entretenido. Pero, y que pasa con "El quinto Eelemento", que toda la acción y la comedia, se unen a la cienci-ficción, y nos trae esta sorprendente película, que ademas goza de una estética invreible.
Con un argumento que no es nada del otro mundo, simplemente una mera escusa para dejarnos saborear todo lo que rodea al film.
Pero para ser una producción francesa, desde luego, su presupuesto, y su reparto es muy estelar, con actores como Bruce Willis, Gary Oldman, Milla Jovovich, Luke Perry, Chris Tucker. De todos ellos destacar a Bruce Willis, que esta en su "papel", hombre de acción, deprimido, y que a perdido las ganas de vivir. Y desde luego la preciosa Milla Jovovich, que esta estupenda y enamora a más de uno/a con su mirada en la película.

Con la aparición de Chris Tucker...es gracioso en algunos momentos, aunque en otros llega a cansar. Una cosa que también sorprende es que hasta cuenta con su propio idioma extraterrestre. Pero sin duda lo que trata mucho, es el tema que hoy esta tanto de moda con la guerra de Irak, y es que como dice Leeloo(Milla Jovovich): "Los Humanos sois muy extraños, todo lo que creais, se usa para destruir".
Una de las cosas que mas me llaman la atención, es que Luc Besson, tiene un increible don para escribir historias de amor que gozan del algo especial. Si en "Leon:el profesional" un asesino a sueldo y una niña se enamoraban con una relación un tanto especial, aquí Besson apuesta por un ex-,ilitar y una extraterrestre. Desde luego a mi es una de las cosas que mas me a marcado de la película, ademas de su estética.
Generalmente, la ciencia ficción es perseguida por el infantilismo (Lucas) o las filosofías superficialmente trascendentes (Ridley Scott). Pocas veces hay seso (Kubrick) o humanismo moderno (Takovski, Godard, Gilliam, otra vez Kubrick). En todos los casos es importante la habilidad del realizador para diseñar un mundo posible. Besson está perseguido en su quinto elemento por el infantilismo y la filosofia superficial (el bien, el mal, el imperio),, pero se coloca como un excelente fabulador (culturológico) del futuro, lo que ya es bastante.