LA NOCHE ES NUESTRA. O Para Vomitar¡¡¡¡¡¡.

Es una historia para empezar "aburrida, sosa, más vista que los telediarios" sobre dos hermanos, uno policía y otro gerente de una discoteca, se ven abocados a enfrentarse cuando el primero decide dar caza a un traficante que opera desde el club que dirige el segundo. El enfrentamiento entre los dos hermanos no es el tema principal de la película, sino un dramón fmiliar de no cumplimiento delas altas expectativas de un padre cuya vda y trabajo se rigen por las máximas de la policiía de Nueva York.
Abientada en los años 80, no deja de ser una de tantas peliculas de gansters, para quienes le guste el género será una obra maestra, para los que no será una bodrio recauchutado, aburrido y soso.
Esta película me ha decepcionado ya que parecía uan historia bien construida, con tintes de uspense verdadero y que prometía hacernos disfrutar en nuestra butaca. Pues no es así, es tan floja que no deja poso alguno en el espectador quela ve, luchando con sus parpados por no cerrarlos ya uqe se ha gastado el dinero e la entrada, la coca cola y las palomitas.
Empecemos analizando el guión que es bastante normalito, sin ningun concesión a la gloria narrativa ni a una historia que deje huella, para nada la huella está en la cara del espectador reclinado en su butaca roncando. Jmes Gray hace honor a su apellido, dejando a un lado cualquier atisbo de genialidad, sumiendo la película en un fotograma tras otro que no dice ni hace ni mueve ni a nada ni a nadie.
La evolución de la historia empieza a parecer pesada depués dela primera hora, que, pudiendo haber acabado la cinta unos veinte minutos depués, te somete a la tortura de otra hora más enredándose en detalles que nada aportan a la trama y sólo te dan sueño y aburrimiento. Inesplicable pero cierto, el director alarga una pequeña e insignificante historia queriendo aparentar un film de género pasmosamente malo.
La fotografía es de lo mejor que tiene el filme, dando aspecto de ¿falso? principiante y estética retro. Tanta oscuridad, tan ochentera todo que te traslada a la citada época.
Los actores son correctos, exceptuando a dos de ellos: Robert Duvall, que le pesan los años y lo hace como quien levanta un tabique día tras día. Y Mark Wahlberg, que no puede ser sino inexpresivo, carente de carisma e insulso. Joaquin Phoenix y Eva Mendes están discretos, destacando el primero porque da perfectamente el papel de chico en decadencia y perdido, con sus kilitos de más incluidos.
En general es una película aburrida, con la sensación de haberla visto miles de veces. No cuenta nada nuevo ni vemos nada deslunbrante, ni acción ni interpretación ni ritmo ni nada. No me explico como producciones como estas llegan a nuestras pantallas de cine habiendo cine español muy bueno esperando ser estrenado.
Lo que más me molesta de estas peliculas es que se empeñan en hacer un cine pasado de moda, previsible y atontado pareciendo ser una historia de gansters de las buenas sólo por el echo de ser una de ellas, pero de las malas.

CACHORRO. Una Historia Que Respira Autenticidad Por Los Cuatro Costados.

Quizá sorprenda la inclusión de una película como esta, no especialmente significativa desde un punto de vista cinematográfico. Pero su relevancia es de otra índole. "Cachorro" puede considerarse la primera película comercial que da visibilidad al colectivo homosexual oso. Y eso, dada la naturaleza de nuestra selección, nos parece importante.
"Cachorro es sin duda la película más personal de Miguel Albadalejo: sabe muy bien de lo que está hablando. Su retrato de este colectivo gay es valiente, tierno y sincero, funcionando mejor como comedia (impagable esa pareja almodovariana formada por la portera y su hija canguro) que como drma, sobre todo en la lacrimógena parte final.
Esta es una de las películas que se hicieron para romper con todo, que decir de la temática un hombretón gay soltero, desmadroso, que se encuentra con un giro en su vida, su sobrino de nueve años, es dejado en su departamanto de soltero, vaya lio, habrá que cambiar las revistas porno y las pelis triple XXX por cuentos para niños y pelis infantiles, o eso es lo que se debería hacer...pero que pasa si el niño (Bernardo) ¿tiene también inclinaciones idénticas a las de su tio? MMM déjemen ver..La gente se escandaliza y todo se pone patas arriba..¿no es así?. Bueno esta es una peli que no deben dejar de ver si es que realmente quieren entender el mundo gay.
De verdad no se pueden perder esta película. Lastima que solo la podrán ver poco tiempo en el cine. Pero disponible en DVD.
Albadelejo es un gran guionista, pero un director muy corriente. El guión daba para más, pues toca varios temas interesantes: la marginazión legal de los homosexuales, en esto, afortunadamente, se ha avanzado mucho en España, el derecho de los homosexuales a la adopción, los problemas (tambien los hay) de paternidad y de una vida demasiado "liberal", los prejuicios legales a la hora de otorgar la tutela de los crios, ect.
No entiendo por qué se critica la falta de rigor, porque a mí me pareció muy creíble el mundo gay descrito: unos tienen más pluma, y otros menos: unos llevan una ajetreada vida secual, y otros menos; et. No me pareció gratuita la escena de cama inicial; más bien es inteligente, pues en cusestión de segudnos queda resumida la vida que lleva Pedro.
Lo lamentable es que convivan en la misma película actores tan buenos como los dos protagonistas (josé Luis García Pérez y David Castillo) con secundarios que parecen aficionados /Elvira Lindo, la abuela y el amigo íntimo).
Con la idea de mostrar al actitud del gay ante la paternidad y la responsabilidad que contrae esta condición, Albadalejo muestra un guión propagandista a favor de la patria potestad por parte de padres gay y madres lesbianas, hecho loable, pero excedido en su quehacer creativo, llevando imágenes que una y otra vez resultan escandalosas y que obstaculizan el avance ideológico del heteresexual por el estilo de vida gay, esto por otra parte de la imagen. Pero también encontramos circunstancias forzadas dentro de la trama, haciendo que se vuelva pesada y no encuentre el clímas digno del drama.
No es una historia para gays como afirman algunos críticos - espectadores, pero si hay que estar con una visión amplia de lo que se puede ver en Cachorro y reflexionar sobre la propuesta de autor, que de entrada va más allá de osos desnudos.
Convertir los estereotipos más estúpidos o manidos en personas de carne y hueso es una de las virtudes del cine de Migul Albadalejo. Lo hace atendiendo a sus palabras y a sus gestos cuando se encuentran en un punto de sus vidas en el que deben reaccionar a una situación extrema. Lo que un homosexual promiscuo puede entender como situación extrema es convertirse en un recluta con niño; esto es, en el canguro de su sobrino.
¿Cómo compaginar una vida loca con la educación sentimental del hijo de tu hermana, insegura y desequilibrada?. Albadalejo responde a esa pregunta desde la Ley del deseo. Es saludable ver cómo sunas, cuartos oscuros, paruqes públicos, trios de osos (ni musculocas ni heterogays) y fiestas en el barrio de chueca son retatadas con tanta naturlidad como un abrazo en plena noche entre un niño que sabe mucho más de lo que dice y un adulto que sabe menos de lo que cree. Lo que otros hubieran pintado con colores de lo sórdido, aquí tiene colores de lo cotidiano. Albadalejo saca kilos de ternura de la química constratada que nace de esta extraña alianza disfuncional, a menudo amenazada por los patrones morales de una sociedad que tolera la diferencia.
No tengan miedo, poruqe en Cachorro no abundan los discursos integracionistas: la película evita la autocomplaciencia y la cobardía habituales en el cine gay para contar una historia que respira autenticidad por los cuatro costados, hábil en los cambios de registro y con un nivel actoral superlativo. Es una pena que 20 mintos finales melodramáticos y prescindibles empañen los logros de esta comedia amarga, sincera y valiente, lo que no quita para seguir considerando la obra de Miguel albadalejo como lo mejor que le ha pasado al cine español en sus últimos años de exigua hisoria.

BSO PELICULA CACHORRO: FANGORIA "HOMBRES"

NADIE HABLARÁ DE NOSOTRAS CUANDO HAYAMOS MUERTO. No Es Habitual En Nuestro Cine Una Ópera Prima Tan Rica y Tan Madura Como Esta Película.

Acreditado guinista cinematográfico, Agustín Díaz Yanes había cosechado buenos éxitos con Belmonte, de Juan Sebastián Bollaín, y especialmente con tres películas interpretadas por Victoria Abril (Báton Rouge, de Rafael Moleón; A Solas contigo y Demasiado corazón, ambas de Eduardo Campoy). Cuando le dio a leer a la actriz su nuevo proyecto, Nadie hablará de nosostras cuando hayamos muerto, ésta le animó a dirigirlo, ofreciendose a interpretarlo. Victoria Abril estaba decepcionada de su experiencia norteamericana (Jimmy Hollywood, de Barry Levinson) y quería regresar al cine español con un personaje tan potente como el de esta película: "Es un personaje real, de hoy, del Madrid de 1995. Me siento representando a millones de mujeres de carne y hueso, no es una heroína de gimnasio. Es de las que se callan, cuya vida se desarrolla en una sociedad difícil, y más aún para la mujeres".
"No es habitual en nuestro cine una primera película tan rica y tan maduroa como la de Agustin Díaz Yanes".
El director novel se rodeó de un buen equipo de profesionales: Paco Femenía en la fotografía; Benjamín Fernández en la decoración; "que, como no teníamos dinero para rodar en México, lo construyó en Madrid";José Salcedo en el montaje; Bernardo Bonezzi en la música, y especialmente el ayudante de direción, José Luis Escolar, "el técnico más importante que ha tenido el cine español", en palabras del director. El resultado fue, en opinión de Antonio Muñoz Molina, "una película tan admirable, tan bien imaginada y contada, que no parece posible que sea la primera de su director......Alguien debería averiguar por qué razón es tan dificil que el cine de nuestro tiempo retrate con veracidad las vidas de la gente trabajadora. Por eso me ha sorprendido y me ha conmovido tanto el retrato que hace esta película de la vida y de la dignidad de los pobres....A Agustín Díaz Yanes le debo las horas más intensas que he pasado en un cine desde hace no sé cuánto tiempo".
Nadie Hablará De Nosotras Cuando Hayamos Muerto narra la compleja historia de la esposa (Victoria Abril) de un banderillero que, aterrada tras una cogida sufrida por el marido, se dedica a la bebida, y más adelante, tras instalarse en México sin esperanzas, sobrevive ejerciendo la prostitución. En tal tesitura, presencia involuntariamente la muerte de dos policías, y ello la convierte en blanco de los asesinos, huyendo de los cuales regresa a Madrid a refugiarse con su suegra (Pilar Bardem), la madre que nunca tuvo."Díaz Yanes aggara de las tripas del epectador desde el mismo prólogo y trata de estrujárselas como una tenaza, sin drle respiro, hasta el final. Se lanza al ruedo a matar- es un confesado admirador del arte taurino-, sin hacer concesiones, y hacer brotar el lirismo a partir de la sangre y la violencia", escribió Daniel Monzón en Fotogramas, opinión compartida por José Ramón Rey en el diario Ya: "tiene un arranque tremendo, impactante, de los que dejan al espectador prendido de la pantalla. Y en ese arranque aparece ya el primer ejemplo de magnificiencia interpretativa de Victoria Abril, del que dará una lección a lo largo del metraje. Depués el buen guionista que es Agustín Díaz Yanes complica la historia. Nadie sabe qué va a ocurrir, qué puede pasar. Y las situaciones se resuelven de forma imprevista".
Victoria Abril obtuvo por este trabajo el premio de interpretación en el Festival de San Sebastian, mientras la película se alzaba con el premio especial de jurado, lo que no fue más que el inicio de una serie de galardones. Ocho premios Goya correspondientes a mejor película, director novel, guión original, actriz protagonista, actriz de reparto (Pilar Bardem), montaje, música y dirección de producción; los premios Ondas (película, diretor, actriz y actor, Federico Luppi);el Sant jordi dela crítica catalana (película y actor), entre muchos otros, y fue invitada a participar en numerosos festivales internacionales: Miami, Praga; Rotterdam, Cartagena de Indias, Guadalajara (México), Sorrento, Huesca, Wellington, Cartago, Bruselas, londres, Viena y Portland, "una carrera ciertamente inusual en la produccion comercial española", según M.Torreiro, que matizaba: "esta película no sería nada sin el trabajo de sus actores, de todos, pero en especial de dos actrices: Victorial Abril, cuya caracterización es de las que deben enseñarse en las escuelas de interpretación, aunque se sepa que naide podrá superarla. Y Pilar Bardem, a quien el destino ha premiado, por fin, con el reconocimiento que su inmenso oficio se merecía. A esas mujeres debe Díaz Yanes la solidez, desacostumbrada en una ópera prima, que transmite su película. Y es su mérito, qué duda cabe, haberles sabido extraer a ambas, y a unos secundarios de auténtico lujo, un rabajo de ésos que quedan en los anales".
La película fue igualmente elegida como la mejor española de 1995 por 16 eescritores convocados por La Esfera, lo que motivó que Manuel Pérez Estremera escribiera en El Mndo: "Creo que no es habitual en nuestro cine una primera película tan rica, tan madura, tan adecuada narrativa e industrialmente, y creo que, ante tantos elementos de interés, no cabe otra cosa que apoyar esta línea de trabajo, a este autor y a estos profesionales para que tengan una rápida continuidad".
Sin embargo, no fué así. Tras el anorme triunfo logrado con su primera película, Agustín Díaz Yanes tardaría seis años en dirigir su segundo largometraje, Sin Noticias De Dios (2001), con el que no obtuvo un éxito similar. Su tercera pelíucla "Alatriste" de Arturo Pérez-Reverte.
Es ésta una de las más grandes y sorprendentes obras de nuestro último cine, y digo sorprendente, porque creo que se trata de una ópera prima. De gran sordidez y crudeza, posee sin embargo mucha humanidad en algunos momentos, se nos muestran personajes bien definidos y se nos hace entender su comportamiento.
Pilar Badem está imponente en su mejor papel hasta ahora, pero Victoria Abril traspasa todos los límites y alcanza lo sublime. Ambas dan enorme credibilidad a sus personajes y, entre choques, decepciones y conflictos, llegan a un mutuo entendimiento y comprensión.
La direccción es muy directa, firme y sin alardes, creando unnivel de autenticidad total, todo ello facilitado por un magnífico guión.
Toda una joya, esi sí, de una dura y árida belleza.
"Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto" logró lo que todo direcor de cine, y todo productor desea conseguir: buenas críticas y buena taquilla. Y es que, conun guión digno de ser mencionado, pues combina con acierto y bastante originalidad una historia costumbrista- la supervivencia de dos mujeres de un barrio pobre - con una historia de auténtico cine negro - esos mafiosos tan reales como las vidas que arrebatan- el director logra engarcharnos de principio a fin sin aburrirnos. Y todo ello aderezado con guiños de la vida privada del propio director, como es el caso del mundo de los toros; algo que da, sin duda alguna, mayor credibilidad alconjunto.

"Nadie Hablara De Nosotras Cuando Hayamos Muerto" para mi es una , sino, la mejor película de cine español que he visto desde hace muchísimo tiempo, no olo española sino en general. Su dirección, sus interpretaciones, su originalidad, su maestría, su historia, todo ello la hacen única he irrepetible, un éxito que no se ha vuelto a repetir desde su inicio hasta la fecha. Ni Amenabar ni Almodovar consiguen superar esta cinta llena de humanismo, violencia, tristezas, la vida real, una historial inolbidable que quedará grabada en la retina del espectador por siempre.
NOTA: QUIEN NO LO HAYA VISTO TODAVIA NO SABE LO QUE SE PIERDE. ES DE OBLIGADA VISIÓN. GRANDIOSA.

VAN HELSING. Nada De Terror, Todo Acción. Una Película Sólo Para Pasar Un Rato.

Protagonizada por Hugh Jackman, "Lobezno" de los "X-Men", que en este caso cambia totalmente de registro par interpretar un personaje atormentado por un pasado que no consigue recordar, y que acostumbra a resolver sus problemas con expeditivos y siempre violentos métodos. A diferencia de Lobezno, Van Helsing lleva sombrero, por lo cual suponemos que el bueno de Jackman ha debido pasar estos últimos meses trabajando tan importante matiz.
Las premisas de las que parte la película no dejan de tener cierta gracia. El tal Van Helsing es un superagente de una organización secreta interreligiosa con sede en Roma que se dedica a salvar a la humanidad de ser deovorada por el hombre del saco. Va equipado con todo tipo de gadgets de la más puntera tecnología de un siglo XIX fantástico y cuenta, además, con el eterno reproche de sus superiores, quienes no aprueban sus poco discretos métodos. Sin embargo, todos estos brochazos de humor paródico no legan a cuajr en un guión carante de vida que hace aguas por todas partes.
"Van Helsing" queda pronto reducido a una exihibición de efectos especiales, no en todfas las ocasiones excesivamente afortunados, en escenas que dejan una fuerte impresión de deja vú: todo eso ya lo hemos visto.
Desgraciadamente, ésta es la única sensación que trasmite. Hay tres o cuatro ocurrencias de lo que despectivamente se conoce como "fantasmadas" que, sin embargo, son lo único bueno de la película, Más bien, lo menos malo. Entre una y otra no pasa nada que echásemos de menos si nos ausentásemos para merendar, mientras los diálogos nos hacen echar de menos la época dorada del cine mudo.
Si bien es algo propio de esta película, sino un cliché muy extendido en el cine de vampiros, no me voy a quedar sin expresar mi extrañeza ante el hecho de que ninguna asociación de vampiros haya alzado la voz contra la hortera y patética imagen que dan sobre el aritócrata europeo vampiro. Todos ellos son capaces de hablar a la perfección el idioma de los forasteros que llegan a su pueblo perdido entre los Cárpatos, pero ninguno se deshace de su ridículo acento.
El Drácula de "Van Helsing" está caracterizado de tal manera que mientras los héroes se pasan toda la película investigando cual es el secreto que oculta el conde, el espectador lo primero que piensa es que no se trata de otra cosa que su inminente salida del armario.
Si hay algo que nos deja muy claro "Van Helsing" es que Stephen Sommers es un notble creador de prólogos, algo que ya habíamos comprobado en sus anteriores películas, "The Mummy" y "The Mummy returns". En apenas unos minutos el director consigue captar el interes del espectador, que se pregunta qué posibles conexiones habrá urdido éste para hacer que Drácula precise de la ayuda del padre de Frankenstein con el fin de desarrollar sus oscuros propósitos. Todo ello lo arropa, además, con un velo blanquinegro que nos retrotrae a la obra de James Whale, un acertado homenaje que representa a la perfección el espíritud de aquellas mñíticas producciones de la Universal que ahora se pretenden actualizar.
Sin embargo, todos los defectos de Sommers sale a relucir una vez transcurre este breve tramo de la cinta. Al igual que Rolan Emmerich, el responsable de "Van Helsing" no es un guionista talentoso, de ahí que la trama sea lo de menos y que los personajes se vuelvan demasiado esquemáticos. Lo importante, según parece, es mantener al público con la boca abierta durante toda la función, engatusarle con una sucesión de ágiles y vibtrantes escenas para que así no le dé tiempo a aburrise y salga del cine con la sensación de haber disfrutado de un típico espectáculo Hollywoodiense en el que el ritmo no decae en ningun momento.
Pura diversión que culmina con un climáx intenso, de esos que uno siempre espera encontrar en este tipo de productos y donde los protagonistas dividen sus caminos para que de este modo contemplemos variopintas secuencias de acción.

Mas, por desgracia, los diálogos son pedestres y el humos sumamente tosco y primario, y eso es algo que no puede pasar desapercibido, en especial cuando aparecen Igor Y Carl, este último interpretado por un David Wenham que habrá decidio divertise un poco tras su complicado papel en las dos últimas peliculas de trilogía de ·El señor de los anillos".
Pero lo peor es que el Drácula de Sommers es uno de los peores de la historia del cine, demasiado histriónico y carente de carisma, algo a lo que no ayuda la interpretación de Richard Roxburgh, quien probablemente no era el actor adecuado para tan importante rol (al menos se prescinde del mito de la transformación en murciélago del Conde, convirtiendolo aquí en una bestia mucho mas abominable). Sus ademanes y las intrascendentes frases que brotan de su boca no ayudan a que sintamos la perfidia de este mítico vampiro.
Respecto a sus Novias, son unmero adorno que no cesan de revolotear por la pantalla durante todo el filme. Dudo mucho que Elena Anaya saque algún provecho de su participación en "Van Helsing", ya que la mayor parte del tiempo la compostura de su esbelta figura da paso, gracias a los avances de la técnica, a una horripilante criatura alada.
Quienes cumplen con su cometido son Hugh Jackman y Kate Beckinsale, una pareja perfecta que irradia una gran fuerza, pues ambos ya han demostrado lo bien que se deselvuelven en el terreno de la acción. En todo caso, es Frankestein el personaje por el que el público sentirá una mayor empatía, ya que no se nos lo dibuja como un ser execrable, sino como un individuo que es consciente de su origen y vive atormentado por ello.
Al encontranos ante un gran espectáculo, no faltan los fastuosos decorados, sin duda lo mejor de Van Helsing, junto al maquillaje y al vestuario; si bien se revelan eficaces, los efectos viosuales no terminan de resultar convincentes, camuflandose sus defectos gracias a la oscuridad de la fotografía.
Tanta aparatosidad es una buena muestra de que no no escontramos ante una cinta de terror, pues casi nada se insinúa, y ello a pesar de que el director se afane por construir unos cuantos sustos fáciles, como cuando alguno de los protagonistas camina entre la penumbra mientras sólo se escucha el inquieto runrún de los efectos sonoros.
Finalmente, la banda sonora de alna Silvestri recupera la grandilocuencia de "The Mummy Returns", empleandose para ello unos impactantes coros que ya se manifiestan en la propia introducción del filme. La música es casi siempre vibrante y orquestal, y buena prueba de ello es la secuencia en la que los protagosnistas huyen en un carrruaje tirado por veloces caballos.

EL AUDIO ESTÁ EN ESPAÑOL (LATINO)

EL TIGRE Y LA NIEVE. Una Historia Romántica. Un intento De Volver A La Exitosa "La Vida Es Bella".

Attillio es un poeta y profesor universitario de poesía de la Universidad para Extranjeros de Roma. Estamos en el año 2003; la guerra de Irak no ha empezado todavía, aunque se palpa en el ambiente su próximo comienzo. Attillio parece vivir completamente en su mundo, encerrado en su torrre de marfil, donde sólo se oyen las sublimes voces de los poetas que más le gustan. Tiene cierta reputación literaria; ha publicado recientemente su última coklección de poemas, El Tigre y La Nieve, que ha tenido una buena acogida tanto de la crítica como por parte de los lectores de poesía. Los acontecimientos cotidianos apenas hacen mella en él: de noche sólo sueña con una mujer con la que se desea casar. El nombre de la mujer es Vittoria y, en la vida real, ella, qué pena, no quiere saber nada de él. De hecho, ella se exaspera con las constantes atenciones de este hombre incurablemente alegra que nunca cesa de declarar su imperecedero amor por ella. Attillio la sigue a todas partes, la vigila, le promete amor eterno y se lanza a sus pies. Pero cuanto más le presiona, ella más se resiste. Vittoria también forma parte del mundillo literario: en este momento se encuentra escribiendo la biografía del poeta iraquí más importante de la actualidad, que ha vivido durante años en París y que está preparando su regreso a su hogar en Bagdad. Si estalla la guerra, a él le gustaría estar entre su gente. Vottoria y Attillio le conocen brevemente en Roma.
Iniciaré diciendo que es una peliculka que me cautivó mucho, desde el inicio, un padre de familia en verso, fantástico, un amor hacia su esposa como ninguno, creo que un amor así de fuerte vale la pena, en buena manera, su protección por sobre su vida. Un sincretísmo metafótico y lleno de vigor en cada acto en cada ecena de su vida. Espero os guste si alguna vez lo ven déjense llevar por sus ocurrencias.
La escena del brindis fue graciosísima, lo deja con los pantalones abajo, ella corre escaleras abajo, y mientras se pavonea entre verso y verso le ve en la calle y gritando sale tras ella; ella subre a un tren eléctrcio o un casi metro, el no puede alcanzarla le tira el zapato que tiene en su mano y le dice eres una gran hija de puta, no le queda otra lo dejaron plantado....
Tierna y emotiva fábula del amor eterno casi de cuento de hadas. Encantadora y a la vez empalagosa, no se sabe muy bien qué elegir.

IDENTIDAD. Un Thriller Psicológico Con Un Giro Sorprendente Original y Perturbador.

¿Qué pasaría si cada elección que tomamos ya hubiera sido elegida con anterioridad?. ¿Qué pasaría si no existiesen las casualidades en la vida y nuestro destino ya estuviera predeterminado?.
IDENTIDAD es un thriller psicológico con un giro sorprendente original y pertubador. Diez extraños se ven atrapados por una terrible tormenta: un conductor de limusinas, una estrella de la televisión de los años 80, un policía que escolta a un asesino, una prostituta, una pareja de recién casados y una familia en crisis, todos se refugian en un lúgrube motel dirigido por un nervioso gerente nocturno.
El alivio de encontrar un refugio pronto es sustituido por el miedo cuando los diez viajeros comienzan a morir uno a uno. Pronto se dan cuenta de que, si quieren sobrevivir, tienen que decubrir el secreto que les ha reunido en ese lugar.
"Identidad" se basa en ideas audaces, dice el director James Mangold. "Juega con las convenciones del suspense y el miedo y es una gran oportunidad para mi trabajo en una rama del cine que admiro, un thriller de ubicación única. Es un auténtico desfío conseguir que el único escenario tenga interés durante toda la película".
La originalidad del guión de Michael Cooney para "Identidad" es lo primero que sedujo a la productora Cathy Konrad. "Era una clásica película con puzzle, una novela de estilo policíaco con un giro sorprendente. Pero también había algo subversivo y peligroso en ella", dice. "Ademas, los personajes eran frescos. Normalmente en este tipo de género se limitan a servir a la trama. En esta película, los personajes son la trama".
Mangold y Konrad trabajaron con Cooney en el guión, añadiendo dimensión y profundidad a los personajes. "Jim hizo hincapié en asignar a cada uno de los personajes su propia personalidad y situarlos en un punto crucial de sus vidas", dice Konrad. "El material es muy rico, pero sutil. Aprendemos mucho de esa gente en un breve periodo de tiempo". "Quería dar a cada personaje un defecto y un secreto", dice Mangold, "algo que temen, algo que protegen, algo que los involucra a ellos".

Otro aspecto original de "Identidad" que intrigó a Mangold fue que la película gira en torno a una estremecedora revelación, que ocurre mucho antes del final. A Mangold le gusta el momento enque "esa sensación de caída de las peasdillas que cuando paree que llega al suelo resulta que estabas muy lejos de alli. No podía esperar a rodar esas escenas y verlas luego editadas".
"La película se ha rodado de forma magistral", asegura Konrad. "El público no será capaz de anticipar la mayor parte de las sorpesas y los giros y las vueltas. Estarán mirando por todas partes. Es más, hay pistas desde las primeras imágenes, lo que genera una película divertida y emocionante al mismo tiempo".
Mangold quería actores fuertes para la película. Para el papel de Ed, el conductor de limusinas, aligió a Jhon Cusack. "Jhon aporta un toque sutil de humanidad a, incluso, sus papeles más serios, un calor que pensé que sería muy atractivo para la película que, en ocasiones, es bastante oscura y aterradora", dice Mangold. "Jhon tiene una presencia en pantalla increíble. Sus actuaciones están repletas de contradicciones que convierten a un personaje en real, e incluso ese calor que les hace trascender de la pantalla" añade Konrad.
Como Mangold y Konrad, Cusak se encontró inmediatamente atraído por el guión de "Identidad". "Nunca había visto una película donde el giro ocurriese al comienzo del tercer acto y todavía quedase mucha película que contar", dice Cusack. "Sigue sorprendiendote. Tiene mucho enganche".
Mangold se reunió con Ray Liotta, con el que ya había trabajado en "CopLand" para que interpretase al oficial Rhodes. "Ray crea personajes realmente únicos, hombres llenos de ingenio e inteligencia aunque también capaces de utilizar la violencia", explica Mangold. "Hay una especie de fuerza explosiva en los ojos de Ray, lo que le viene perfecto para Rhodes".
"Lo que más me atrajo fue volver a trabajar con Jim"dice Liotta, "pero también porque éste es un género que no había tocado. Los personajes son convincentes, Todos luchan por encontrar su propio camino en la vida. Y es una película muy diferente en términos de ritmo. Al cabo de un par de minutos de empezar la película todo se acelera y ya no vuelve a frenar".
Otro personaje importante era Paris, una ex prostituta que sueña con empezar una nueva vida. Amanda Peet "posee esa clase de fuerza salvaje y ese toque de descaro", dice Konrad. "es una actriz nata y , como Jhon, es capaz de cambiar de un momento cómico a una escena dramática sin esfuerzo"."La primera vez que leí el guión me asusté mucho", admite Peet. "Empecé a pasearme por todo mi apartamento comprobando que todas las puertas y ventanas estaban cerradas. Es un guión muy inteligente. Y realmente se te mete en la cabeza".
Cada uno del resto de los miembros del grupo aporta otro color, otro elemento a la historia, lo que era crucial para el éxito de la empresa. "Es una auténtica prueba para los actores conseguir mantener al público interesado en la historia aunque ya se haya revelado la verdad", dice Konrad. "quieren saber el destino final de los personajes".
El personaje dominante de "Identidad", de acuerdo con el director, James Mangold, sería el motel donde los personajes se vemn atrapados. "El motel necesita sentirse vivo durantre toda la película" dice Mangold. "Los colores y las sombras de todas las habitaciones tenían que parecer reales y a la vez enfatizar el terror de los personajes".
"El entorno adecuado también puede motivar una respuesta emocional por parte de los actores", explica Mangold. "hay algo desesperado y oscuro en todos los personajes de Identidad. Es fascinante tener a todos los actores confinados en un pequeño espacio. No hay salida para ellos porque el agua y la naturaleza han atrapado a todo el mundo en esta pesadilla. No pueden hacer nada. Esta clase de claustrofóbia puede llegar a ser explosiva".
Para crear el ambiente adecuado, Mangold colaboró por segunda vez con el diseñador de producción Mark Friedberg, quien dice que su primera tarea fue "lograr un único escenario principal suficientemente interesante para captar la mirada del espectador durante toda la película (lo habitual son unos 50 escenarios o lugares)".
El motel se construyó por completo en el escenraio 27, el segundo escenario más grande del complejo Sony Pictures Culver City, aunque unos exteriores, en el desierto de California a unos 32 kilometros al este de Palmdale, se usaron para rodar unas escenas preestablecidas. dado que la mayor parte de la película tiene ligar de noche en una tormenta tanto Mangold como el productor Konrad acordaron que sería más fácil controlar el medio rodando interiores la mayor parte del tiempo. Esto también aumentaría la sensación de claustrofobia que experimentan los personajes.
Friedberg y su equipo necesitaron ocho semanas para conseguir el motel, que estaba repleto de escenarios cavernosos. Todo el rodaje fue una obra de ingeniería también. Había que construirlo con cuidado para que resistiese las goteras y que estuviera diseñado para que el constante agua pudiera filtrarse sin destruir los suelos o las paredes del escenario. Se colocó un subsuelo gignte de caucho bajo el ecenario sobre el que se erigió el motel,. Tdo el suelo del escenario era de un material usado en la construcción de piscinas. "Quería que el agua envolviese completamente a los actores y al cuadro de cámara", dice Friedberg.
Por supuestom el personaje de Cusack, Ed, es el único que lleva un chubasquero en la película, lo que contribuyó al pesar de sus compañeros. "¿Cómo diablos es que sólo Ed sabía que iba a llover?", bromea Ray Liotta. "La verda es que la luvia era incómoda pero ayudaba muchísimo a crear el ambiente adecuado. Era como darte una ducha fria too el día y a veces era exhasperante".
Friedberg también trató de generar el ambiente propicio en su diseño de interiores. auqnue el público puede que no se de cuenta, el papel de las paredes de algunas habitaciones "parece un vallado si lo ves desde cierta distancia", dice Konrad. Otras habitaciones tienen un papel con rayas verticales "lo que tendemos a considerarlo como barrotes que mantienen a la gente atrapada".
La película es tan rica en detalles, dice Konrad, "que cualquiera que visitase el rodaje diría lo mismo: Creo que ya he estado aquí enuna de mis pesadillas".

CHUECATWON. Una de Gays Con Asesino En Serie De Por Medio.

En "Chuecatown", que se estrenó en cines a principios de verano, dirigida por Juan Flahn, nos encontramos la tópica historia de un asesino con un (una en este caso) policía tras la pista pero con una pequeña originalidad en la trama, varios de los personajes son gays.
Victo "Pablo Puyol" trabaja o es deuño de una inmobiliaria y tiene el sueño de convertir chueca en una urbanización de lujo. Para ello no tendrá reparos en hacer lo que sea para las ancianas que no quieren vender sus viejos y destartalados pisos. En el camino de Victo se cruzan Leo (Pepón Nieto, magnífica interpretación) y Rey (Carlos Fuentes, se ve menos su trabajo) una pareja de gays que ve cómo corre peligro su relación por culpa de la madre del primero, Antonia (Concha Velasco, la recalcitrante Concha Velasco), que se va a vivir con ellos. El papel de Concha Velasco está hueco, falso, muy visto y poco greíble, no sé como se le puede llamar actriz a esta señora.
Concha Velasco se debío preparar este papel copiando la interpretación del trabajo que hacía Mariví Bilbao (la abuela fumadora de "Aquí no hay quien viva) pues es igualita.
La pareja de policías que investigan los asesinatos "la mejor pareja de detectives que he visto en el cine español" son Mila (la magnífica Rosa María Sardá) y el hijo gay de ésta (Un desaprovechado "Neg").
Destacar que el mejor papel lo hace Rosa María Sarda y el siempre haceptable Pepón Nieto dejando por denajo el resto de los actores sobre doto a Concha Velasco más vista y repetitiva que el telediario y Edu Soto "El Neg" que o espabila o pronto se quedará sin trabajo.
En definitiva, una comedia lo que debe hacer es provocar más de una sonrisa en la cara del espectador y ésta no lo consigue. No hay prácticamente ningun gag y la película parece que es una mala película de detectivas con temática gay que siempre va muy de moda en el cine Español.
El histrionismo es la nota imperante en la caracterización de los personajes, y tanto Concha Velasco como Pablo Puyol Bordean el ridículo por momentos, mientras que Rosa María Sardá demuetra una vez más que es capaz de interpretar todo tipo de papeles.
Quizás du director Juan Flahn, haya querido en cierto modo demostrar que la homosexualidad es un tema como cualquier otro, y que se puede utilizar en cualquier contexto. Pero sin duda, flaco favor ha hecho a su normalización recurriendo a cuantos estereotipos pueden subyacer hay en día en la mente de una ciudadanía que puede ver en este filme más reminiscencias de Mariano Ozores que cualquier otra cosa. Con la salvedad, claro está, de que en aquella época del destape, las producciones eran financiadas por el capital privado en su prática totalidad, mientras ahora tenemos un cine subvencionado desde todos los sectores imaginables. Quizás el hecho de tener garantizada la amortización de la producción desde antes de comenzarla, sea la causa que ha llevado al cine español a la progresiva y lenta, pero imparable, pérdida de cuota de pantalla de recaudación, y del interes de los espectadores que buscan algo más que un desnudo o un aspaviento exagerado.
Aún así ChuecaTown reune todas las caracteristicas para pasar un buen rato entretenido. Olvidandones de quien actua mejor o peor, de que si la fotografía es buena o no. La película contiene una temate gay latente en toda la duración de la película y eso siempre a la comunidad gay nos biene bien, siempre y cuando traten a las parejas gay con todo el respeto del mundo, como lo hace aquí su director.

EYES WIDE SHUT. Obra Póstuma De Kubrick.

Una acomodado matrimonio neoyorquino asiste a una elegante fiesta de la alta sociedad. Allí a ambos se les ofrece la posibilidad de ser infiles a su pareja; los dos rechazan estas ofertas para no poner en peligro su aparentemente perfecta relación. Sin embargo, al llegar a casa tienen una conversación que provocará una importante crisis entre ellos.

Kubrick demostró tener un buen criterio a la hora de elegir las primeras escenas que presentarían ante la prensa y el público la que sería su película póstuma: en un cómodo y lujoso dormitorio Tom Cruise abraza a Nicole Kidman, estando ambos desnudos. Ella, sin embargo, mira aburrida su propia imagen en el espejo. Esta imagen resume a la perfección Eyes Wide Shurt: unmatrimonio cuya aparente felicidad esconde una realidad muy distinta; están pasando una crisis de la que sólo ella es consciente y en la que el sexo va a desempeñar el papel principal. Como es muy habitual en el cine, el espejo hace de símbolo de lo engañoso de las apariencias.
Esta crisis latente toma forma cuando la esposa, estimulada por el alcohol y la marihuana, se atreve a cantarle por fin las cuarenta y ponerle las cosas claras al marido. En una brillantísima escena, Nicole Kidman hace en primer plano una confesión digna de un film de Ingmar Bergman ante la cámara; enella desnuda de forma bastante cruel las miserias internas de su vida en común con el personaje de Tom Cruise, al que en realidad desprecia, como se comprobará posteriormente en la secuencia en la que le cuenta su sueño.
En apariencia lo tiene todo, pero en realidad no se conocen ni tienen confianza ni se comprenden el uno al otro.
El punto álgido de este inteligente discurso, al que Cruise sólo sabe responder con tópicos y respuestas estereotipadas de telefilm- cariño, estamos casados, ect.- es cuando la mujer relata su fantasía al ver a un atractico hombre en un hotel; su vida cómoda y burguesa es tan falsa y aburrida que la abandonaría encantada sólo a cambio de un instante de auténtico placer con el desconocido.
A causa de este úlimo detalle, toda esta magistral secuencia ha sido por lo general malinterpretada por público y crítica, que consideraron Eye Wide Shurt como una película sobre la infidelidad, cuando en realidad el film indaga en abismos mucho más profundos de la relación de pareja, a semejanza del cine del mencionado Berman o de Woody Allen.
Hay que reconocer que a esta errónea y superficial interpretación también contribuye los horrendos insertos en el más puro estilo Playboy late night de Kidman retozando con otro hombre en la mente de Cruise; aparte de su ordinariez estética, estos planos reducen la crisis que está viviendo el personaje del marido a un simple ataque de cuernos, cuando en realidad toda su existencia está desmoronandose.
Cruise, para intentar reponerse de las amargas revelaciones que le ha hecho su mujer, vaga por la ciudad en estado de shock. A continuación, la película nos introduce enlas fantasías sexuales del personaje, el cual se encuentra con una serie de mujeres que se le insinuan de forma bastante evidente; acomplejado y reprimido, no se atreve a aceptar la oferta de ninguna de ellas. Su pánico ante el sexo le hace además ver en todas estas mujeres graves peligros de todo tipo, como se explorará enla segunda parte del film.

Primero fue la mujer, y ahora es el marido quien se enfrenta a sus problema sexuales y de pareja que, en su caso, lejos de existencialismos de su inteligente esposa, muestran su simpleza y su inmadurez; de hecho, Eyes Wide Shurt explora, aunque de una forma y con una intención radicalmente distintas, el mismo universo de fantasías de reprimido que las españoladas de los años setenta y ochenta, o las películas americanas de adolescentes y universitarios. Una vez pasado el mal trago de hacer frente a sus demonios interiores, se abre para la pareja una segunda oportunidad de comenzar una nueva vida y una relación mucho más satisfactoria, especialmente en el hasta entonces descuidado plano sexual. Kubrick se atreve a evidenciar la tesis del film en su conclusión, en un explícito disrcuso de Nicole Kidman rematado con un contundente "FOLLAR".
En la película hay una gran compenetración entre el contenido, probablemente la radiografía más brillante y certera de la vida conyugal burguesa que ha ofrecido el cine desde "El amor depués de mediodía" de Eric Rohmer, y el aspecto formal, donde Kubrick da rienda a su gusto por los desafíos técnicos. Eyes Wide Shurt tiene una virtuosa estrcutura simétrica, en la cual todas las escenas de la primera parte tienen una secuencia gemela depués del ecuador del film; además el uso de la fotografía y la música configuran a la perfección la atmósfera onírica de esta adaptación del Relato Soñado de Arthur Schnitzler. Es curioso que una de la mejores obras de un autor muchas veces sobrevalorado como es Kubrick haya sido tan infravalorada en su momento, sobre todo entre los propios fans del director; probablemente el paso del tiempo la pondrá en su lugar como una de sus mejores películas.

A L I E N. RESURRECCION. Las Resurreciones Son Peligrosas. Aún Así Tuvo Mucho Éxito de Taquilla.

"Hay cosas que nadie ha visto nunca. Es muy original, pero su espíritu es una mezcla de la primera y de la segunda entrega. Hemos hecho una película genial".
Sigourney Weaver.

Sigourney Weaver quería que su personaje falleciera en "ALIEN ". Dejó claro a la productora que Ripley debía morir porque no pensaba volver a interpretarla en el caso de que se rodara una cuarta parte. Pese a esto, la insistencia del estudio y una sustanciosa suma de dólares (el salario que Weaver recibió superaba el presupuesto de la película de 1979) consiguieron que recapacitra sobre la posibilidad de intervenir en "Alien Resurreción". Las sagas de terror y de ciencia ficción se niegan a perder de vista a sus heroínas.
Depués de tres películas es dificil que los Aliens nos impacten y provoquen el mismo terror que en "Alien el octavo pasajero". Sobre toro porque nos hemos familiarizado con estas criaturas, pero también porque ninguno de los directores que se han encargado de las secuelas parece haber pensado en el motivo por el que Ridley Scott no mostró en ningún momento al extraterrestre totalmente iluminado, sin sombras. Y es que no hay nada que provoque más pavor que aquello que no vemos.

El realizador de "Amelie" no onsigue un film más afortunado que "Alien 3". La atmósfera de la saga ha desaparecido de golpe `pr el más dificil todavía, en un guión mucho más artificioso. La frialdad del clon de Ripley hace que parezca un ser que no tiene nada que ver con Ellen. Que solamente muestra emociones cuando encuentra a los otros clones deformes en el laboratorio.

Predecible cien por ien. Cualquiera sabe de antemano cómo va a terminar todo realizando experimentos con la reina Alien que se reproduzca. LLevados a cabo por un científico con la mentalidad de Jhon Hammond ("Parque Jurásico"), pero mucho más perverso. De todos modos, de forma consciente o inconsciente, refleja que el ser humano quiere controlarlo todo sin contar con sus consecuencias. Ya lo predice el clon de Ripley en la comedia: no pueden domesticarlos. De modo que lo ´´unico que no sabemos es quien va a morir, quien no, y de qué lado está Ellen.
Olvidables son: el aparente tono lésbico, de algunas secuencias, entre Sigourney Weaver y Winona Ryder, los dialogos y el partido de baloncesto. Pero la escena donde se nos descubre las habilidades submarinas de las criaturas es fantástica. No obstante se ve perjudicada en el momento en el que el grupo sale a la superficie y encuentra el nido. Que todos tarden tanto en reaccionar hasta que uno de ellos advierte en voz alta que les han tendido una trampa cuando es tan evidente, es un error preocupante.
No hay constancia de que Jean padeciera limitaciones económicas que costrasen el film, como le sucedió a David Ficher, así que debemos entender que el resultado es exactamente lo que sus responsables y la Fox habían proyectado.
Quizá si Ridley Scott se hubiera salido con la suya y hubiera rodado el final que quería en la película original, en el que el Alien arrancaba la cabeza de Ripley de un mordisco, no hubiera sucedio esto. Aunque he de decir que aún así, ¿qué haría el público sin estos bichos tan espectaculares?.
Las resurreciones son peligrosas. De hecho, Rick Rosenthal también tuvo su propia experiencia. Se testigo de una desafortunada resurrreción.
La Ellen Ripley de ALIEN RESURRECCION es muy distinta a la que conocimos en las entregas anteriores, lo cual resulta lógico, pues esta Ripley es un clon que posee todas las caracteristicas humanas de la Ripley original y algunas de las de sus odiados enemigos aliens.
La nueva Ellen posee una fuerza y una agilidad sobrehumana y su sangre es tan corrrosiva como el ácido. Al principio, poco después de haber renacido, su comportamiento es brutal, casi animalesco, aunque poco a poco se irá humanizando hasta convertirse casi (sólo casi) enla Ripley que conociamos en las otras entregas.
La película es pródiga en escenas impactantes. Personalmente, me quedo con esa aterradora secuencia en la que Ripley, que fue el experimento genético nº 8, encuentra los monstruosos clones anteriores a ella, y el último de esos fallidos experimentos, que posee ya sus mismas facciones, le suplica que la mate para acabar con sus sufrimientos.
ALIEN. RESURRECIÓN gozó de bastante éxito, aunque no logró alcanzar los niveles de la primera y segunda entrega, reconocidas ya como clásicos del género. No obstante, es un film digno, realizado con ganas y talento por Jean-Pierre Jenuet.

DESPIERTO. Un Entretenido Triller Que Nos Muestra Un Trocito Del Más allá.

La publicidad de la película advierte que narra un terrible secueso quirúrgico conocido como percepción intraoperatoria.. No es rocomendble para aquellas personas que vayan a ser intervenidas quirúrgicamente en breve. Y la advertencia, ciertamente, es adecuada, porque el film hace referencia al hecho de permanecer sensible y despierto "awake", aunque totalmente paralizado, durante una operación a corazón abierto, lo cual no es muy agradable que se diga.
Clay es el joven heredero de un gran emporio y sufre problemas del corazón. Antes de ser operado de un trasplante decide casarse con la bella Sam, conla que lleva un año saliendo, para disgusto de la madre que no ve con buenos ojos la relación. Le operará Jack, un cirujano en quien confía. Al poco de comenzar la intervención, Clay sufrirá una percepcion intraoperatoria, no ha perdido los sentidos del tacto ni el oído, por lo que puede sentir todo el proceso. Y eso le llevará a escuchar cosas muy desagradables e inopinadas, haciendo que todo su mundo como un castillo con cimientos de papel quede a merced del viento, al arbitrio de la nada.
En un primer momento creía que no tenía mucho que ver el rollete sentimental azucarado, con la trama médica, pero luego a medida que va avanzando la película y vamos obteniendo todos los detalles, todo se explica y se justifica.
Depierto, no es una película a reordar, pero no es infumable y no nos induce a amodorrarnos, tiene buen ritmo, unas interpretaciones decentes y una intriga bien dosificada que permite mantener nuestro interés hasta el final.
He de recordar que me ha sorprendido gratamente este filme de Joby Harold, donde he podido disfrutar de una fotografía y un montaje muy interesante, así como un desarrollo que, a pesar de sostenerse con hilos para resultar real, te mantiene pegado al asiento durante la hora y media que dura.

Cuando Clay es operado y pasa por el proceso de percepción intraoperatoria asistimos a un viaje astral del protagonista, encarnado por Christensen, que resulta muy interesante, ya que el buen gusto está presente en todo momento, consiguiendo trasladar la sensación de angustia y dolor a tu butaca en todo momento. Y, auqnue predominen los buenos planos, y las buenas ideas, he de decir que el guión se queda flojo en muchas ocasiones, como el desenlace final.
Los actores están correctos en su papel, aunque los dos protagonistas estén más guapos calladitos que interpretando. Destaca Lena Olin, que deja a la altura del betún a la guapa Jessica Alba, o al monísimo Hayden Christensen. Tampoco es que brille su actuación, pero ya se seba, en el país de los ciegos...
Aún así, la película es entretenida, en ningún momento pierde el ritmo, y con su sentimentalismo barato y su evidente fe en el más allá, se deja ver con más gratitud por parte del espectador que otras cintas que hay ahora mismo en cartel.

FUERA DE CARTA. Una Divertidísima Comedia Del Creador De La Serie De TV "Aída".

FUERA DE CARTA es la ópera prima del director Nacho G Velilla, viene del mundo catódico y en su currículo tiene haber sido director, guionista de series coo "7 Vidas" y "Aída". Para su primer incursión en el mundo cinematográfico se ha decantado por un género como la comedia, es el más dificil y sale más que airoso del examen. La premisa de partida en un cuento que comienza en "Xantarella", un restaurante de alta cocina de mercado situado en el barrio de Chueca, en Madrid. A Maxi, su jefe de cocina y orgulloso propietario, las cosas no le pueden ir mejor: a punto de entrar en la cuarentena, su local suena como próximo destinatario de una prestigiosa estrella Michelín. Para conseguirla cuenta con Alex, su maitre y mejor amiga, y con un equipo de cocina que, aunque a veces se porta como una clase de parvulario, le hace las veces de familia. Sin embargo, la ambición profesional de Maci se verá truncada por la aparición de Edu y Alba, sus hijos, de quince y seis años, de los que tiene que hacerse cargo debido a la repentina muerte de su madre. En los planes de Maxi no encaja el convivir con esos niños, fruto de un matrimonio de escaparate y a los que tuvo que abandonar al salir del armario. Pero eso no es lo único que no encaja en sus planes. La llegada de un nuevo vecino, Horacio Peretti, un atractivo ex futbolista argentino, terminará de poner las vidas de Maxi, Alex, Edu y Alba patas arriba.
Con un reparto acorde a la ocasión, y con Javier Cámara como figura estelar. Junto con el genial Javier Cámara ha contado para esta ocasión con Lola Dueñas, Fernando Tejero, Benjamin Vicuña y la incombustible Chus Lampreave.
El guión ha sido escrito por el propio director, Nacho Garcia Velilla, junto a David Sánchez, Oriol Capel y Antonio Sánchez.
L película se ha rodado en Madrid durante ocho semanas, y las localizaciones de rodaje han transcurrido por diferentes lugares de la capital española.
Es una comedia romántica, divertida y fresca por lo visto en pantalla, con un reparto perfecto para el género en el que se desenvuelve. A la vista está que su única pretensión es hacer pasar al espectador un buen rato y echar una risas.
"!Oye: Que el calvo no es mi novio¡".

De hecho esta es la gran baza de la película: se tocan temas como la represión dela homosexualidad vía matrimonio heterosexual de conveniencia, con el subsiguiente abandono de los hijos de una forma nada pretenciosa, alejada del tonillo de "fijate todo lo que estás aprendiendo con nosotros" que suelen tener las películas españolas.
Así que por fin podemos disfrutar de una comedia española que te haga pasar un buen rato y punto, que para eso también sirve el cine, sin tener que verse obligado uno a "pensar", como dicen tantos cineastas españoles para alabar sus obras. Por supuesto, esta no es la comedia del siglo y el guión tipo sitcom con chistes de mariquitas es bastante deficiente, pero el conjunto es más que aceptable debido a que la historia es sólida y está contada de una forma muy blanca y directa.

A pesar de todo, el final es bastante decepcionante. al seguir la filosofía de triunfar en el trabajo o ser una buena persona, en vez de conciliar las dos cosas, como pasaría si ésta fuera una comedia norteamericana.
Los actores están todos en su sitio, destacando el trabajo de Javier Cámara, aún con ciertos amaneramientos (esto no va con segundas) de sobreactuación propios de lo cómodo que se ve que está en este personaje que le va como anillo al dedo, y para el que no habrá tenido que irse a Chueca durante un año para ambeberse del ambiente del lugar (esto tampoco va con segundas). Fernando Tejero hace del consrje de la serie de televisión pero lo hace con gracia, no sele puede negar, y Lola Dueñas fascinante. Chus Lampreave sale por ahí tambien, y ella ya es un personaje en si misma.

En resumen, "Fuera de Carta no pasará a la historia ni ganará ningún Goya, porque no critíca la sociedad consumista-capitalista-maligna, pero les hará pasar un rato divertido, que es lo que se busca en una comedia, ¿no?.

El film trata el tema de la homosexualidad con una normalidad abrumadora, apenas te das cuenta la diferencia de sexos entre las relaciones amorosas, es lo último en que el espectador se fija. Esto es una gran logro para la comunidad gay que deberíamos de estar orgullosos de que se hagan este tipo de películas.