¿Realmnte la muerte tiene un plan para cada uno de nosotros del que no existe escapatoria posible?. Esta era la interesnte premisa con la que James Wong y Glen Morgan, responsbles de algunos capítulos de la serie Expediente X, respadados por New Line Cinema consiguieron una película que se convirtió en una de las sopresas del año 2000. Con un presupuesto de 20 millones llegó a recaudar 50 sólo en Estados Unidos. Una vez más cine de terror con adolescentes asesinados, litros de sangre. Pero sin el habitual psicópata enmascarado. En esta historia, basada superficialmente en el accidente de avión que causó la muerte de Jhon Denver, ahora es la mismísima muerte quien les persigue y va apoderándose de los cuerpos de los jóvenes que han logrado evitarla en la explosión del vuelo 180. Esto sumado a su humor macabro, estilo Posesion Infernal, y a un guión inteligente convierten Destino Final en una buena película con muertes espectaculares. Los protagonistas deben descubrir la estratégia de la dama devoradora ya que cualquier insignificante paso en falso puede dar lugar a una serie de acontecimientos que desemboquen en la perdida de la vida en un accidente. Es posible engañar a la muerte con un movimiento inteligente, solo hay que descubrir la forma de hacerlo. Con esto Wong reclama sin distracción toda la atención del público, al que mantiene despierto también con una potente sucesión de sustos. El final, con fundido a negro, sin finalizar la secuencia, para dar paso a los títulos de crédito, es de esos que permiten que cada uno pueda sacar sus propias conclusiones sobre quienes son los supervivientes, si es que los hay, y que ha sucedido. Lastima que la secuela, inevitable, prive al espectador de ese privilegio. De todos modos es mucho mejor que el descartado con Clear Rivers dando a luz al hijo de Alex. Una idea reciclada más tarde por los guionistas de Destino Final 2: una nueva vida puede detener los planes de la dama de la guadaña. Diferente, malintencionada, entretenida, eficaz, con homenajes a maestros del género y un cameo de Tony Todd (Candyman). Ya era hora de que se comieran la cabeza para ofrecernos algo nuevo, una nueva forma de manifestar la muerte, esta no viene dadad por bochos, asesinos, fantasmas o demonios en esta película, no, la originalidad reside en que la muerte las produce.¡La propia muerte!. Esta es una película con una historia bien manejada y desarrollada, creo que es una muy buena trama, es una mirada diferente de la muerte que algun día inevitablemente nos llegara a todos, esta película tambien nos muestra que se puede hacer suspense de una forma diferente a lo que ya estamos acostumbrados, que ya es repetitivo, esta es una muestra de que se puede hacer cosas distintas y bien hechas, es inquietante y emocionante ver como sería si uno se le escapara a la muerte, pues eso es lo que precisamente nos encontramos en esta película, por esa razon mi votacion es alta creo que es una buena película, innovadora, y que lo mantiene a uno al filo de lo que va a pasar y del desarrollo y desenlace de la historia.
Puede parecer increible que una película perteneciente, nada más y nada menos, que al género musical, estrenada hace más de 30 años, pueda seguir desatano verdadera pasión en jóvenes de hoy en día, que asisten por primera vez a este fascinante espectáculo de la extravagancia, la libertad y la diversión. En mi caso esta pasión no es mero producto del cariño hacia una película de las que se ven en la niñez y te acompañan durante el resto de tu vida, pero que objetivamente, si las vieras por primera vez en edad adulta sólo podría despertar en ti indiferencia. Hace poco más de dos años que perdí mi "Virginidad" como decimos los "horroristas" (los fanáticos de esta atípica obra maestra) cuando la vemos por primera vez. Es evidente que no a todo el mundo le va a impactar del mismo modo, pero lo más probable es que hasta a los más inalterables se les atraganten las palomitas al contemplar a una muy poco habitual Susan Sarandon, con su vestido para ir a misa desgarrado, supklicar a gritos "Touch-a,Touch-a,Touch-a, Touch me...I wanna be dirty". Puedo afirmar con seguridad que incluso a los más reacios se les escapará más de una sonrisa de complaciencia al compartir con el doctor Frankk´nFurter (un travestido Tim Curry, en su máximo esplendor) la explosión de unos sentimientos malvados, infantiles y espontáneos, a partes iguales, con el logro o fracaso de sus planes, fruto de un inmoderado apetito por los deleites carnales. Sólo queda decir que el encanto de esta película es inmortal y que ojalá hubiera imperado, desde los tiempos más remotos, esta especie de religión filantrópica que alaba al propio ser humano como la única divinidad sana y coherente, desterrando la represión de sus instintos primarios, ensalzando la virtud...del placer y animando a sus devotos a conseguir hacer realidad sus sueños. "No lo sueñes...Vívelo". Se suele considerar The Rocky Horror Picture Show como la primera película de culto de la historia. uno de los requisitos para serlo suele ser que la película sea un fracaso de taquilla, y así pasó con este musical, aunque en los pases de medianoche se convirtió en uno de los mayores éxitos de la historia, y se sigue proyectando en nuestros días. La historia comienza con la boda de unos amigos de Brad Majors (Barry Bostwick) y Janet Weiss (Susan Sarandon), una pareja de prometidos, que al volver se pierde en una tormentosa noche, y buscan ayuda y refugio en un extraño castillo. allí, el doctor Frank´n Furte /Tim Curry) ha conseguido crear a un hombre especialemnte guapo y musculoso, Rocky (Peter Hinwood), auqnue no destaque precisamente por su inteligencia. Pronto, Brad y Janet descubrirán que el castillo alberga una fiesta de gente bastante extravagante, con unas costumbres sexuales chocantes para ellos. Ho hay forma de predecir o inluso de explicar el porqué del éxito del musical compuesto por Richard O´Brien (que también actúa en la película). Viéndola friamente, las interpretaciones son exageradas incluso para una obra de teatro, los personajes apenas estan esbozados, y muchas de las cosas que ocurren son imposibles de entender incluso en la retorcida lógica de la película. A decir verdad, ni siquiera las canciones son nada del otro mundo, si bien se dejan oir. Precisamente, quizás su falta de convencionalismo es lo que ha catapultado su fama: no sigue ningún patrón inteligente, y se limita a presentar una sucesión de canciones y de situaciones peculiares engarzadas con mayor o menor tino. es de imaginar además, que muchos de los que hoy se conocen como Frikis, encontraron un refugio al ver en pantalla unos personajes tan desenfrenados y extraños como ellos mismo. Evidentemente, por aquel entones, Ronaldo no habia nacido, y nadie estaba acostumbrado a lo que iban a ser sus cumpleaños. Pero sobre todo, el gran éxito se debe al haber conseguido que la gente se reuna en cada proyección a cantar, hacer ruido, y recitar a voz en cuello las lineas del diálogo. Jamás Tim Curry volvería a estar tanj desatado, y Susan Sarandon tan ingenua y sexy al mismo tiempo. Por encima de su calidad artística, The Rocky Horror Picture Show destaca por haber conseguido hacerse un hueco en el corazón de mucha gente, y como primera cult movie, hacer historia en el cine ¿No es eso lo que se pretende en el fondo?. Esta película se basa en la original obra de teatro que fue de super culto y devoción en Londres en los años 70. Más tarde su creador y actor en la obra (el mayodormo pelado) la llevó al cine con la pareja protagonista siendo Fron Usa para intentar hacerla más yankie(sic)(Susan Sarandon y company). Pero fué demasiado clever para ese tipo de mercado. Se ganó un público de culto, sin embargo y la película es incluso más divertida que la obra original. Ya sólo la tienes que ver una y otra vez para aprenderte las canciones e ir a Londres al Prince Of Charles Cinema en Leicester Square para vivir el mito de docenas de personas todos los días desde hace mas de 20 años, haciendo toda la parafernalia y canciones de la película. Mechaeros encendidos, se tiran agua, cartas, periódicos abiertos, bailes...Disfrútala y Libérate con esta película de un tiempo en el que se vivió la revolución sexual en Europa...Lets do the timewarth again¡¡¡¡¡¡¡
Aunque suene irónico, el cine de fastasmas está más vivo que nunca. Epíritus vengativos, fantasmas en busca de su sitio en el universo o seres de ultratumba están a la orden del día. Actualmente, es raro el mes en que no se estrene en los cines al menos una película que parta de esta base. En esta ocasión, las víctimas son niños inocentes y como indica su título, frágiles. Seres indefensos, cuyos temores parecen no preocupar a los adultos sabedores, aunque a veces erróneamente, de que todo es producto de sus mentes jóvenes e inocentes. El arranque de la película, con ese niño sufriendo múltiples fracturas en si pierna es toda una declaración de principios sobre lo que nos epera en los siguientes noventa minutos. Balagueró es muy hábil, y al igual que ocurría en sus dos anteriores trabajos, la correcta "Los Sin Nombre" y la tediosa "Darkness", utiliza sabiamente a niños para hacernos cómplices, inquietarnos y hacérnoslo pasar bastante mal en una historia dura, tal vez dificil de asimilar, pero que homenajea, y a lo grande, a las historias clásicas de fantasmas. El rpoblema de los anteriores trabajos de Balagueró no eran técnicos. El director catalán ha demostrado con creces que sabe asustar, conoce muy bien el género, y no tiene nada que envidiar a los grandes realizadores de Hollywood. El problema que tenían era de guión. "Los Sin Nombre", estaba basada en una historia de Ramsey Campell, un autor con buenas ideas pero con grandes limitaciones para saber desarrollarlas. Por su parte "Darkness", estaba impecablemente dirigida, pero su historia no se la creia nadie y los actores, aparte de mal escogidos, parecián estar de paseo por la película. Sin embargo, para frágiles Balagueró ha contado con la ayuda de Jordi Galcerán, autor de las obras teatrales "El método Ghonholm" y "Palabras encadenadas", para escribir el guión y es algo que se nota. Los personajes han ganado fuerza respecto a sus anteriores películas, la historia está mucho más elaborada, la película tiene un giro interesante y pese a su absurdo ye infantil final, no sles con la sensanción de que te hayan tomado el pelo. Y eso es agradable. Calista Flockhart tiene una perfecta réplica en un impresionante Richard Roxburgh, muy lejano de sus papeles de villano "Van Helsing","Moulin Rouge" a los quenos habia acostumbrado últimamente. Tampoco no podemos olvidr de una muy correcta Gemma Jones y una debutante Yasmin Murphy, cuya mirada lo dice todo en muchas escenas. "Frágiles" no es perfecta, ni mucho menos. Balagueró se equivoca al abusar de bruscos efectos de sonido una y otra vez o como ya he comentado, en su ridículo final. No obstante, la escena del ascensor y sobre todo, la angustiosa visita de Calista Flockhart a la segunda planta del hospital son absolutamente inolvidables y sobrecogedoras. En definitiva, "Frágiles" es junto a "El Maquinista" la mejor película creada hasta ahora por la Fantastic Factory y demuestra que el futuro del cine de terror en España está en alza y que proyectos como "La Monja", "El Laberinto de Kovak" o "Beneath Still Waters" pueden suponer el despegue definitivo dela compañia catalana. Jaume Balagueró intenta repetir el éxito de "darkness" con este convencional Thriller de intriga paranormal. Cuando al comienzo de la película vemos unas secuencias que parecen directamente fotocopiadas de "El replandor", podemos sospechar que lo que sigue no va a ser una personal reinvención del género. ¿Habremos acertado?. Ha sido rodada con un equipo internacional, tanto técnico como artístico, o lo que es lo mismo, han buscado gente en el mundo anglosajon que entendía de cine, en vez de recurrir al risitas de la tele y a ese cuñado que hizo FP por la rama de electricidad. El resultado, sin ser brillante, tiene el aspecto profesional tan poco apreciado por el gremio local. Sin duda tenendo en mente la anterior experiencia con "Darkness", "Frágiles" ha sido rodada en ingles con la vista en el mercado americano, lo cual explica el insólito y sorprendente hecho de ver estrenada en el 2005 una película española sin desnudos gratuitos y vergonzantes.
Correstísima secuela del "ElSilencio De Los Corderos" que se resiente gravemente de guión de Steve Zaillan que aprovecha los restos dejados por David Mammet y me hubiera sido mucho mejor que el finalmente salió a la luz, cuyo autor es el mismo que el de Despertares o accion Civil, película que por cierto tambien se resiente del libreto de Zaillan. En fin, dejando atrás esto, decir que la saga de Lecter encontró en scott al mejor director posible, ya que si por el fuera, podría el solito sacar la película a flote sin ningun problema y demuestra film tras film porqué es uno de los grandes directores de la actualidad. Su puesta en escena, movimiento de cámara, primeros planos y planos generales son buenísimos y el montaje de Pietro Scalia va a corde con las nacesidades de la cinta, encajando con la direccion de Scott como piezas en un puzzle: a la perfección. Y es que la unión del equipo tecnico es la principal baza del largometraje. La fotografía, la música de Zimmer, la ambientacion, todo es magnifico y pule como puede el ya citado guión de Zaillan. Depués otro fallo de la película es la no presencia de Foster, aunque Moore intenta remediarlo con aceptables resultados, aunque siempre nos quedará ese mal sabor por la negativa de la verdadera Clarice Starling a aceptar este gran papel. Hopkins como siempre que hace de Hannibal, brilla y vale la pena destacar a Giannini quien cumple a la perfección su cometido. Diez años depués de escapar de manos sus guardianes el psicópata Hannibal Lecter y la agente del FBI Clarice Starling volveran a encontrase tras haber sido detectado el antíguo psiquiatra en la ciudad italiana de Florencia, en donde Rinaldo Pazzi, unpolicia italianao está intentando atraparle. Por su parte un adinerado hombre llamado Mason Verger victima de los procederes de Lecter buscará su anhelada venganza. Tercera entrega de las aventuras canibalescas del personaje creado por Thomas Harris. La primera película, que pasó bastante inadvertida, fue "Hunter" en su versiónoriginal "ManHunter", realizada por Michael Mann; la segunda, "El Silencio De Los Corderos" de Jhonathan Demmen resultó todo un éxito popular, lo mismo que este nuevo film que cierra la trilogía Lecteriana. El triunfo a la anterior a ésta se cimentaba en una buena exposición de caracteres, la atractiva conexión paradójica de atracción/repulsión entre sus personajes principales y una aceptable (aunque tópica) trama secundaria bien filmada. Para el buen resultado de este nuevo título, el film tendría que centrar su valía en un sagaz tratamiento psicológico de las relaciones entre el inteligente psiquiatra y sus antagonistas, aspecto en el que fracasa casi totalmente. La relación más importante que procede de "El silencio de los corderos" es Clarice starling y Hannibal Lecter. Ridley scott y sus guionistas intentan mantener la seductora conexión psiquica entre persecutora y perseguido sin alcanzar los niveles de la anterior, debido tanto a la falta de sutileza del contacto como a la menor química extraída entre Julianne Moore y Anthony Hopkins. La segunda relación protagonizada en Florencia por el policía Italiano encarnado por Giancarlo Giannini no carece de intriga, interes y tensión, muy bien manejada por el esteticista trabajo de cámara de scott pero destrozzada por una gratuita finalización. El tercer ligazon y el más desastroso es el emprendido por su antiguo paciente, Mason Verger, que busca una terrible venganza al quedar terriblemente desfigurado (maquillaje estilo "El hombre elefante") tras una noche de drogas y sexo con su doctor. Verger que se encuentra más enajenado que Lecter, podría y debía ofrecer mucho más juego en su confrontación que la pobreza de ideas que desrrola el guión. En su contra apuntar tam,bien el exceso sanguinolento de la violencia (todo el mundo sabe que es mucho más dificil insinuar que mostrar directamente) y a su favor un buen trabajo de cptación de atmósferas (especialmente en Italia) y en el aspecto de realización. La tercera entrega de la saga HANNIBAL es dirigida con escrupuloso sentido de la dirección, casi elaborado en un laboratorio. Aunque su guión podría haber sido mucho más intenso, ya que el libro lo es, Hannibal deja huella en el espectador y es justamente una buena secuela de una maravillosa obra de arte como es El Silencio de los corderos. Mas tarde llegarin títulos como "El Dragon Rojo" y "Hannibal El Origen Del Mal", ambas películas correctas pero ninguna causando sombra alguna sobre su original primera parte de Jhonathan Demmen.
La tercera entrega de la saga de ALIEN estuvo casi seis años creando expectativas. Tras la genial Alien, el octavo pasajero (Alien, Ridley Scott, 1979) y la soprendente secuela Aliens (James Cameron, 1986), la tercera parte tenía que ser el más dificil todavía para contentar a la corte de fans enganchados a las aventuras de la teniente Ripley. Tristemente, depués de un infierno de incidentes durante su preproducción, la película terminaría por ser rechazada incluso por su director, Dvid Fincher (Seven). Sorprende el reencuentro con Alien 3, depués de tantos años de hacer como si no existía. En la época en que se estrenó, las dos primeras, habían sido ya elevadas a los altares, lo que no dejaba mucho espacio de maniobra. La película se recibió, en el mejor de los casos como una simple decpción. Pero para algunos manchaba el buen nombre de la saga y era imperdonable que hubiese permitido tal despropósito, la acostumbrada tolerancia del fan medio. Aunque hay que decir que quizás no muchos fans tuviesen noticias por aquel entonces de la desventura producción de la película. Tres o cuatro directores desfilando por el proyecto, siete proyectos de guión tan distintos uno de otro como la noche y el día, millones de dólares gastados en preparativos que irian directamente a la basura antes siquiera de comenzar el rodaje, ect. Desde luego es interesante ver ver como la idea original de Vicent Ward una especie de monasterio-planetario hecho de madera en el que los monjes, para sobrevivir, debían quemar poco a poco la madera de la que estaba hecho su habitad, terminó por ser la historia de una prisión de alta seguridad, Fury 1, en la que los presos han abrazado la religión y viven allí retirados. El parecido es tan solo superficial puesto que, donde Ward veía un cuadro de el Bosco, un infierno caricaturesco de colores sumidos en la oscuridad, lo que David Fincher terminó por llevar a la gran pantalla fue más parecido a lo que había sido la primera entrega de la saga, una especie de sucio laberinto industrial en el que no había arriba o abajo. Quizás si hubiésemos podido llegar a ver el rocambolesco proyecto del neozelandés Ward en celuloíde se hubiese parecido más a DUNE (David Lynch, 1984) o a la reciente La fuente de la Vida, que a las dos primeras partes de Alien. Cuando David Fincher llegó al proyecto el presupuesto se había esfumado casi del todo. Los productores Walter Hill y David Giler se estaban encargando de reescribir el guión, pero aún no tenían una primera versión. En un set de rodaje en el que los nervios estaban a flor de piel, Fincher consiguió ganarse la confianza de todo el mundo. Peleándose diariamente con todos los que ostentaban la calidad del producto, y similares, apenas consiguió llevar a cabo sus propias ideas, solo querían que acabase cuanto antes. "La clave del asunto residía en la cantidad de confianza que querían depositar en mi" explica el propio Fincher "¿Y quién era yo? Un tipo de veintiocho años que había hecho anuncios y videoclips de Madonna". La película apenas recaudó lo justo como para cubrir gastos. Y sin embargo, a pesar de lo que el propio Fincher opine, creo que merece la pena volver a verla, sobre todo depués de que se hiciese una secuela mucho peor. Alien Resurrección (Alien Resurrection. Jean-Pierre Jeunet, 1997). Pasando por alto los pocos medios con los que cuenta la cinta, lo cual se hace evidente sobre todo en las tomas del exterior, en las que no se termina de conseguir que las maquetas pasen por escenarios reales, las imágenes rodadas en el interior de la prisión tienen una fuerza enorme. Si lo que se pretendía era emular la frialdad y el recogimiento de un monasterio, desde luego se consigue, las sucias paredes de Fury 1 no dan la impresión de grandiosidad que se consiguió en la Nostromo, en la primera película, aquellos estrechos conductos de ventilación que parecían una gigantesca ciudad. La dirección de David Fincher no es ninguna maravilla pero tampoco es rutinaria. Elige soluciones nada obvias a problemas visuales y algunas de las imágenes tienen gran contundencia. En comparación a la siguiente entrega, en la que Jean-Pierre Jeunet realizó un vacuo ejercicio de eyecandy, las imágenes de Fincher tienen una intención narrativa. Eligió, si se pusiese en la perspectiva del monstruo; la cámara giraba persiguiendo a los actores, dando la impresión de que no había forma de escapar. Leyendo sobre la producción de la película que la incógnita de qué hubiese logrado Fincher si le hubiesen dejado verdadera libertad. El guión de Walter Hill y David Giler, escrito ya durante el rodaje de la película, tenia secuencias sorprendentes y diálogos que debieran haber quedado prendidos en la memoria colectiva, pero que supongo se diluyeron en un producto que, al final, lo más que consigue es entretener moderadamente. Se agradece momentos como la scuencia en la que Dillon, algo así como el abada del monasterio/prision, reza por las almas de Newt yHicks, cuyos cadáveres son arrojados al horno de la fundición, y mientras las palabras "Todo muerto lleva una vida dentro", aún resuenan, en montaje paralelo, estamos viendo como nace un nuevo Alien del interior de un perro. Ripley buscando por su cuenta el Alien "No tengas miedo, soy dela familia", llamándole como si fuera un gatito, un perrito, serí más acertado incluso; al encontrar a su ballena blanca dirá: "LLevas tanto tiempo en mi vida que no recuerdo nada más". En el intento de violación de Ripley, la escena de sexo implícita, y fiunalmente una frase, nuevamente de Dillon, que bien podría haber anunciado la película, a modo de Tagline: "Todos vais a morir, La única incógnita es la postura....¿Quereis morir de pie o de rodilla suplicando?". Un detalle que no me gustó fueron los anacronismos. Las otras entregas habían conseguido que no te preguntases más de lo necesario por el contexto en el que sucedia la acción, pero en este caso hay pequeños detalles que resultan algo chocantes en un escenario tan avanzado, con naves ciudad, terraformacion, ect. Ripley pone como pretexto para que se haga la autopsia de Nwet que podría tener cólera, una enfermedad que en nuestros días prácticamente solo se da en el tercer mundo. En otro momento dela cinta Clemens confiesa que se hizo adicto a la morfina, detalle que parece sacado de una novela de arthur Conan Doyle y que no pega mucho en un universo en el que se supone que habrá drogas de combate y demás. aaunque si hay una imagen que, aunque anacrónica, tiene una fuerza extraordinaria: cuando encuentran a un superviviente de uno de los primeros ataques del Alien, este no para de repetir: "Yo no fuí, fue el dragón; se alimenta de mentes". Lo peor del guión es uqe rápidamente se convierte en un psychokiller sobrenatural de lo más previsible, siguiendo muchas de las reglas forjadas por series como Halloween o Viernes 13. Por ejemplo, cuando sucede el segundo de los asesinatos y Ripley corre a avisar a los demás :"Ha matado a Clemenes" y el director de la prisión responde: "No digas estupideces", muriendo acto seguido como castigo. Incluso, al final de todo, cuando parece que está muerto, vuelve a aparecer para vengarse, al más puro estilo Michael Myers. Lo único que se agradece en este sentido es que, por una vez, no se escatima en lo más minimo con el gore, de hecho más bien todo lo contrario, en algunos casos incluso se recrean en los pedazos de cerebro saliendo despedidos hacia la boca de algun sorprendido preso que pasaba por allí justo cuando el Alien decide daarse un festin. En fin, como decía al principio, no tan mala, al menos si consigues olvidar que es la tercera parte de uan saga tan mítica como la de Alien.
Un grupo de cinco delicuentes tras pasar por una rueda de reconocimiento se alían para cometer un robo conjuntamente. Tras viajar a Los Angeles para vender su botín, recibirán la visita de un personaje llamado Kobayashi, quien les propondrá que trabajen para su jefe, el temido y misterioso Keyser Soze, Sólo la mención de su nombre hiela la sangre del que lo escucha por sus espeluznante pasado criminal. Intrincada y tramposa película de cine negro con notable influencia del proceder filmico de Quentin Tarantino, asentada en la costumbre comtemporánea de tejer una historia más o menos complicada con culminación autocomplaciente, sorpresiva pero bastante incoherente con el desarrollo mostrado en el metraje anterior, que sólo es utilizado como sistema de manipulación emocional del espectador. La cuestión es reunir un grupete de personajes con psiques diversas y entretejer una laberíntica trama repleta de constantes giros y multitud fr nombres que aparentemente haga parecer que estamos ante una historia compleja e inteligente cuando en realidad la insignificancia suele ser la constante de una trama que rebota siempre en sus primerizas porporciones. Contada a base de flashbacks, "Sospechosos Habitueles" destaca por la buena realización de Bryan Singer, el buen ritmo otorgado a la intriga y la tensión manejada en la mayoria de su metraje. En el terreno interpretativo, destaca el duelo policía/criminal establecido entre Chazz Palminteri y Kevin Spacey, este último galardonado con el primer Oscar al mejor actor secundario, cuando en realidad es clarísimamente el actor principal. Todos conocemos ya esta película. Si no porque ha ganado dos Oscar, pueder ser por que en ella aparecen Benicio del Toro y Kevin Spacey, actores ambos en alza. O porque la dirige Bryan Singer, que se encarga de la franquicia de "X-Men", seri de películas que a no pocos gustan. O tal vez porque nuestros amigos nos han hablado de ella entre fervor religioso y temor de Dios. O porque el DVD estaba barato. Hay muchas razones para conocerla, y ninguna es mala. A favor tiene la película sin duda, un guión sobresaliente que, sin ninguna pretensión más allá de entretener un rato al personal, narra la historia de cinco delicuentes de élite, reunidos en una ronda de reconocimiento de sospechosos. Se encarga de la historia Christopher Mcquarrie, oscarizado por el guión, pero cuya carrera parece que no terminó de arrancar, puesto que su única aportación posterior al mundillo ha sido "Secuestro Infernal", que sin estar aml del todo, tampoco llega a llamar la atención. El guión es el punto fuerte de la película, pues es muy sólido y se cierra sobre sí mismo de manera muy hábil, no dejando ni un solo cabo suelto, muy a la manera de Shyamalan, pero unos años antes. Hecho que, junto con la ausencia de un significado de ultratumba, lo que hace cierto sector del público lo perciba como algo vacío y sin trascendencia. Lo que conocemos como un timo, vamos. Parece ser que el rodaje fue algo irregular, pues aparte de detalles como la improvisación de Benicio, hay que añadir cosas cómo que nadie conociese la verdadera identidad de Keyser Soze hasta los últimos días de rodaje (hecho que porvocó que Gabriel Burne se enfadase porque creía que lo era él y le parecía una ofensa no serlo), o que el director usase para el montaje final (era una época en la que todavía tenían derecho de montar los directores) escenas en las que los actores se pitorrean entre ellos, fuera de guión (como la de la rueda de reconocimiento) u otras en las que hay "accidentes" como cuando alguien le tira un cigarro al ojo de Baldwin, casi sin querer. En fin, una gran película recomendada para espectadores de 9 a 99.
A diferencia de muchos fans de la literatura cyberpunk que destruyen esta película sin romerdimiento alguno, a mi me resulta muy simpática y en ciertos momentos bastante efectiva. Cierto que no tiene casi nada que ver con el relato corto de Gibson, pero la adaptación y el posterior "hinchazon" (bastante grande, teniendo en cuenta la brevedad del relato) no estan nada mal; ciertamente podría haber estado mejor, pero es lo que hay. De todo el cyberpunk (o pseudo-cyberpunk) cinematográfico esta es una de la películas que más bien recogen su estética (no asi su profundidad narrativa, pero bueno nada es perfecto). Primeramente, el guión está adaptado por el mismo Gibson, que si bien ha renegado bastante de la película despues de su escaso exito, dio unas ordenes precisas sobre la estética que la hacen muy parecida a sus libros. Y por otra parte, Robert Longo hace una labor titanica al reunir a actores tan dispares en una sola película; en el film podriamos ver juntos a Takeshi Kitano, Dolph Lundgren (en la que es seguramente su mejor actuaación, demencial) Henry Rollins, Ice-T y Keanu Reeves, sólo por eso ya tiene un enorme merito. A los que os guste el cyberpunk y Gibson seguro que ya os sabeis la historia; la carrera desesperada de Johnny, un correo menmotecnico que lleva una importante informacion en el disco duro implantado en su lobulo occipital; y los grupos que le persiguen incesantemente: megacorporaciones, yakuzas, mercenarios.. ..Todos quieran su cabeza, viva o muerta. Los personajes no tienen precio: el atormentado direftivo de Pharmacom, Takashi (Beat Kitano soberbio como siempre), la mercenaria Jane (la atractiva Dina Meyer) el medico Spider (irreconocible Henry Rollis) el pandillero J-Bone(Ice-T) el chuloputas Ralf(un magnifico Udo Kier, que acaba en rodajas, como en el libro) y sobretodo El Predicador, el fanatico mercenario religioso interpretado por un Dolph Lundgren que se sale. Una buena ambientacion y una fotografía muy deudora de muchas otras películas futuristas, pero aun asi buena. Las imagenes de la red son geniales, por fin se le pone cara a las bases de datos, el hielo y los sistemas que Gibson narra en sus libros. En fin, a mi me gusta, se que es complicado adaptar el complejo mundo de Gibson, y este es un buen intento, pero aun queda mucho por hacer. La película conserva a fecha de hoy un argumento interesante, acción suficiente como para no despegarte de tu sillon en todo el tiempo que dura y un reparto de autentico lujo. "Johnny Menmonic" cuenta originalmente publicado en el libro "Quemando Cromo" significó la primera adaptación del cine de un relato de William Gibson. Para el caso de una adaptación inaugural de este autor, el intento supone una serie de grandes desafios, entre ellos son de un nivel de abstracción considerable o constituyen una endiablada red de términos técnicos. Por lo tanto es imprescindible una participación muy activa por parte del lector/espectador. Por otro lado tambien las otras constantes que significan el escenario futuro planteado por la mente de Gibson: megacorporaciones que reemplazan a los sistemas políticos, la yakuza como policía de dichas corporaciones, la utilizacion de implantes para reemplazar o ampliar las funciones biológicas de los seres humanos, el espacio virtual, la información como valor esencial, la inteligencia artificial y los ámbitos urbanos entre otros interactuando vertiginosamente. La resultante es una película descompensada, en la que el catálogo de obsesiones le gana al desarrollo de las ideas. Logra ser un juego que muestra respetuosamente todas las cartas mencionadas anteriormente pero que no se atreve a jugar ninguna con la convicción necesaria. Longo pareciera querer abordar estos aspectos para mostrar la deshumanización y la pérdida de identidad de aquellos que siguen ciegamente las supuestas bondades del progreso técnico, pero no llega a alcanzar la meta. Las motivaciones de los personajes son abordados de manera superficial, dejando de lado los sensibles matices oscuros que solemos encontrar en los personajes Gibsonianos. Los conflictos subyacentes y los fenómenos asociados a toda esta nueva perspectiva, fueron desaprovechados abandonando su potencial y privilegiando la acción más ordinaria, en donde lamentablemente, las escenas filmadas tienen menos atractivo que las realizadas por animacion computada.
Cuarto film realizado por Woody Allen, escrito por él y Marshall Brickman. Se rodó en Denver (Colorado) y alrededores, Bronson Caves (L.A.), Carmen Valley y Santa Clarita (CA), con un presupuesto estimado de 2 millones de dólares. Fue nominado a un WGA(Guión original). Producido por Jack Grossberg, se estrenó el 1711-1973. La acción tiene lugar en un lugar indeterminado de EEUU, en 2174, 200 años depués de que Miles Monroe (Allen) fuese hibernado en una cápsula de supervivencia en un hospital de Manhattan, tras complicaciones de una intervención por una úlera péptica. La cápsula es hallada en un bosque por un grupo revolucionario, que procede a su descongelación ilegal. Depués de salir del letargo inicia una carrera de aventuras que le llevan, disfrazado de robot de servicio doméstico, a la casa de Luna Schlossen (Diane Keaton). Él es un mediocre clarinetista, que sobrevivía modestamente gracias a un colmado de alimentos naturistas. Ella es una simpática poetisa de escasísima inspiración. La película es una comedia que combina humor y elementos de cienci ficción, en boga en el momento. Predomina el humor físico (gestual), propio del slapstick, inspirado en Keaton, Chapli, Laurel y Hardy, Hermanos Marx, Bob Hope, Jerry Lewis, Tati y otros. La relación con los maestros del cine cómico es patente en la escena del espejo (Groucho y Harpo Marx), la cocina ultramoderna ("Mitío" de Tati), la operación de descongelación ("Un día en las carreras"), las escenas de amor físico (B.Keaton),enredo en cinta de celuloide (Chapli) etc. Rinde homenaje y satiriza algunas películas futuristas, como 2001 una odisea en el espacio (en la VO la voz del ordenador es la misma que la del HAL-9000 del fil de Kubrick). Satiriza la comida rápida (millones de sucursales de Macdonald´s),biodenética (frutas y verduras gigantescas), la robótica (perro robot, confesor robot, sirvientes programados al gusto), la clonación, etc. En sus correrias constata que en el mundo futuro proliferan los motivos de infelicidad:la conciencia de las personas está aletargada, el gobierno está en manos de un tirano ("The Leader"),etc. Elogia la Wolkswagen, critica los aparatos japoneses y dedica un giño de simpatía a "Un travía llamado deseo", de Tennesse Williams, y a su adaptación al cine (Kazan, 1951). Toma elementos de "1984", de Orwell, y de "La Nariz", de Nikolai. La música, jazzística y muy adecuada, corre a cargo del realizador y de su banda "The New Orleans Funeral Ragtime Orchestra", La fotografía hace uso frecuente del zoom y realza la comicidad viosual. Se beneficia de unos decorados espléndidos. El guión desarrolla un relato único, chispeante, irónico y mordaz. Es la primera interpretación de Diane Keaton a las ordenes de Allen. La dirección imprime a la obra un ritmo intenso, con escasas oscilaciones. Película gratificante y entretenida, emblemática de la primera época de Allen. Es grandiosa, imperdible. Quizás no sea tan cerebral como algunas de las posteriores obras de Allen, pero vaya si es divertida, los amantes de la comedia la encontrarán irresistible, pero en general, todo partidario del buen cine sabrá reconocer su innegable mérito. ........Mi cerebro es mi segundo órgano favorito.....
Como ya ocurriera hace tiempo con la nefasta La Casa de Mike Figgis, el trailer de El Bosque lleva a engaños. En él, te hacen creer que la última película de M.Nigth Shyamalan va a ser una película de terror al estilo de su anterior trabajo, Señales, pero nada más lejos de la realidad. Puede que este sea el motivo por el que esta película ha cosechado malas críticas y la hayan tachado como la peor realizada hasta la fecha por su director. Tal vez, la gente salió defraudada del cine al ver algo que no era lo que esperaba y puedo llegar a entender las criticas que ha tenido (a mi tampoco me gusta comer paella cuando he pedido ensalda), pero ese es el problema que nadie dijo que El Bosque fuese una película de terror. El Bosuqe es una película que trata sobre el miedo y el poder que éste tiene sobre la gente. Shyamalan nos adentra de nuevo en su particular universo para ofrecernos una película grandiosa, coral, donde todos tienen algo que ocultar. La película comienza de forma fantástica, creando suspense desde el primer momento y poco a poco, el director de El Protegido, nos va dejando pistas, tal vez demasiadas, para llevarnos a un final maravilloso donde todas las piezas del rompecabezas encajan a la perfección: las bestias del bosque, el terror de los habitantes de la aldea, la chica ciega que es la única capaz de llegar a la ciudad. Shyamalan es un genio detrás de la cámara. Rueda con una sensibilidad fuera de lo común. Tiene un don especial para inquietar o hacernos sonreir con una secuencia simple. El bosque tiene uno de los crímenes mejor rodados y escalofriantes que recuerdo y solamente necesito dos primeros planos para ello. No hacen falta palabras si se tiene talento (recordemos la escena en que Willis descubre la verdad en El Sexto Sentido). El reparto de El Bosque es sensacional. Shyamalan ha conseguido reunir a Sigourney Weaver, Joaquin Phoneix, Adrien Brody, Blenda Gleeson o Michael Pitt por cintar a algunos y todos ellos están a un gran nivel. Pero me gustaría hacer una mención especial a WIllian Hurt, un actor últimamente algo olvidado, que es la piedra angular de El Bosque y aborda de forma magistral un papel muy dificil por la importancia qie tiene en el conjunto de la película. Si realmente quieres disfrutar de El Bosque, no vayas con una idea preconcebida sobre lo que vas a ver. Lo agradeceras. Que no, que no es una película de terror. ¿Estás avisado?. Pues aquí van, para todo aquel que no la haya visto, tres reglas que aconsejamos no deben ser quebrantadas. I: Ante todo, evite cualquier contacto con todo auel que ya haya visto "The Village". Puede que, aunque sea sin querer, le desvele parte del que es, para este cronista, uno de los guiones más prodigiosos que se hayan visto en años en una pantalla de cine(lástima de lápida que dilapa parte de su perfeccion..) II: Si no la ha visto, considérese afortunado. La primera visión de esta película es una experiencia irrepetible. Posteriores visiones podrán seguir deleitándole con su increíble despliegue de escenas memorables, que lo mismo le aterrorizan en décimas de segundo, que le sobrecogen por su sutileza (la cámara acaricia), poesía (¡Qué bella historia de amor!) y emoción (véase los preciosos últimos segundos). Pero ya no será lo mismo que la primera vez. III: ¿Creía ud. que el final de "The Sixth Sense" era original? Prepárese; la aventurilla de Bruce Willis y el niño miedica era sólo un calentamiento (aquí los giros son más complejos) de este genio llamado M. Night Shyamalan, un director con una mente fascinante y una dirección que cautiva (que casi hipnotiza) con su personalísimo estilo, paradigma de elegancia en el cine actual. Es cierto que a muchos el film les decepcionó porque esperaban otra cosa, una historia de terror...¿Mejor? No haga caso. Véala. Puede que ud, sea de los nuestros. De los que pensamos que es una maravillosa parábola sobre el poder del miedo, de los que consideramos que es un placer ser contemporáneo, y poder asistir en una sala de cine, a cada estreno del tipo con la carrera cinematográfica más sugerente del cine comercial de hoy en día (exaequo con Michael Mann). Son muchos adjetivos superlativos. Lo sé. Pero es que no es posible mejorar "El Bosque".
Los niños...Esas criaturas adorables, capaces de hacernos sonreir y olvidar nuestras penas con un gesto o una simple sonrisa. Los niños....que con tanta facilidad nos hacen felices como se convierten en los seres más terroríficos que podamos imaginar cuando vienen acompañados de amigos imaginarios. Y es que..¿Quien no ha tenido un amigo imaginario en su infancia?. Un compañero de fatigas irreal que se convirtió por unos días, unos meses o unos años en nuestro más fiel confidente. Si hasta Pablito Calvo, ejemplo de bondaad y de buenos valores, tenía a su inseparable "Manué" como compañero de andanzas en Marcelino Pan y Vino. Sin embargo, a diferencia de la película de Ladislao Vadja, los amigos imaginarios de El Orfanato, no traen tan buenas intenciones. El Orfanato es ante todo una película clásica de fantasmas. Parece mentira que detrás de este estupendo trabajo, más propio de la época madura de un cineasta, están Sergio Sanchez y J.A. Bayona, guionistas y director primerizos. Bayona ha rodado de forma magistral y elegante, una historia que pese a lo porpicia que podía ser para caer en innumerables clichés propios del género, atrapa al espectador arrastrandolo irremediablemente a su espectacular climax final. Puede que El Orfanato tarde en arrancar. Su primera mitad, pese a sus buenas intenciones y que sirve para sentar las bases para lo que se avecina, se alarga innecesriamente y no es hasta el momento de la llegada de los parapsicólogos a la casa, cuando la película comienza a funcionar como una máquina engrasada perfectamente, llegando a un final, tan maravilloso, como irónico y desazonador. El Orfanato tiene escenas gloriosas. La primera aparición de Tomás, los magníficos cinco minutos de Geraldine Chaplin, o Belén Rueda jugando al "1,2,3..."tardarán tiempo en olvidarsele al espectador. Además, la magnífica fotografía y los escenarios, sólo posible en los incomparables paisajes del norte de España, engrandecen el conjunto de la película. Y por último esta ella....Belen Rueda, que solapa todo lo demás. Y no es que Belén Rueda funcione bien en la película....es que ella es la película. Resulta imposible imaginar a otra actriz en el pael de Laura (tiene Goya prácticamente asegurado) y su impresionante trabajo es su mejor carta de presentación ante todos aquellos, que toddavía la siguen viendo como una actriz de televisión. Esta película, producida por Guillermo del Toro y dirigida por Juan Antonio Bayona, puede caracterizarse como una de las mejores propuestas del cine Español en el género de terror (género que parece triunfar más), no es de extrañar la gran espectación que surge debido a la posibilidad de llegar a representar A España en los próximos Oscars en la categoría de Mejor película de habla no inglesa. Por otro lado, la actriz Belén Rueda, que abandono la serie "Los Serrano", producida por Telecinco, para dedicarse al cine en la gran pantalla, es la protagonista de esta magnífica obra. Interpreta a Laura, que de niña creció en el Orfanato al cual regresa junto con su familia con la intención de abrir una residencia para niños discapacitados, lugar donde se desarrolla la acción. Este es un papel que sin duda ha sabido interpretar notablemente. En cuanto a la fotografía, el trabajo realizdo por Oscar Faura es espectacular y bien hecho, puesto que ha sabido capturar la belleza de cada escena. El Orfanato es una película entretenida a la vez que emotiva, que nos envuelve en un ambiente que, conforme avanza la historia, nos provocará cierta sensación de terror psicológico y, auqnue no es tan terrorífica como nos hace creer, en más de una ocasión puede provocar algún que otro susto, gracias a la banda sonora, justa y medida, es decir, no llegar a ser excesiva, como muchas otras películas del género, a la hora de intentar porvocar sensación de miedo u otra semejante, y es que como dicen algunos entendidos, las buenas pel´ñiculas no tienen porqué caracterizarse por la abundancia de la música. En Definitiva, podría decir que esta película te sorprenderá. Y que mejor manera para descubrir todos los detalles que verla y juzgarla por ti mismo.
Que M.Night Shyamalan es un excelente director es de obra conocido. A pesar de contar con detractores, con un mínimo de sensibilidad es fácil apreciar su inusitado talento para el suspense y para dotar de humanidad a sus personajes. Personamente, esta película empieza una ligera cuesta abajo en lo concerniente a calidad que, espero, con la película de "La Joven del Agua" volverá al nivel de sus dos primeros filmes. "Señales" cuenta la historia de una invasión extraterrestre desde una ventana chiquitita. Son palabras del propio Shyamalan, y es una descripción perfecta. A lo largo de su metraje queda patente el mencionado talento de caracterización, convirtiendo a Mel Gibson en su sufridor pastor que ha perdido a su mujer en un horrible accidente de tráfico, que vive con sus hijos y su hermano. La tensión crece con los círculos de cultivo que se multiplican por el mundo, y ya en el momento de la invasión, llegamos al cenit de la película. "Señales" es una notable película porque mantiene el suspense hasta en los momentos rídiculos (con Joaquin Phoenix, siempre competente, jugando con el papel de plata) y nos brinda un par de escenas memorables: la aparición de un alienígena delante de unos niños que celebran un cumpleaños(rodada en video doméstico). Su sencillez es su mayopr baza a la hora de transmitir ansiedad; y cuando el hombre que mató a la mujer de Gibson le asegura haber encerrado a un alienígena; Gibson se acerca a la puerta aporreada y usa un cuchillo como espejo para observar, siéndoselo arrebatado. El rpoblema de Shyamalan es la manía de dar un giro sorprendente al final de la película. Funcionó en "El Sexto Sentido" y "El Protegido", dando sentido a la narración y cerrandola, pero en el caso de "Señales" hace agua por todos lados (y nunca mejor dicho). Y es que poner al liquido elemento como un ácido para esos visitantes, y que no se den cuenta de ello cuando el aire mantiene de forma permanente un porcentaje de agua roza el ridículo; el enfoque que podría salvarlo, el de la cicencia ficción ingenua, por desgracia es incompatible con el desarrollo de la trama. Depués de impresionar con su estupenda película debut y presentar un segundo título muy interesante y más ambicioso en su naturaleza, que estaba lastrado por un guión de mediocre estructura. M. Nigth Shyamalan vuelve al suspense con "Señales", una película que carece de la ambición de su última película y de la sorpresa de su primera. Es indudable que este autor, quien siempre se reserva un pequeño papel en sus rodajes, posee un manejo de la realización excelente y una loable presteza visual, que sus encuadres y movimientos de cámara están perfectamente reflexionados y que suele acertar en la consecución de una atmósfera inquietante con predominio de la sugerencia sobre lo mostrado, al margen de si la intensidad lograda en un momento dado consiga o no su objetivo de inquietar al asistente a la sala. Su error es querer ir más allá de la simple situacion de suspense creada, conjeturando tramas más centradas en el estudio del personaje que en el desarrollo idóneo de la situacion que enclava a la película dentro del género. Si la penetración psicológica del caracter central (mel Gibson) resultase inherente al detonante de la trama (la aparicion de las señales extraterrestres y la llegada de los mismos), ciertamente se produciría la efectividad deseada, pero en este caso no sucede así. Si incluso esas diatribas personales e interfamiliares fuesen relevantes para alguien más que para su protagonista, también funcionaria, pero la exposición del viaje interior a las creencias y la fe del ex sacerdote interpretado por Gibson, estigmatizado por la muerte de su esposa, lo único que conlleva son algunas escenas con largos diálogos bajos en interés y flashbakcs subrayados que aletargan y desconexionan la cuestión principal del fil, la llegada y contacto con los extraterrestres, invitados, más traviesos que amenazantes, al miramiento psicológico del clérigo y sus peculiares parientes. En resumen, Shyamalan tenía una idea: un hombre que se dedica a predicar la fe, la pierde y la encuentra por dos hechos puntuales. Juega con un título (señales, marcas de los extraterrestres...señales, indicaciones divinas para que mantenga mis creencias) y desarrolla esa idea arrimando esta cuestión (bastante trivial, por cierto) al género donde mejor se desenvuelve, el terreno del misterio y el suspense, pero naufraga, al margen de su meritorio tacto visual, por el propio sinsentido de la mixtura. En resumidas cuentas, una muestra de buen cine de un director que, parece, jamás rozará la mediocridad. Y eso es más de lo que se puede decir de otros talentos noveles.
¿Realmnte la muerte tiene un plan para cada uno de nosotros del que no existe escapatoria posible?.
Es posible engañar a la muerte con un movimiento inteligente, solo hay que descubrir la forma de hacerlo. Con esto Wong reclama sin distracción toda la atención del público, al que mantiene despierto también con una potente sucesión de sustos.
Diferente, malintencionada, entretenida, eficaz, con homenajes a maestros del género y un cameo de Tony Todd (Candyman).
Es grandiosa, imperdible. Quizás no sea tan cerebral como algunas de las posteriores obras de Allen, pero vaya si es divertida, los amantes de la comedia la encontrarán irresistible, pero en general, todo partidario del buen cine sabrá reconocer su innegable mérito.
