En cierto modo, "Depredador" era ya l adaptación al estilo Schwarzenegger de "Alien", y el hecho de que sigamos a vueltas con el alienígena cazador, y toda la parafernalia que ha generado fuera de la pantalla, diche mucho de su calidad, por muy lejos que esté de la película de Ridley Scott. Con la franquicia de "Alien Versus Predator"(de la que me temo no será esta la última) se ha conseguido transformar el planteamiento de las originales en una simple cuenta atrás de personajes muertos, batallas interraciales y churriconspiraciones a lo "Expediente X".Aunque a mí personalmente esa marabunta de alienígenas correosos en un pequeño pueblo me ha recordado a "Gremlins", más que nada. El panteamiento es sencillo; para los que, como yo, no lo recuerden o no hayan querido verlo, la primera entrega de la saga terminaba con una nave Depredador abandoando la Tierra, transportanto a los supervivientes del primer enfrentamiento, entre los que se encuentra el huésped de un Alien. "Alien Versus Predator 2" comienza con el nacimiento del engendro, que provoca el accidente de la nave en la américa profunda y la consiguiente carnicería y carniza. A ella se oponen la población locaal ( un pueblo compuesto por extras de películas de terror: el ex-convicto reformado, el hico pobre enamorado dela niña rica, la niña que ve monstruos), por aquello de sobrevivir, y un depredador llegado desde su planeta natal acabar con todos los aliens, por aquello de la venganza y el gustillo. Bien sirve como muestra de a donde quiere ir la película el hecho de que por ejemplo , en "Alien" el ataque de los "facehuggers" (los bichos con forma de mano que se pegan a la cara y contaminan con la semilla alienígena) se resuelve rápidamente tras unos momentos de tensión, mientras que en "Alien Vs Predator 2" podamos ver en repetidas ocasiones, con todo lujo de detalles biológicos y mucha variedad de planos la anatomía dela unión y lo desagradable que es. La mayoría del metraje se va en este tipo de zarandajas, alienígenas que se meten en humanos, alienígenas que salen de humanos, alienígenas que sacan a otros alienígenas de dentro de un humano a tortas, ect, asi que no hace falta demasiada historia, ni que los personajes humanos vayan más allá de la postal. Se limitan principalmente a aparecer en escena en orden de importación y a salir de ella (generalmente sion todas las piezas) en orden inverso a como han ido apareciendo. El único interés es ver hasta dónde está dispuesta a llegar, pues ya en los primeros instantes, no sigan leyendo si quieren llegar frescos para verla, uno de los invasores mata a un niño, lo que suele ser un tabú y avanza que puede no ser demasiado respetuosa con las reglas del "quién muere/quién vive" de este tipo de películas. Aunque es cierto que los enfrentamientos entre ambas razas tienen cierto atractivo y que el climax final tiene su punto de emoción (lo que unido a que "Alien Vs Predator 2" dura menos de hora y media hacen la película soportable), la dirección tampoco es gran cosa, abusando de los tres o cuatro recursos obvios que tiene, como los golpes de orqueta y la depredador-visión, que harta. Desde luego como especie serán el no va más de la evolución, dominarán el viaje interestelar y la bioingenieria, pero lo que es en tecnología visual, los depredadores se han quedado estancados en Dogma 95. Por supuesto depués de lo que debería ser el final de la película, aparece la dichosa coda que amenaza continuación y que requiere ciertos conocimientos de las sagas originales para ser descifrada. En fin, se trata de una película que a nadie puede engañar, auqnue da un poco menos de lo que promete. Recomendada para la gente que depués de meterse el dedo en la nariz, examina el pecio. desde el cartel promocinal, se puede ver que los escasos (y diminutos) destellos de calidad de esta película provienen de la capacidad de plagio respecto a las películas que le preceden. Que nadie se engañe: ver una película que usa de forma tan nefasta unos personajes de culto no nos hace recordar con cariño las antiguas películas; pone furioso el haber ido al cine en vez de comprar cualquier de las películas originales en DVD. En este sin sentido donde se suceden personajes planos, arquetípicos casi hasta la parodia, y mosnturos, de la sensanción de que no hay director, y atención, porque este filme tiene dos. De entrada, el punto de partida de ambas criaturas se desvirtúa: el misterio de las seis películas anteriores se disuelve, convirtiendo a las criaturas en algo mundano que puede suceder en cualquier sitio, entiéndase cualquier sitio al típico pueblo americano donde en teoría nunca pasa nada, y en la ficción siempre pasa algo. Para colmo, la imagen se impone a la lógica, como la tontería de que un Depredador aterrice en el agua cuando todos sabemos qué ocurre; pero claro, querda demasiado chulo verle salir chisporroteando, auqnue el guionista se olvida de que el agua afecta también a su armamento. ëste es sólo un ejemplo de cómo se cogen "prestados" escenas de las anteriorres películas y las convierten en un videoclip sin musica. Atención al ciclo de gestación de los Aliens, que cada día es más corto:maldito el día en que Paul Anderson decidió acortarlo en su primer AVP para no pensar demasiado. Por último destacar que lo único salvable de la película es su desmedido sadismo. Las antiguas reglas donde los más inocentes (no, la animadora tontano, me refiero a las embrazadas y los niños; todo el mundo sabe que los ancianos, salvo que sean Jack Nicholson o Morgan Freeman no existen en las pelíclas) consiguen sobrevivir son violadas. En AVP:2 no se salva ni los niños ni las embarazadas. Puede que a alguien le guste, pero las escenas donde ocurre dichas muertes son tan forzadas que se nota, y es como que te cuenten un chiste: pierde la gracia de esamanera. Allá por 1979 salio una maravilla de película de terror cuya principal virtud era que no se enseñaba al mosntruo hasta bien avanzada la película. Casi diez años mas tarde, un aficionado a la caza intergalactica hizo sudar la gota gorda al mismísimo gobernador de California mientras agitaba sus rastas al son de la música tribal de Silvestri. En el 2004m Paul W.S.Anderson, en su papel de paladín de la adaptación del videojuego al celuloide, trajo la primera entrega de este crossover entre bichos extraterrestres, bersión que hice bien no viendo en el cine y esperando al DVD; cosa que no ha ocurrido con su continuación.
Excelente cinta a cargo de uno de los cineastas más prefesionales y con mayor sentido del espectáculo en la historia universal del cine. En esta ocasión Pollack, factura en dicho año, 1982, año de películas de calibre de E.T. Blade Runner o Diner, esta maravillosa y deliciosa cinta sobre la vida de un actor en paro durante 20 años que se gana la vida como camarero junto a su compañero de piso, también actor y guionista, Jeff (Bill Murray), y que en sus ratos libres, cuando no se presenta a algún casting, da clases de arte dramático a jóvenes actores. Nueva Yorks, años ochenta, mucho para en el circuito de Off broadway, en el que muchos aspirantes jóvenes y no tan jóvenes suspiran y aspiran por un papel en cualquiera de las mediocres y escasas de talento obrs teatrales. Como en Hollywood (Los Angeles) los aspirantes a estrellas de cine, en Broadway (Nueva York) los aspiantes a estrellas de teatro, se ganan la vida también de camaeros, repartidores, expendedores de gasolina, ect. Resulta abvio resaltar la doble y magnífica interpretación de Dustin Hoffman (uno de los mejores actores de la historia sin discusión alguna) primero como el actor en paro durante 20 años, y posteriormente como Dorothy Michaels, su alte ego femenino, aflorante por necesidades de la vida. Su única ilusión es la de reunir suficiente pasta para poder apotar en serio por un oficio copado en su cargos burocráticos y ejecutivos por abolutos incompetentes llenos de ego y mediocridad, interpretando un papel en una obra escrita por su compañero de piso Jeff. No sólo está llena de hilarantes momentos de humor irónico, sarcástico y por momentos mordaz, si no de una sutil crítica a la fútilmente transgresora cultura de los 80, donde el art-pop se veía gruesamente invadido por lo kitsch, y donde el trinfo y el encumbramiento personal y profesional tenían más bien que ver con una suerte de mezcla entre el azar, la cabalística y el estar presente en el momento justo que con los méritos y la perseverancia en el desempeño de las funciones profesionales. Michael desea a un mujer, Julie Nichols (correcta Jessica >Lange), y a su vez se ve deseado por otra mujer Sandy su amiga de un one-night stand, y también por el padre de Julie cuando se trata de Dorothy... Un delicioso entuerto, deshecho por la sabia conducción del maestro Pollack, quien como es habitual en él, aparece también escena como el representante de Michael. Tootsie fue una de las comedias de más éxito de los años 80, un verdadero hit que mereció 10 nominaciones a los Oscar en 1982 y el respaldo mayoritario del público, para una comedia de enredo y equívocos-sólo superada por >E.T. en la taquilla de entonces-, con la eterna discusión de los roles sexuales como transfondo. El film, acertado de principio a fin, no ganan ni pierde con sucesivas revisiones. El talento de Sydney Pollack para otorgar realismo a un género que no era suyo, se trató de su primera comedia, y la entrega de todo su reparto sin excepción, remató un guión de los considerados de hierro. La consistencia del producto final es notable, y su actualidad, plena. La eleccion de Sydney Pollack como director fue chocante en su moemtno. Pollack, director hasta ese momento de dramas o thrillers como Yakuza o Los tres días del Cóndor, supo como hacer de su seriedad una ventaja, y aportó a la comedia absurda ese toque de realidad que supo traer Tootsie al mundo real sin hacerla realista, dando peso a los personajes (fenomenales cada uno de los secundrios), huyendo de la caricatura y no explotando excesivamente situaciones típicas del género (que no obstante aparecen, cada una de ellas), situando los dilemas morales y sexuales de sus personajes en un territorio de notable humanidad y actualidad. El guión de Larry Gelbart, el de M.A.S.H, explota etereotipos y enredos sexuales, pero su solidez es digna de elogio. El mismo, fruto de innumerables reescrituras (a cargo del exigente Hoffman, verdadero alma mater del proyecto), supera lo predecible de su historia y retrata con calidez los personajes. Además, sus reponsables han sido capaces de codificar la visión de la guerra de sexos, destinados siempre a buscarse y no encontrarse, de la mejor forma posible, sin confundir el disparate y la ligereza intracendente con la simpleza: Toosie contiene momentos que retratan el fracaso del amor, del sexo y la amistad entre hombre y mujer, aunque nos anime a seguir buscando el más grato de los encuentros. Michael Dorsey, a través de su creación femenina de Dorothy Michaels, se convierte en mujer para acto seguido volverse finalemnte mucho más hombre de loq eu antes era. Y Pollack, que lo mismo filma un documental como Apuntes de Frank Ghery que un thriller del montón como La intérprete o algunas obras maestras, lo sabe y lo refuerza. Tootsie no es un film sobre travestismo ni la intrnsigencia de la transgresión, es una comedia realiada con los mejores conocimientos del género decidida a satisfacer pero sin acaramelar.
Sinopsis: La última aventura de Indiana Jones (Harrosin Ford) empieza en el desierto del suroeste Estados Unidos en 1957, en plena Guerra Fria. Indy y su amigo Mac (Ray Winstone) acaban de escapar por los pelos de las garras de unos infames agentes soviéticos en un remoto aereopuerto. El profesor Jones regresa a casa y se entera de que las cosas van de mal en peor. Su mejor amigo, el decano de la Universidad (Jim Broadbent), le dice que muchos sospechan de las últimas actuaciones de Indy y que el gobierno presiona a la Universidad para que le despidan. Indiana, a punto de irse, conoce a un joven rebelde llamado Mutt (Shia LaBeouf), que le propone un trato. Si el arqueólogo le ayuda a resolver un problema personal, podría hacer uno de los descubrimientos más espectaculares de la historia; se trata de la Calavera de Cristal de Akator, un objeto legendario que despierta la fascinación, la superstición y el miedo.
Indy y Mutt viajan al rincón más perdido de Perú, tierra de antiguas tumbas, exploradores olvidados y rumores de una ciudad de oro. Pero no tardan en descubrir que no están solos; los agntes soviéticos también quieren apoderarse de la Calavera de Cristal. Los miembros de una unidad militar de élite, dirigidos por la fría, calñculadora y letalmente bella Irina Spalki (Cate Blanchett), quieren apoderarse de la Calavera, convencidos de que ayudarán a los soviéticos a dominar el mundo, si consiguen descifrar su secreto. Indy y Mutt deberán despistar a los despiadados soviéticos, seguir la pista de un misterio insondable, sortear a enemigos y amigos dudosos y, sobre todo, impedir que la Calavera de Cristal caiga en las manos equivocadas. Pueden estar tranquilos quienes deseen pagar por verla. "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal" es decididamente buena. Y se lo digo sin ambages ni medias tintas. La última entrega de la saga protagonizada por Harrison Ford y dirigida por Steven Spielberg es más Indiana que nunca. Sólo les propongo un ejercicio práctico antes de sentarse delante de la pantalla. Libérense de prejuicios, no hagan caso de las malas críticas y mucho menos de las excelentes. Olvídense de los años que tiene el protagonista y, sobre todo, olvídense de su propia edad. Propónganse únicamente pasar un buen rato en compañía del arqueólogo más famoso del cine y no saldrán defraudados. Parecía dificil depués de tanto tiempo desde la última vez que le vimos en la gran pantalla. Nada menos que 19 años. Pero, al final, lo han conseguido. Spielberg y George Lucas pueden sentirse orgullosos del resultado: le han devuelto la vida al mejor héroe de aventuras de la historia del cine y han hecho honor a la saga. Al "Reino de la Calavera de Cristl" no le falta de nada e incluso profundiza en lo mejor de las tres primeras entregas. La cuarta tiene más y mejores diálogos, uno de los grandes aciertos de "La última cruzada". Tiene también más acción, lo que recuerda mucho al trepidante "El templo Maldito". Y, sobre todo, recuerda la magia de lo divino o sobrenatural, esta vez por medio de la ciencia ficción, que se logró con "El Arca Perdida". Después de muchas peliculas serias y de haber crecido como actor, Harrison Ford vuelve a ser divertido interpretando su papel favorito, el de intrépido arqueólogo que jamás renuncia a una buena aventura ni se intimida ante los peligros. es evidente que los años pesan, pero menos de lo que pudiera imaginarse. Su casi inapreciable pérdida de agilidad se ve compensada por la experiencia y la sabiduría. Además de un gran sentido del humor que le permite reírse de sí mismo durante toda la película. Los chistes y bromas sobre su edad son una constante en la historia, y logran que nadie se sienta engañado con el personaje. Como en las tres primeras entregas, el personaje principal está rodeado de fantásticos actores secundarios, esta vez de lujo y más numerosos. El magnífico Sean Connery ya no da vida al padre de Indiana, pero sin querer desvelarles lo que algunos ya sabrán, sí les diré que se mantienen los lazos familiares con la aparición de un nuevo personaje inspirado en un joven Marlon Brandon. Para aumentar la carga nostálgica y recuperar la magia de la saga, la actriz Karen Allen vuelve a interpretar el papel de la atrevida aventurera a la que dio vida por primera vez en "El Arca Perdida". Estén atentos a la valiente Marion Ravenwood porque les reserva una sorpresa al final de la cinta. Sin duda, quien despierta más interes aparte de Ford es la admirada Cate Blanchett, ganadora de un Oscar a la mejor actriz de reparto por su interpretación en "El aviador" y doblemente nominada en 2008 por "Elizabeth: la edad de Oro" y "I´m Not There". "El reino de la Calavera de Cristal" interpreta a Irina Spalko, una implacable agente soviética que quiere saberlo todo sobre el secreto que se esconde tras la calavera, un objeto de poderes inimaginables que despierta la superstición u el miedo. ¿Sabemos todos quien es Steven Spielberg?. Supongo que si. Hablamos del genio del entretenimiento, del cine espectáculo y diversión (Tiburón, E.T. I.A. Minority Report...)auqnue tampoco desdeñe en trbajos con otra factura (Salvar al soldado Ryan o La Lista De Schlinder). Pues este mosntruo del celuloide nos regala una película en la que no defrauda lo más mínimo a los seguidores de la saga de Indiana Jones. Puñetazos, patadas, persecuciones, golpes de toda clase y desde todos los ángulos, saltos, tiroteos, arañas, serpientes, pasadizos y puerta secretas...La acción más trepidante y más completa se desarrolla dentro de un marco de aventura que no no deja respirar un segundo. Desde la primera escena Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal nos agarrra de la solapa y no nos concede una tregua, eso sí, con pequeños descansos en los que nos invita a sonreir, sobre todo cuando sale airoso de diversas fantasmadas inverosímiles y originales. ¿Qué esperabais?. El protagonista es Indy y sí, está más mayor, pero lejos de almodar la acción a la edad, el director de origen hebrero realiza la película más movida de toda la saga. ¿Qué más da que Harrison Ford esté cerca de cumplir los 66 años? Pese a que las canas y arrugas son bien visibles, el actor está en buena forma y las escenas de acción están dobladas a la perfección. Si algo ha conseguido Spielberg es crear un personaje, es decir, que con el sombrero, la chupa de cuero y el látigo tú estás viendo al arqueólogo aventurero de las tres pimeras películas y no al Harrison Ford de casi 70 palos. Lejos de ahogar la película en efectos especiales como ya le ocurrió a George Lucas con las primeras entregas de las secuelas de la guarra de las galaxias, en esta ocasión los decorados son en su mayoria reales o platós, por cierto muy currdos, como todo el vestuario y la ambientación de los años 50. De hecho, Spielberg aprovehca muy bien la época para dar pinceladas sobre la llamada "caza de brujas" comunista y sobre la era nuclear que ya había comenzado. Cabe destacar, por si había dudas, que no es probable que Shia le coja el relevo a Harrison Ford, por lo menos bajo la batuta de Spielberg, y más depués de una escenita del final relacionada con el fmoso sombrero de Indy. Por cierto, el personaje de Shia no resulta cansino y no rivliza en protagonismo con Harrison Ford. Es un condimento más que, pese a tener una de las escenas más dificiles de rodas con una pelea entre dos cohes, no se come, en absoluto, el ingrediente principal, ni tampoco varía mucho su sabor. es decir que Indiana sigue siendo Indiana. La música cómo no, es otro de los fuertes de esta historia de la que no les desvelaré nada más. Cero de verdad que no es una pelíucul para buscar matices de ningun tipo, simplemente es para sentarse y dejarse llevar por la aventura sin mayores pretensiones. Ni nos hará llorar, ni reíremos a carcajadas ni pensaar más allá de qué sorpresa habrá detrás de los pasos de Indy. esto es puro espectáculo, "made in Hollywood" y es dificil que alguién pueda hacerlo mejor que Steven Spielberg. Os voy a decir lo que más me ha gustado, por supuesto, la banda sonora de Jhon Williams, en cuanto comienza los primeros acordes, te pones en situación y te da un subidón de los del catorce. Encima Spielberg hace la transición más golfa que uno haya podido bver, entre cómica y genial, no sabría catalogrla, teniendo como protagonista a unos topillos del mar de salados. Encima te presenta al personaje principal a lo Laerance Kasdam como tiene que ser, con su sombra recogiendo el sombrero. Tu ya de los pelos, diciendo esto es Indiana Jones en estado puro, con pelea de los antológicas. Pero dura eso, quince minutos, a parir de los cuales uno se pregunta: ¿Han estado esperando tantos años para elegir el mejor guión para continuar la saga, y esto es lo que han hecho?. Se que va a dar igual lo que yo opine, vais a ir a verla de rodillas, pero ya os voy advirtiendo que puede que asistais a la aventura más subrealista de la saga. Una historia que satizfizo lo suficiente a Spielberg como para volver a embarcarse en un Indiana Jones, algo que Lucas quería hacer desde 1994 para a lo que el director se mostraba reticente, como aseguró hoy en una rueda de presna: -. Yo fui el que tuvo que ser convencido. ahora estoy haciendo películas con significado. Prefiero los dramas históicos. Reconoció spielberg, quien señaló que le llevó un cierto tiempo encontrar la buena historia. Fue Lucas el que tuvo la idea de usar el cráneo de cristal: "siempre buscamos un artefacto que es o no real y que tiene efectos sobrenaturales", dijo Lucas, quien agregó que para él lo importante es "creer que hay mucha gente que cree que es real". A la crítica reunida en Cannes no le acabó de convencer la película. algo qu no debe sorprendernos mucho teniendo en cuanta algunas de sus recomendaciones sobre los mejore filmes exihibidos en el festival. Aseguran que "Indiana Jones IV" no pasará a la historia y señalan que no valía la pena esperar 19 años para esto. Aunque es pronto para echar campanas al vuelo. Indiana Jones V deberá esperar al examen a que se someterá este jueves ante sus millones de seguidores. Si los espectadores le acompañan en esta nueva aventura, no habrá problemas para rodar esa nueva película, de la mano de un realizador que sbe có,o sacarle hasta la última gota a cada éxito.
Siempre he sido un gran aficionado al terror cinematográfico, desde todas sus inicios. Tanto el "Nosferatun" de Maurnau, hasta "El Resplandor" de Kubrick, pasando por "El Exorcista" de Friedkin o la efectista "Carrie" de Brian de Palma- sin olvidar, por supuesto, "Psicosis" de Hitchcock, o "El silencio de los corderos" de Demme, auqnue quizás estas ultimas podríamos englobarlas en otro género...-tenían elementos comunes:todas estas cintas situaban al espectador ante algo sobrenatural, que no podían controlar y que no sabían por donde les veníoa. Incluso Shyamalan en "El Sexto Sentido" o Amenábar con "Los Otros" daba una vuelta más de tuerca a ste subgénero de "fantasmas",añadiendo notas de suspense e incluso "Thriller" que hacían crecer notablemente a estas cintas. Lo que me ha sorpendido sobremanera es que, de un tiempo a esta parte, triunfen inexplicablemente esta serie de películas hechas en Asia, que tienden a realizar el terror cinematográfico con sus elementos más primitivos y minimalistas, empleando para colmo los recursos más tópicos, atronadores efectos de sonido, personajes de cerúleo cutis, apariciones, per mezclandolos con los elementos más contemporáreos como telefonos móviles, trasplantes de órganos y, como en este film, cámaras de fotos. Basada en el film Tailandés "Shutter", dirigida en 2004 por Banjong Pisanthanakun y Parkpoom Wongpoom, "Retratos del Mas Allá" (auqnue el título en inglés es exacto al de la película original) cuenta la historia de un fotógrafo profesional que tras haber presenciado un supuesto fantasma con su novia en lo que parecía ser el atropello en una nocturna carretera solitaria, empieza a vivir una auténtico calvario cuando cada foto que realiza, muestra un espíritud al positivarse. Poco hay que decir, ya que todo lo que el espectador pueda imaginar, es lo que va a ser. Quizás ahí radique el gran acierto de este tipo de cine: que ofrece al público Exactamente lo que espera ver. Personalmente, me parecen auténticas patochadas,previsibles, tópicas,manidas y provinientes de las más tontas leyendas urbanas, por no hablar de los recursos estilísticos, más propios de cualquier barata atracción de Feria que de un film de terror con la vocación y la capacidad de asustar de verdad. Pero lo sorprendente es que funcionan, y a la gente le siguen gustando. A mi me parece verdadera Basura, porque para pasar miedo en la sala hace falta no saber bien de dónde va a venir el susto, ni cómo lo hará, ni qué aspecto tendrá. "Retratos del Mas Allá" no es más que otro intento del cine norteamericano de rentabilizaar lo que ya ha funcionado en Asia, "traduciéndolo" para el mercado occidental que no slo engloba a Estados Unidos, sino a toda su red de distribución mundial. Creo que para sentir sobresaltos en un cine, hay que ser un poquito más exigente. Porque con esta película, ni miedo, ni nada.
De los productores de El grito y La señal, esto es cuanto pretenden vendernos al intentar comercializar la película, poeuqe en mi opinión es de lo que estamos hablando, de un producto en venta, una vez más con temática de miedo y hechos reales dentro del mundo de la parapsicología, que sólo sorprenderá a los que se inquietan fácilmente con el terror, como por ejemplo las niñas pavas que ví comprando la entrada en la cola del cine estando en cartelera "Indiana Jones Y el reino de la caravela de cristal", increible. Estas película están tan telegrafiadas que aunque se vistan de seda, mona se quedan. De director algo experimentado en su país natal, Japón, y una serie de aspirantes a los migajas de la gran industroa que pretenden destacar como actores, el film posee un presupuesto razonable pero poco que contar, dando la sensación de poderse hacer un cortometraje y listo, sin hacer espearar tanto al personal, como si lo estuviera viendo. Joshua Jackson, conocido por la serie de televisión Dawson crece y al que pudimo reconocer en Boddy, la poco prolífera aún Rachael Taylor (Transformers o Los Ojos del Mal) son la pareja alucinantemente elegida para trasmitirnos la pasión incontrolada del miedo, eso si pueden hacerlo en mitad de las subidas y bajadas de volumen en la banda sonora, normalmente bastante mínima en general en el género.
Anodina película de policías, dirigida por David Ayer, guionista de "Training Day", que repite. Repite historia, repite ambientación, repite personajes y por lo que a mi respecta, repite veredicto. Con Guión de James Ellroy, autor de la novela "L.A. Confidential", especialista en literatura policíaca de tipos duros, y una especia de quiero y no puedo de David Mamet, "Dueños de la calle" recuerda más de lo que debería a la película de Russell Crowe y Kim Bassinger. Keanu Reeves da vida a un policía brutal, corrupto y no muy listo - pero en el fondo bueno - que puntea el sistema para imponer su justicia, muy en la linea de Crowe en "L.A. Confidential", acompañado de otros personajes cuyos motivos y acciones son casi un deja-vu. De haberse estrenado antes de "Training Day" o "El fuego de la Venganza", por ejemplo, quizás podría haber escapado, pero ese estilo de violencia descarnada y esa visión del mundo policial ya no sorprende a nadie, y sólo queda una historia de agentes supermachos y maledicientes que van desgrananado de manera no demasiado coherente (todos los personajes tienen una habilidad increíble para "pasar por allí" en el momento exacto) una intriga con un final anunciado, y que aún así no deja de resultar un tanto irrisorio, en gran parte por el mensaje que transmite. Fuera de sus particulares infiernos interiores, los personajes no son nada ( el típico policía desaliñado, el jefe trepa, no falta el "estaba a punto de retirarme", ect), en especial todas las mujeres de la película, que no es nada paritaria y los escasos minutos en el que torrentes de testosterona no salpican desde la pantalla, las retrata como auténticos floreros (en el mejor de los casos). La numerosas y a veces gratuitas escenas de acción son lo que saalvan la película. No son ninguna obra maestra, pero están bien rodadas. Especialemnte la que ocupa los primeros minutos, que además sirve para que uno se haga unas ilusiones que rápidamente pierde. El reparto, encabezado por Keanu Reeves y Forrest Whitaker, no pasa de correcto. Keanu parece que confunde el ser un tío duro con la inexpresividad, y Whitaker está muy por denajo de lo que puede rendir. Atención al enfrentamiento verbal de los dos, que marca el punto más bajo de "Dueños de la calle". De secundario de lujo cuenta con Hugh Laurie, el Dr. House, que aquí interpreta a un agente de asuntos internos que efectivamente también podría apellidarse House. En fin, una olvidable película de acción, recomendada para gente con mucha calle. Con plantel de buenos actores, la película se nos presenta sin tener pinta de moraleja que hay que sobrevivir y que hay que hacer lo que sea fuera de la ley para salvar a los ciudadanos, más bien se centra en el personaje de Keanu Reeves, quién asume esa doctrina pero nos importa más cómo le lleva a cabo y el entorno en el que envuelve, más que un mensaje del "todo vale" en la película. Cuando uno de los personajes tiene su rol muy bien interpretado, y aunque sepas a medida que va avanzando la historia, quién traicionara a quién y quién está metido en donde no debe, lo cierto es que da igual porque gracias a una buena atmófera a los Policías corruptos buscando justicia por su cuenta en las violentas calles de Los Angeles. Comparar Street Kings con The Shiel (más allá de la aparición en ambas del gigantesco Forest Whitaker), no sería una locura de no ser porque el show de FX le gana la partida en aspectos vitales a la obra de David Ayer. La verosimilitud de Al Margen de la Ley, los conflictos personales, la lucha moral de cada personaje.....dejan paso en Dueños de la Calle, a la exposición de uan realidad en constante batalla con una ficción que parece absorberla. Para Ayer, L.A. está en un plano diferente de la realidad donde cualquier cosa puede pasar, y donde el realismo se puede convertir en un cncepto maleable. Sin duda el inevitable toque noir de Ellroy ayuda, pero una vez más el cineasta vuelve a la escena del crimen con la necesidad de revisionar una historia que ya parecía cerrada con Training Day. La nefasta LAPD es para los ciudadanos de la urbe, una banda más ( de igual peligrosidad) de las que campan por sus calles. Una familia endogámica con reglas y valores propios y que poco tienen que ver con la ley, en la que la impunidad está garantizada. superpolicías malhablados,alcoholizdos y solitarios deambulan sin normas por este cumplidor thirller de acción con toques de western moderno, en el que el sheriff intenta huir del cliché a base de negopcios turbios, traiciones y honor pistolero.
El capitán Willard (Martin Sheen) es enviado a Camboya para cumplir una misión: asesinar al coronel Kurtz (Marlon Brando), quien ha enloquecido y reside en la jungla, lugar en el cual se ha convertido en un cruel dictador. Unod de esos títulos míticos del cine que tiene más valor por la cualidad de mito cinematográfico que por su verdadera estimación como película. Francisc Ford Coppola se inspira en el abordante relato de Joseoh Conrad "El corazón de las tinieblas", para sumergirnos en una porfía instrospectiva del individuo sobre los valores éticos hallados en un infierno bélico y las consecuencias y comportamientos derivados de la participación en ese conflicto, todo ello desde un punto de cista crítico con el poder, la gloria, el belicismo y la corrupción moral. Sin embargo, esta contemplación crítica resulta demasiado confusa en su diatriba filosófica, disfrazadndo un embrollo narrativo con escenas, escenarios y monólogos presuntamente impactantes y grandilocuentes (las pedantes peroratas de Marlon Brando son realmente cargantes). Algunas escenas caen en la reiteración del mensaje, por locual podrían ser perfectamente eliminadas, la mayoría pecan de altisonanates y se expanden más allá de su significado como mera empresión narrativa. El dibujo del microcosmos de la barcaza no termina de convencer, el guión de Coppola y John Milius (director de "Conan El Bárbaro") no carece de gratuidades y hoquedades varias y el expandido discurso es muy indefinido y en ciertos pasajes, demasiado lánguido. Es importante el tratamiento atmósferico, que ayuda a la descripción dantesca y enajenada de la guerra, las inter`retaciones de Martin Sheen y el gran Robert Duvall, algunos pasajes en el desarrollo de la travesia introspectiva, como la inolvidable secuencia de ataque de los helicopteros con la música de Richar Warner y la utilización apocaliptica del estupendo tema "The End" del grupo The Doors. Un ventilador en una habitación de hotel de mala muerte, un hombre totalmente enajenado revienta en drogas y alcohol pidiendo volver al infierno que lo marco para siempre, de fondo la música the end de los doors. La desesperación de un espejo roto con un Martin Sheen en pleno estado de interpretación gloriosa se marca uno de los principios mñas demoledores de la historia dinematográfica y lo mejor es que solo es el aperitivo. El maestro Francisc Ford Coppla repetía con varios actores de la maravillosa el padrino como el imcomparable Marlon Brando y Robert Duvall además de lanzar a la fama a uno de los actores más desaprovechados del cine americano que incomprensiblemente quedo relegado a papeles de secundario o estrenos directos a DVD. Me refiero al genial actor Martin Sheen recuperado últimamente gracias a infiltrados o a el éxito televisivo el ala oste de la casa blanca. Entre los secundarios el autor de Easey Rider Dennis Hopper, un jovencito Laurence Fishburne que todavía le faltaba bastante para subir al estrellato con Matrix y una breve aparición de Indiana Jones Harrison Ford. Coppla es uno de esos arranques que solo pueden tener los genios visionarios se largo a la selva para realizar la obra definitiva y nunca superad sobre el Vietnam basado en la novela el corazon de las tinieblas aunque superándola sobradamente. No hay nada que huela como el Napalm por la mañana es una frase que ya se puede considerar histórica. El milagro te deja sin aliento cuando al fin se encuentras eass dos almas en pena con un Willard que admira al hombre que tiene que eliminar. Entonces aparece Marlon Brando y conocemos el horror. Se nos golpea nuevamente con las cabezas empaladas en esa atmósfera de pesadilla tan irreal como pavorosa. Una densidad dramática casi imposible de superar que es sin embargo aplastada con el mologo de Krutz y su muerte con la voz ronca de la pesadilla susurrando agónicamente el horror el horror.
La idea de Milius era, en un principio, realizar una oda a la guerra y al militarismo, algo muy propio de él, culminado con Kruzt y Willard como aliados, combatiendo el ataque aéreo que se emnciona al final del film. En cambio Coppola lo transmuta completamente a lo opuesto, como un alegato anti belicista. El viaje de Willard es un descenso a los infiernos, algo más propio de la Divina Comedia de Dante, donde cada fase de la guerra es como uno de los anillos del Averno, y donde el avance hacia el interior solo sirve para descubrir peores cosas. Es una visión demente y racista de la guerra. Uno puede ver que nadie está en sus cabales, desde willard, absolutamente perdido en su cuato de hotel y cuya única vida es la guerra; hasta los soldados haciendo surf en los ríos vietnamitas. La manera en que obran van desde la despreocupación y el desdén porla vida humana, hatsa la total abstracción en su propio mundo, todas actitudes de aceptación o rechazo frente a la masacre que los rodea. En general la mayor parte de los anillos de ese infierno termina por mostrar a los americanos como unos cretinos totales; desd el famoso Coronel Kilgore de Robert Duvall, que arrasa un pueblo entero con tal de poder surfear, hasta el festival Playboy, que es un centro comercial clandestino en plena selva, es demencia y es prepotencia. Sólo así se explica la fabulosa y terrible escena de la Cabalgata de los Valkirias, donde Kilgore extermina la aldea en su propio provecho. Prácticamente todos los estamentos posibles de la guerra están visualizados en el film. Los soldados que viven drogados todo el tiempo; los nervios a flor de piel, que culminan con la matanza en el Sampán; el límite final con el puente sobre el río, donde absolutamente todos los soldados han perdio el juicio y disparan como locos a las sombras. Es caos puro y total.
Desde hace ya muchos años está instalada en Hollywood una tendencia a despojar de magia el cine, salvo alguna que otra excepción que, por lo general, suele tener la consideranción de excentricidad. No me estoy refiriendo, por supuesto, a introducir elementos sobrenaturales en el guión, sino a la renuncia a crear un universo de fantasía: ese algo tan difícil de definir pero tan fácil de precibir en todas aquella películas que recordamos como especiales. "Indianas Jones Y el temple Maldito" posee ese punto de candidez que aún se podía encontrar en los ochenta, cuando no se había fraguado ese absurdo pudor que empuja ahora a que bocanadas de mundanidad atraviesen la pantalla e invadan toda la atmósfera de la película. No hay ninguna necesidad de mostrar al héroe cortándose las uñas de los pies, ni de exibir en pantalla lo que ha sido una ardua labor de documentación para conseguir una precisa contextualización histórico-geográfica en algunos aspectos concretos a capricho del director. Dejando al margen el innegable poder de las modas, se podría pensar que estra mnía por el verismo a toda costa es un método para acercar más la historia al espectador. Películas como ésta demuestran que es totalmente innecesario. Es innegable que "Indiana Jones" ha sabido conectar prrefectamente con el público, y eso sería imposible si realmente la historia se viera desde la lejanía. No importa que los acontecimientos sean poco verosímiles y que toda la acción se desarrolle en un entorno claramente quimérico. Para el espectador es realmente un deleite escaparse durante hora y media a ese mundo ilusorio, ver cosas que jamás presenciaría fuera de las pantallas de cine y participar en todo lo que le están contando. Y no por ello "Indiana Jones" resulta más lejano, pues todos nos hemos visto infinidad de veces en su misma situación, aunque nunca nos haya perseguido una albóndiga gigante de cartón piedra o hayamos estado a punto de morir aplastados por una habitación menguante. Esa es la grandeza de los arquetipos, a la vista de quien lo quiera ver. No faltará, sin embargo, quien pretenda que Spielberg se disculpe por haber malgastado celuloide en un espectáculo de entretenimiento. En efecto "Indiana Jones y el templo maldito" es tan entretenida que a poco que se descuide uno puede terminar de ver la película sin percatarse de lo buena que es: desde la misma puesta en escena, que es brillante, hasta el final de la película. Si consiguen evadirse de la película para analizarla con un poco de frialdad se darán cuenta de hasta qué punto es toda una lección de narración cinematográfica. El reconocimiento de la gente más "seria" no le vendría hasta "La lista de Schindler". No obstante, en mi opinion el mejor spielberg se encuentra en la trilogía de "Indiana Jones", Hoy en día a poco de estrenarse la 4 parte de Indiana Jones, el 22 de Mayo de 2008. Como enlas otras dos películas, el arqueólogo más famoso del mundo parte en busca de una conocida reliquia del pasado para termianar encontrandose a sí mismo, irse con la chica y perder la maquinilla de afeitar por el camino. Dándole un respiro al Tercer Reich, en esta ocasión Indiana Jones se enfrenta a una oscura y sangrienta secta hindú que, mientras se encuntra a la espera de conquistar el mundo, se dedica a incinerar figurantes durante espectaculares performances y a dar honrados puesto de trabajo en el secotr minero a un enjambre de niños que al final de la película vuelven a sus casas con una profesión aprendida. La película tiene muy bien medidas las dosis de acción y de humor, manteniendo un tono casi paródico sobre las películas de aventuras exóticas tal que sólo se puede conseguir conociendo los resortes del género. No es una fácil brula, sino un sincero y afortunado homenaje. Recomendada a conductores de montaña rusa sin la "L", a aficionados a los coros religiosos y adictos al látigo. El templo Maldito situa la acción un año antes de la búsqueda del arca perdida, por lo que puede tener el apelativo de "precuela", una especie de aventura marginal en la que el héroe Indiana Jones es partícipe de una trama en tornoa oscuros rituales de la India. El prólogo, en un restaurante de Shangai, es de antología y marca el arranque de un ritmo inquebrantable en una de las películas más frenéticas de la filmografía de Spielberg, si dar respiro al espectador, va secuenciando situaciones a cada cual más aparatosa, sin perder la capacidad de entretener, pero con menos estilo que en el Arca Perdida. Su precedesora, com ya he dicho, tenía virtudes a raudales en los distintoas facetas que puede ofrecer este tipo de cine. Un espectáculo articulado mediante una historia sencilla pero vivificada a base de personajes, modelo manejados con soltura, algunos de ellos incluso demasiado estereotipados, y aun así la película nunca caía en un desenfreno ridículo o saturado de tópicos. Desgraciadamente, y es algo que tanto Spielberg como Lucas han afirmado con pesr, en esta ocasión no estuvieron tan finos. Decíamos que lo importante noi era la complejidad, sino caracterizar personajes con garra y sin caer en el cliché. Kate Capshaw, reina de la función, no solo es un personaje estereotípado y molesto a veces por sus excesos expresivos, deviene en un figurín ridículo en forma de loca que se pasa todo el rato pegando gritos y diciendo estupideces varias, pero que a la vez la hace encantadora diva loca de atar. El personaje de Willie supone una importante rémora en el estilo, el cual termina por invadir la mayor parte de las secuencias. Por otro lado, el nuevo acompañante del héroe es un niño que poco aporta aparte de tener su momento lacrimógeno, en la línea del Spielberg más endeble y facilón, y ademas sabe Kung-fú.
Alex DeLarge (Malcolm McDowell) y sus amigos se divierten en Londres cometiendo todo tipo de fechorias: apalear a un viejo mendigo, violaciones, irrrupciones violentas en hogares ajenos. Una noche y tras una de sus "hazañas" Alex es detenido, encarcelado y sometido a una nueva terapia que aliminará su sed de violencia. Adaptación de la obra de Anthony Burgess realizada por Stanley Kubrick, un gran y polémico autor con auténticas obras maestras "Atraco Perfecto"o "Senderos de Gloria" y otros títulos recargados y excesivos en sus temáticas y/o peroratas, que no ocultan una enfática capacidad sensorial y una hechicera provocación intelectual. En "La Naranja Mecánica" Kubrick diatriba sobre un pesimista futuro avasallado por la violencia y el desarrollo de la misma en una sociedad tramoyista, con sus habituales elementos vehementes, sexuales y humorísticos y desde un postulado incisivo y satírico, un esmero en sus aspectos musicales y una cuidada estética repleta de atractivos decorados y sugestivos posicionamientos ópticos. El film, que presenta una explícita muestra de violencia a lo largo de su extenso metraje, desplega desde un sentido crítico y profético, puede sugestionar una mimética respuesta de atracción hacia la misma, debido al encomio visual de sua abominables actos, lo que avivaría un comportamiento contrario a lo que se pretende, que es exponer el posicionamiento independiente y el libre albedrío del ser humano. Al margen de ello, la película está moldeada casi como un cómic en la construcción de sus personajes y situaciones y en el usual empleo del humor, que contrasta con la descripción y desarrollo de esas detestables situaciones de barbarie, puestas en imágenes de forma brutal, una brutalidad clave en este fascinante recorrido sobre una mente convulsionada por el placer de la maldad, gestada por el torticero sistema que le envuelve, el cual no deja de resultar tan violento como su degenerado objetivo. En este film vemos muchas cosas novedosas, cosas que en la época pocas veces se habían mostrado, vemos violencia, sexo, y un tercer elemento que hace a la película muy interesante, su música, música que hacía ver desde otro punto de vista la película, la mñusica involucra al espectadopr dentro del film y lo hacía estremecerse. Tambien encontramos un sentido del humor macabro que es o más bien era caracteristico de Stanley Kubrick. La película en sí es una joya, el guión esta aceptablemente adaptado a la novela de Anthony Burgess, y si a eso la agragamos una excelente actuacion de actor Malcon McDowell, la película llega a su punto máximo. Quizás el éxito de la película radica en la excelente actuacion del elenco de intérpretes, cómo olvidar la mente preversa que nos hacia ver Alex Delarge, cómo olvidarnos de las caras sicopáticas de los amigos de éste, aquí la actuación juega un papel importante, quizás el film no hubiera tenido todo el éxito que tuvo si la gente no se sentía satisfecha con la actuación, hemos visto fracasar a películas con los mejores guiones por el factor de malas actuaciones, y hemos visto triunfar a películas con guiuones bastantes mas sencillos por inolvidables actuaciones, como fue el caso de Jack Nicholson con "El Resplandor". Aunque la película en su tiempo tuvo muchos problemas en Inglaterra, por culpa de mucho adolescentes que se habían inspirado en "La Naranja Mecánica" para cometer crimenes, la películka pasó a ser un exito mundial, y actualmente sigue vigente por su excelente trama y la interesante actuación de sus intérpretes, una verdadera joya, que seguirá quedando para la prosperidad. Film altamente cargado de dosis de humor malsano, sexo y depravación, o como nuestro protagonista Alex Delarga nos expone: violencia, ultra-violencia y Beethoven. Autentica obra maestra del genial Stanley Kubrick rompiendo el molde de los generos una vez más y tratando de enfocarse en la problematica social, el vandalismo, sadismo, depravación, lujuria, y todo esto se torna hilarante, esplendida narrativa de un Kubrick a quien lo acostumbramos a notar frio, sereno y pausado en sus tomas, una estética muy original y creativa en una epoca de cambios culturales y desdibujamiento de barreras sociales, sexuales y religiosas que se ven reflejados a lo largo de la cinta, sin duda una película que todos deben ver. Decir que estuvo nominada a cuatro Oscar y que desgraciadamente no consiguió llevarse nada, que hay decenas de películas, series, programas y un largo etc, con relaciones, alabanzas,parodias a este film y que doy por hecho que recordareis u os dareis cuenta. Si todavia no habeis visto la película, buscadla puesto que ya estais preparados para admirar una de las grandes obras de Kubrick y del cine.
A veces un piensa si no sería preferible que no se hubiesen hecho obras maestras como "Psicosis" por todas las imitaciones baratas qie hemos tenido que soportar por su culpa. Pero se trata de un círculo vicioso. Ahora recibimos con los brazos abiertos películas que innovan mínimamente géneros tan gastados como el Terror, valga el ejemplo de REC. El problema que eso tiene es que probablemente lo que suponia la innovación también se va a convertir en tendencia, como surgirió alguien en la rueda de prensa sobre el film de Plaza y Balagueró. Habitación sin salida, otra película que explora los mismo manidos caminos por los que ha pasado ya el género miles de veces, pero que, a pesar de ello, no termina de ser tan deporable como algunas otras produciones similares. Kate Beckinsale, Luke Wilson y Frank Whale son los protagonistas y casi los intérpretes exclusivos de la cinta que dura una hora y veinte, contando unos larguísimos, aunque chulos, títulos de crédito. La dirige Nimr´d Antal, cuya película anterior es la húngara "Kontroll" (2003) sobre un guión de Mark L. Smith. El papel de la mujer iba a ser para Sarah Jessica Parker. Ante tanto excesivo metraje se suele agradecer que los autores tengan la decencia de dejar las películas en 80 o incluso 70 minutos. El problema es que muchas veces, si se hace eso no es porque se haya condensado hasta la esencia, sino porue el material daba en realidad para unos 50 minutos. Así ocurre en "Vacancy". Como muchísimos films de terror , "Habitación sin salida" comienza con una serie de escenas de relleno que trascurren dentro de un coche que viaja por una carretera oscura en mitad de la nada. Supongo que esto es barato de rodar y que les da a los directores la sensación de que están creando una situación muy real en la que cualquiera podría tener miedo. Quizá. Pero búsuqense algo nuevo. Pongamos que en este caso era necesario para que se perdiesen y llegasen al hotel, de acuerdo. Pero no hace falta que esta primera parte dure tanto. Bueno, sí hace falta para que la película obtenga la calificación de largometraje. Una vez se han superado estos minutos de broza y hemos conocido al rrecepcionista "normanbéitico", por fin se entra en la habitación y aparece algo que puede sorprender: las cintas snuff. Esto podría dar una pista a los guionistas que estén tratando de crear un guión de terror: no hace falta que tengas una idea novedosa, será suficiente con que no se haya utilizado en varios films de ese año, sino hace algo de tiempo. Y es que hatas eso parece refrescarte, tan parecidos son entre sí los productos de terror que con que no hayas visto eso mismo en justo los cuatro películas anteriores, te das con un canto en los dientes. Estas cintas consiguen uno de los momentos de guión más inteligentes y que haceb que ·Habitacion sin Salida" no sea del todo desechable. Como novedad, presenta a un protagonista que tiene cerebro y que lo utiliza. De este modo, la escena en la que Luke Wilson aprende de lo que ve en el televisor aporta una dimensión nueva que consiste en que haya algo que se pueda hacer en contra de la amenaza y no simplemente esperar a ser liquidado sangrintamente. El resto de guión no está mal desarrollado, sigue teniendo sus buenas ideas y sus giros e incluso un atisbo de evolución de personaje en el caso de ella, pero el problema de que hay poco que contar y es necesario estirarlo, continúa pendiendo sobre la trama y los momentos bajos de ritmo se suceden hasta el final. Quizás no valñga la pena pagar la entrada del cine para ver este film, ya que hay otros mejores, ahora mismo en cartelera incluso dentro del género de terror. Pero si puede ser una buena opcion para un alquiler. Es muy probable que, de no tener actores famosos, hubiese ido directamente a vídeo. La película no tiene un mal incio. Tras unos sugerentes y excelentes títulos de crédito se nos mete dentro del interior de un coche en el que se nos hace saber que la paareja protagonista está en crisis, una crisis que parece definitiva. Así pues, de entrada, ya estamos algo incómodos con los dos personajes. Una incomodidad que se traspasa al motel en el que deciden pasar la noche por causas ajenas a su voluntad. Si bien de entrada, el recepcionista de un mal rollo que no veas, y que cualquiera en su sano juicio no pasaríoa una noche en dicho lugar jamás en su vida, el film presenta su carta más interesante cuando los portagonistas descubren ciertas cintas de vhs en su habitación, un detalle de guión realizado con inteligencia y que por sí solo provoca cierta inquietud en un interesado espectador. Evidentemente, dichas cintas contienen grabaciones snuff, y la idea de que nuestros portagonistas pueden ser los proximos protagonistas de una de esas cintas caseras le da al film un punto muy interesante, pero que desgraciadamente no es aprovechado ni lo más mñinimo. En vez de continuar por ese camino, la película se convierte en la típica cinta de terror actual, llena de golpes de efecto y con resoluciones argumentales totalmente disparatadas. Aello contribuye un guión que si bien hasta ese momento no era precisamente el culmen de la originalidad, por lo menos estaba ofreciendo con oficio y con ciertoa garra, pero que luego termina siendo una típica historia de terror más. Cítece como ejemplo, la absurda intervención de un policía, al que no echan de menos en ningún momento, los laberínticos pasillos que sólo ayudan al personaje pero despistan totalmente al espectador, o que en cierto intervelo de tiempo nadie haya hecho nada.
En cierto modo, "Depredador" era ya l adaptación al estilo Schwarzenegger de "Alien", y el hecho de que sigamos a vueltas con el alienígena cazador, y toda la parafernalia que ha generado fuera de la pantalla, diche mucho de su calidad, por muy lejos que esté de la película de Ridley Scott. Con la franquicia de "Alien Versus Predator"(de la que me temo no será esta la última) se ha conseguido transformar el planteamiento de las originales en una simple cuenta atrás de personajes muertos, batallas interraciales y churriconspiraciones a lo "Expediente X". Aunque a mí personalmente esa marabunta de alienígenas correosos en un pequeño pueblo me ha recordado a "Gremlins", más que nada.
Bien sirve como muestra de a donde quiere ir la película el hecho de que por ejemplo , en "Alien" el ataque de los "facehuggers" (los bichos con forma de mano que se pegan a la cara y contaminan con la semilla alienígena) se resuelve rápidamente tras unos momentos de tensión, mientras que en "Alien Vs Predator 2" podamos ver en repetidas ocasiones, con todo lujo de detalles biológicos y mucha variedad de planos la anatomía dela unión y lo desagradable que es.
Aunque es cierto que los enfrentamientos entre ambas razas tienen cierto atractivo y que el climax final tiene su punto de emoción (lo que unido a que "Alien Vs Predator 2" dura menos de hora y media hacen la película soportable), la dirección tampoco es gran cosa, abusando de los tres o cuatro recursos obvios que tiene, como los golpes de orqueta y la depredador-visión, que harta. Desde luego como especie serán el no va más de la evolución, dominarán el viaje interestelar y la bioingenieria, pero lo que es en tecnología visual, los depredadores se han quedado estancados en Dogma 95.
En fin, se trata de una película que a nadie puede engañar, auqnue da un poco menos de lo que promete. Recomendada para la gente que depués de meterse el dedo en la nariz, examina el pecio.
ëste es sólo un ejemplo de cómo se cogen "prestados" escenas de las anteriorres películas y las convierten en un videoclip sin musica. Atención al ciclo de gestación de los Aliens, que cada día es más corto:maldito el día en que Paul Anderson decidió acortarlo en su primer AVP para no pensar demasiado.
Allá por 1979 salio una maravilla de película de terror cuya principal virtud era que no se enseñaba al mosntruo hasta bien avanzada la película. Casi diez años mas tarde, un aficionado a la caza intergalactica hizo sudar la gota gorda al mismísimo gobernador de California mientras agitaba sus rastas al son de la música tribal de Silvestri. En el 2004m Paul W.S.Anderson, en su papel de paladín de la adaptación del videojuego al celuloide, trajo la primera entrega de este crossover entre bichos extraterrestres, bersión que hice bien no viendo en el cine y esperando al DVD; cosa que no ha ocurrido con su continuación.
