EL SILENCIO DE LOS CORDEROS. Un Bocado muy apetecible de saborear.

El silencio de los corderos es una novela del autor estadounidense Thomas Harris.
Una película basada en la novela (también conocida con el mismo título) se estrenó en 1991. Ganó cinco Oscar: mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz y mejor guión adaptado, además de obtener nominaciones a otros dos.
Una pieza de museo para enmarcarla y que sea admirada como una delas mayores obras de arte de todos los tiempos. Te mantiene ahi pegado a la pantalla en todo momento sin poder moverte, esperando a que vuelva a salir Hannibal porque sabes que cuando sale él sale también Clarice y hay espectáculo seguro. Dos personajes totalmente opuestos que se aman y se odian a la vez, un amor imposible, la bella y la bestia, sublimes interpretaciones las de Hopkins y Foster. Sin mencionar una dirección muy bien elaborada y acertada (la unica vez) por parte de Jhonathan Demme. realmente un bocado muy apetecible de saborear.
Con esta magnífica película se podría decir que nació un nuevo subgénero dentro del género criminal. Desde Seven. Una atmósfera incómoda, casi terrorífica envuelve todo este film: la música, la interpretacion, la fotografía, el maquillaje de los cadáveres....todo rompió moldes y esa estética se ha convertido en un referente. Estamos ante una delas 10 mejores películas de los 90.

Siendo como es la Academia de Hollywood, es dificil que una película de género thriller o suspense pueda llegar a ser la favorita en un año. A El silencio de los corderos le ocurrió, y no sólo se llevó varios premios, sino que fue, junto con la magistral Alguien voló sobre el nido del cuco, la única película de la historia de los Oscar con lo premios más importantes. Estos cinco Oscar fueron unos de los muchos reconocimientos que obtuvo. Tanto la crítica como el público la adoraba y fue un éxito de taquilla.
Jhonathan Demme, que anteriormente había dirigido films de no muy buena calidad como Chicas en pie de guerra, Algo salvaje o Casada con todos, hizo una de las mejores decisiones cinematográficas del momento: adaptar la primera novela de Thomas Harris, basada en el terrorífico personaje Hannibal Lecter. Sabia decisión por varias razones: el personaje masculino de la obra es simplemente perfecto ( un psiquiatra que se como a sus pacientes) y el femenino está perfectamente dibujado (una policía novata que sin embargo no se deja guiar or los demás, y en este caso, por el doctor Lecter). Además, la estructura del guión es magistral y tiene uno de los finales más controvertidos que se hayan visto. Así a Demme le sobraban motivos para rodar el film. Una vez lo hizo, acompañado por el guionista Ted Tally (que adaptó la novela a la perfección), por uno de los mejores directores de fotografía que haya en la industria cinematográfica, Tak Fujimoto y de los productores Kenneth Utt, edward Saxon y Ron Bozmann, el éxito que obtuvo fue totalmente inesperado: Según cuenta, el film iba a ser uno del montón, sin pretender ganar premio alguno ni nada por el estilo. Y así acabo, igual que Casablanca.

En un principio, el actor que iba a interpretar al caníbal era Gene Hackman, el cual también se ofreció como director. Pero más tarde, por extremadamente fuerte que le parecía la propuesta (en el sentido del género), decidió rechazarla. También tuvo la oportunidad de interpretar a Clarice Michelle Pfeiffer aunque luego la rechazara.
Podriamos afirmar que si Anthony Hopkins no hubiera interpretado este papel no tendría el prestigio que tiene ahora. Su impecable y breve, ya que apenas aparece sólo 25 minutos, trabajo creó un "miedo" global y una eufória por parte del público. Sus diálogos con Jodie Foster son sencillamente impecables, carecientes de fallos algunos. El famoso quid pro quo que le propone Lectar a Starling es simplemente magistral y a partir de él se crea toda la química que hay entre los dos.
En definitiva, decir únicamente que El silencio de los corderos es una absuluta obra maestra que ha pasado ya a la historia del cine, debido a las grandiosas interpretaciones de Hopkins y Foster y un guión sublime. Ah, se me olvidaba¡ La mejor secuencia de la película es, sin duda, la de la máscara y la ambulancia.

Esta imagen está clavada en las retinas de todos los espectadores y perdurará por los tiempos. dicifil fotograma de superar, Hopkins realiza posiblemnete el papel de su vida, y lo hace segun él basandose en los movimientos de una serpiente.

TERMINATOR II. EL JUICIO FINAL. James Cameron Jugando Con la Nueva Tecnología Digital.

Terminator II:El día del juicio final es un film de acción estrenado en 1991, primera secuela de la exitosa película The Terminator. Tras el éxito de la primera cinta, y en un intento de aprovechar la popularidad de Arnold Schwarsenegger, situado en un momento cumbre de su carrera como actor, James Cameron repite los esquemas de la producción original. También tiene el mérito de ser una de las primeras películas en las que se utilizaron imágenes generadas por ordenado (CGI) para recrear al antagonista T-1000. El resultado final fue un enorme éxito de taquilla y la consolidación de las carreras de Schwarsenegger y Cameron como actor y director respentivamente.
Obtuvo cuatro premios Oscar: mejor efectos visuales, mejor sonido, mejor maquillaje y mejor edicion de sonido.
Fue la producción más cara de la historia en el momento de su estreno. Se utilizó la técnica de Morphing con el terminator de metal líquido, obligando al actor a correr desnudo con cuadros dibujados por todo el cuerpo para que la computadora lo recreara luego digitalmente.
La escena que muestra al T-800 saltando al camión de nitrógeno líquido y tiroteando a su enemigo a quemarropa, fue generada por ordenador; siendo la primera vez en la historia que se genera digitalmente y anima a un personaje real totalmente por ordenador.
Aprovechando la magnifica histoira de su predecesora, T2 supuso un paso más allá en el competitivo mundo de los FX.
Es puro cine de entretenimiento, del bueno, aunque posee toques del peor James Cameron. Por lo demás T2, es cine de acción del potente, con un sobresaliente Robert Patrick encarnando al despiadado T-1000 y un Schwarzenegger sólido como simpre. La idea del terminator liquido da mucho juego y está muy bien aprovechado. Una de las cintas imprescindibles de los 90, y uno de lo avances más impresionantes en cuanto a efectos especiales se refiere.

James Cameron demostro con este film hasta donde se podía llegar en el apartado visual. Los mas alucinates efectos digitales, junto con un diseño artistico y fotográfico lujosisimos, se dan cita en esta cuasi-perfecta secuela. Lo mejor de Cameron (Titanic, Alie´s el Regreso) es que nunca descuida situaciones ni personajes. El personaje de Sarah Connor ha evolucionado de manera traumática, y el personaje de Jhon es carismático. Arnie esta en su papel (nunca mejor dicho) y lo mejor es Robert Patrick, y sobre todo su personaje. Escenas a destacar: el sueño de Sarah donde cae una bombra atómica; todas las peleas de acción del T-800/T-1000; el prólogo en el futuro, o tada la secuencia de la destrucción de Cyberdine. En definitiva, una espectacular y extraordinariamente entretenida película que iniciaria una nueva manera de ver el cine como espectaculo.

LA PROFECÍA. Diabólicamente Buena.

Cuando Kathy Thorm da nacimiento a un bebé muerto, su esposo Robert le oculta la devastadora verdad y sustituye a su hijo por un infante húerfano, sin saber los origenes ssatánicos del niño. El horror empieza con el quinto cumpleaños de Damien cuando su nana comete un amático suicidio. Pronto, un sacerdote quien trata de advertir al padre de Damien muere en un inesperado accidente. Dado a la creciente cantidad de muertes, Robert se da cuenta que su hijo es el Anticristo y decide matarlo para impedirle que lleve a cabo una profecía catastrófica. Normalmente se nos presenta al protagonista como alguien, que pese a ciertos conflictos personales, suele estar muy seguro de lo que ocurre a su alrededor, y que suele tener la razón y la fórmula para resolver los entresijos de la odisea planteada por el fil. Película normalmente presentada en un primer y segundo acto. asimismo, el resto del reparto suele estar en contra del protagonista: o no le creen, o no creen la presencia de cierta entidad maligna o monstruosa. Uno de los atractivos de la cinta de Rochar Donner, es el guión de Seltzer, escrito al más puro estilo del cine negro o suspense más clásico. dsede esa voz en off al principio con Gregory Peck repitiendo ese malogrado y triste mensaje: "El niño ha muerto, el niño ha muerto...". Basta para que nos unamos a él identificandole como protagonista del drama. Pero un protagonista ajeno a todo lo que le va a ocurrir en su entorno.
Durante gran parte de la historia serán varios los mensajeros y muertes que intentaran revelarle la identidad de su hijo: la magistral muerte de la niñera (Holly Palance), el padre Brennan (Patrick Troghton) o el fotógrafo Jennings (david Warner) con sus reveladoras fotografías. Al igual que seremos testigos de cómo entran en su territorio, ante sus ojos ciertos diablos como la señora Baylock. El seguira ajeno a todo. será su esposa la que primero vera la amldad de Damien, en el zoo y en el intento de separarse de ellos como padres al empujarla en un fatal caída. Mostrandonos Donner una de las mejores escenas: Peck va a visitar al hospital y ella le suplica que no le deje que la mate.

Eso y las fotos de Jennings, unas fotos que muestran a las victimas señaladas con unas espectrales marca. A partir de ahí somos testigos de un protagonista aterrado por la realidad, en la que su hijo es el anticristo. El segundo acto no presenta un campo de batalla concreto. El mal está presente en todas partes. Es un mensaje pesimista como todo el producto que amenaza al mundo en proporciones biblicas.
Siendo una película muy clasica, y apesar de su temática religiosa las muertes son duras y espectaculares. La niñera que se ahorca delante de las miradas de un montón de niños o la del cura atravesado por un pararrayos. Acompaña a toda la película una magistral banda sonora a cargo de Jerry Goldsmith la cual le valió un Oscar, pese a seer de un género siempre poco considerado por la acadamia.
Esta película nace a raiz del éxito de "El exorcista", que era del estudio Warner, por lo que la Fox decidió hacer un acercamiento más profundo al tema satánico encargandos de la labor a David Selterz, que logró hacer un guión excelente. Como director el entonces desconocido Richar Donner ( que años después haría para el estudio rival Superman y la saga Arma Letal), logró rodearse de un perfecto elenco de actores. A diferencia del "EL Exorcista", este film nos muestra el terror fantasmal, nos hace tener miedo a algo que no está ahí fisicamente y que todo el mundo ignora qué es, mientras que en el largometraje de Friedkin el terror era de gore, donde el diablo se da a conocer desde el principio.
En definitiva, una perfecta obra maestra, que junto a la protagonizada por Max Von Sydow, hacen de las películas más terorificas en sus respectivos subgéneros de terror de todos los tiempos.
PELÍCULA COMPLETA

MOULIN ROUGE. El Renacimiento de los Musicales.

Moulin Rouge es una película musical de gran éxito, dirigida por Baz Luhrmann en 2001 que supuso una nueva visión del género musical en el cine y un gran acierto en la carrera de Nicole Kidman y Ewan Mcgregor. La película está ambientada en el París de 1900, donde la modernidad buscaba derribar las normas convencionales en todas las áreas (particularmente en las artes). El film tiene como tema principal el amor y se ddesarrolla en un entorno que mezcla lujo y bohemia al modo de los diseños de Toulouse-Lautrec; de hecho, este pintor aparece como personaje secundario.
Trata de un joven escritor bohemio que se enamora de una hermosa cortesana del cabaret Moulin Rouge: Satine. Una noche, gracias al azar y a una serie de malos entendidos. el destino los cruza. Él la enamora con su poesía, ella lo hechiza con la luz que irradian sus ojos. Vuelan. Pero todo se termina abruptamente, cuando ella advierte la confusión: no era él el millonario duque al que estaba predispuesta a convencer para financiar una obra de teatro. El joven escritor le ofrece a ella amor verdadero, mientras que el rico noble le ofrece cumplir sus sueños de convertirse en una actriz legítima. El filme suscitó reacciones encontradas. Como en el caso de Gladiator de Ridely Scott, se afirmó que "Moulin Rouge" recuperaba un género cinematográfico pasado de moda (el musical) al ofrecer una visión atípica, visualmente apabullante y de éxito comercial. Sin embargo, hay que matizar que el filme no ofrecía apenas música original, sino que se servía de éxitos de la musica pop, encajandolos de manera más o menos justificada en el argumento.

Entre dichas canciones, figuran Like a Virgin de Madonna y Roxanne del grupo Police. En la banda sonora intervenían astros de la música como David Bowie y el incipiente Rufus Wainwright, quien luego también aportaría una canción para Brokeback Mountain. Las criticas más duras se centraban en los deliberados anacronismos, que alteraron el contexto histórico (finales del siglo XIX) para ofrecer una mezcla de estética pompier, casi Kitsch, con una rebeldía contemporánea. También se criticó el protagonismo excesivo de lo visual sobre lo argumental y musical: movimientos vertiginosos de cámara, abuso de colores cálidos y un montaje agresivo que pretendía apabullar más que sugerir. El argumento se tachó de simplista y realmente nada arriesgado: una historia convencional de Romeo y Julieta, de un romance dificultado por causas extremas y que concluye fatalmente.
Los elogios, por el contrario, se centraron en subrayar el riesgo de recuperar el género musical con un gran presupuesto, otrogando los papeles protagonistas a actores que si bien tenian un caché elevado, no eran cantantes profesionales. Fue nominada a ocho Premios Oscar, de los cuales obtuvo los dos primeros. Mejor dirección artística, mejor diseño de vestuario. Además, obtuvo los siguientes Globos de Oro 2002:
Mejor actriz de comedia o musical
Mejor banda sonora
Mejor película de comedia o musical.

EL SEXTO SENTIDO. En Ocasiones Veo Muertos.

Un psiquiatra infantil (Bruce Willis), que fue incapaz de ayudar a su úlrimo paciente, trata de ayudar a un niño que vive atormentado ya que es capaz de ver a la gente muerta.

Hubo varias películas que contribuyeron al resurgimiento del terror más allá del cine slasher adolescente, y el Sexto Sentido fue una de ellas. De hecho, a partir de esta obra magna de Shyamalan, muchos directores trataron de copiar, en ocasiones sin éxito, el planteamiento y los sustos de ésta. Sin embargo el toque de Shyamalan es único, dotando a cada una de sus películas de una admósfera única, por varios motivos. Lo primero es su dirección de actores, exprimiendo al máximo a los intérpretes
a su servicio; pongo como ejemplo a Bruce Willis, que tras colaborar en dos ocasiones con él, ha contenido su forma de actuar. Aunque claro, esto es debido a que sus historias no usan el terror sólo como atmósfera, sino también como trasfondo: todas sus películas son dramas en los que un personaje se supera. alcanzando la verdad tras ciertos avatares. Y por supuesto, trajo la moda de los finales sorpresa, que gustan y repelen por igual, pero que es indudable que sus manos se transforman en una epifanía para el espectador, pues la visión de la trama, generada durante casi toda la película, se revela bajo una nueva luz; la sensación resultante es muy satisfactoria.
Todo un exito de critica y público, esta pequeña joya ayudó a cimentar la carrera de quien es uno de los mejores directores que tiene el género del terror y la fantasía hoy; resucitó, otra vez, a un Bruce Willis incapaz de quitarse el sambenito de McClane y los aires de chulo; y en general, volvió a demostrar que en la taquilla un guión inteligente vale tanto, e incluso más que una descerebrada película de terror adolescente.
Es una de las cuatro películas de terror que han sido nominadas a Mejor Película en los Oscar.
La película fue alquilada en video por más de 80 millones de personas en Estados Unidos.
Toda la ropa que Malcolm usa durante la película son prendas que había usado a tocado la noche que murío, incluyendo su saco, su suéter azul y las diferentes prendas del traje. Bruce Willis, que es zurdo, aprendió a escribir con su mano derecha para el film, para esconder a la audencia que Crowe no llevaba su anillo de bodas. Aunque los productores fueron cuidadosos acerca de las pistas del estado de Crowe, la camara lentamente se acerca a la cara de Crowe mientras Cole le dice que ve gente muerta. En un contenido extra especial del DVD, se menciona que inicialmente temían que esta toma fuera una revelación involuntaria, pero decidieron dejarla. El color rojo está ausente en la mayoria del film y solo en algunas escenas aisladas dispersas durante la película en situaciones donde los muertos estan presentes: es el color del globo y del suéter de Cole en la fiesta de cumpleaños, la carpa donde se encuentra a Kyra, los números en la grabadora de Crowe, la perilla de la puerta cerrada del apartamento de Crowe, y el vestido de la madre de la niña. El film The Village, de Shymalan, proponía similarmente al color rojo como un color con connotaciones malignas y supernaturales-especificamente, los monstruos misteriosos que habitan los bosques alrededor de la aldea.

El guión original del Sexto sentido, escrito por Shymalan y circulando públicamente luego del lanzamiento de la película, es en algunos aspectos bastante diferente de la película. Lo mas notable es que contiene mucha menos información que lo usual para un film. Esto es aparentemente porque Shymalan esperaba dirigir el film él mismo, y por eso dejó afuera la mayoría de los detalles que un escritor de guión normalmente ofrecería a un director, intentando separar la historia entre escenas y disposiciones de cámara.
La película fue nominada a varios Premios de la Academia, incluyendo mejor actor secundario (Haley Joel Osment), mejor actriz de reparto (Toni Collette) y mejor director (M.Night Shymalan). De acuerdo con la IMDB (Internet Movie Database), El Sexto Sentido es la película de suspense que más éxito ha tenido en cartelera a nivel mundial, recaudando 661.5 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo.

EL RESPLANDOR. La Ola de Terror que Barrió América.

Basada en la novela homónima de Stephen King, es considerada la palícula maldita de Stanley Kubrick. Además de la tensión sobrehumana a la que sometío a todos los actores y el incnedio del set de decoracos del hotel Overlook- que pospuso el rodaje varias semanas-, en España se unió a esta serie de infortunios una reducción del metraje de la versión europea, impuesta por el propio Kubrick tras comprobar el fracaso comercial que estaba sufriendo en EE.UU., y un pésimo doblaje que el tiempo ha hecho famoso.
Para el papel principal, Kubrick eligió a Jack Nicolson, que con sus excesos interpretativos se convitió en el perfecto Jack Torrance, srubayando el patetismo del personaje (un escritor alcohólico, sin trabajo, incapaz de escribir nada y al que todo le sale mal).
Su mujer fue Shelley Duvall, actriz poco conocida, que realizó la mejor interpretación de su carrera y al terminar el rodaje tuvo que ingresar en una clinica psiquiátrica debido a la presión a la que estuvo sometida.
En su apartado técnico, la película resulta perfecta, con una magnifica fotografía y efectos sonoros, Kubrick mezcla planos fijos (Nicholson hablando con su hijo en la cama), con innovadores movimientos de cámara, que con un nuevo sistema sigue a los personajes por los largos pasillo del hotel ( el triciclo de Danny y la persecución del laberinto) y secuencias de suspense, que más que mostrar, sugieren y mantienen la tensión durante las casi dos horas.
Estructurada en capitulos, comienza con una especie de prólogo en que nos muestran a grandes trazos a los protagonistas y nos plantean la situación, vigilar el hotel, así como la maldición que pesa sobre él y un anticipo de lo que les espera con la inolvidable escena del torrente de sangre saliendo del ascensor.

Poco a poco nos enteramos de caracteristicas de los personajes desconocidas ( el alcoholismo de Torrance, los poderes de Danny) mientras éstos se van introduciendo en la locura que les produce su soledad e impotencia y, además, los fantasmas de la casa, y desenvocando en una angustiosa persecución por el recinto.
Sin embargo subyace su lado más cómico, en la linea del Kubrick de "La Chaqueta Metálica" o "¿Telefono Rojo Volamos hacia moscú", que nos hace reir con su humor grotesco y personal: cuando la mujer descubre el trabajo de su marido en la maquina de escribir, éste contándole su pesadilla o encontrando a una chica en el baño, las secuencias "surrealistas" en la barra del bar o las reacciones sacadas de quicio de sus personajes. Todo esto hace de la película, más bien, una divertida terapia para problemas familiares, que una historia de monstruos. Los problemas internos del matrimonio salen a relucir enfrentando a los dos en una disputa (arreglada a hachazos).
El maestro Stanley Kubrick vuelve a sorprender a las audiencias y criticos de todo el mundo con esta obra maestra de horror, terror psicológico,sangriento y enfermizo en el que se aprecia una excepcional actuación de Jack Nicholson como psicótico e histérico Jack Torrance, una pasiva y muy asustada Shelley Duval, y un silencioso hábil Danny LLoyd.
Es cierto lo que dice la gente, que después del injusto fracaso de taquilla que supuso Barry Lyndon, la Warner exigió a Kubrick que hiciera una cinta mas comercial. Y adaptó la novela de terror de Stephen King, "El Resplandor". A pesar de ser la película más comercial de Kubrick, no deja de ser una de sus obras maestras.

S E V E N. Los Siete Pecados Capitales. Ningún Thriller le ha Hecho Sombra.

Aparentemente, Seven no parecía se más que otra película de género. Una de esas ya mil veces vistas y que buscan la espectacularidad sin más, sin pisar terrenos tan importantes como la construcción de los personajes o la planificación de la puesta en escena. La historia se SEVEN nos presenta a William Somerset (Morgan Freeman), detective negro a punto de jubilarse, y a su compañero David Hills (Brad îtt), detective blanco que inicia su carrera de detectiva. Se mueven en una ciudad gris, sin nombre, en una época del año en la que no cesa de llover. Van tras la pista de un asesino en serie metódico y versado en literatura, que para acabar con sus victimas, recrea escenas dedicadas a cada uno de los siete pecados capitales. Con estos mimbres, desgastados por el uso repetido de tantos films propios del género policíaco y del psychotriller sólo parecía tener cabida una película ancjada y del convencionalismo de estos referentes tan de moda en los primeros 90´s. Pero David Fincher dinamita los tópicos al imporner un terror psicológico muy alejado del terror voyeuristico de estas producciones. El autor de The Game no nos permite ver las acciones del asesino y apenas nos muestra los resultados de sus acciones.... y eso es lo peor. Nuestra imaginación vuela por los rincones más oscuros de nuestra mente, hurgando en los miedos y jugando con el morbo. Se limita a mostrarnos las consecuencias de los actos criminales pero nos escamotea su contemplación. Tampoco contiene escenas de suspense o acción siguiendo los cánones clásicos. De hecho el film sólo posee una ecena de acción propiamente dicha, una persecución de los detectivas al asesino. Sin embargo, la escena no sólo tiene el objetivo de acelerar el pulso de los espectadores y aumentar la espectacularidad del film, sino que posee una carga dramática importante ( y que cobra una nueva lecura a la luz del final de la película).
Ya los títulos de crédito son una pura delicia ( y que conste que aplico este adjetivo atrincherado en la más pura cinefilia ya que la película es intrinsicamente desagradable). Las imágenes de los mismo parecen un tratamiento de Shock visual. De fondo, la música de Howard Shore hace el resto. Sus notas contribuyen a derramar tensión durante toda la historia.

David Fincher nos conduce por el lado más oscuro del alma humana dentro de una sociedad moderna decandente, en perfecta crisis de valores existencialistas. La mirada inquietante de Fincher radiografía como nadie la sociedad pecaminosa de finales del siglo XX ( y que hoy en día, a principios del XXI, parece serlo más que nunca) que camina imparable hacia su autodestrucción. En los 7 pecados capitales parecen encerrarse todos los males de una sociedad apocalíptica que corrompe el alma humana hasta acabar por convertir al individuo en pecador; y el psicópata Jhon Doe (Kevin Spacey) es el encargado de mostrar en forma de asesinatos (convertidos en obras de ingenio) que todos somos pecadores.
El film se cierra con un final tan sorprendente como redondo, en el que se muestra como la misión y obra de Jhon Doe (Kevin Spacey) queda perfectamente terminada, quedando así demostrado que los que persiguen a los pecadores son tan pecadores como ellos.
SEVEN es un muy oscuro thriller en todos los sentidos, con una fotografía apagada que acrecienta la perturbadora atmósfera en Tornto, EE.UU, ciudad que podría ser perfectamente el reflejo del alma de la inmoral sociedad capitalista actual. La película comparte trozos de cine negro, de psicothriller, de thriller de asesinos en serie y de las buddy movies. A raíz del estreno de SEVEN se hicieron una serie de películas sobre psicóptas metódicos con un fin intelectual en su discurso, pero ninguno de estos filmes llegó a hacer sombra a SEVEN.

LOS OTROS. Un Relato de Suspense Puro. Elegante y Sobrio.

Hay un modo de entender el cine que sin renunciar a la identidad autorial busna ante todo desarrollar un eficaz ejercicio narrativo y visual que atrape la atención del espectador y le impida escapar de la ficción en la que se ha sumergido. En estos filmes, los cinco (o seis) sentidos tienen que estar bien despiertos para no perderse ningún detalle y poder disfrutar plenamente de una experiencia de entretenimiento inteligente y complejo como una partida de ajadrez o un crucigrama blanco. Al final, todas las piezas encajan, y uno se queda satisfecho mirando con orgullo y autoestima la obra recién acabada.
Algo así ocurre con LOS OTROS, el filme más brillante, maduro y redondo de Alejandro Amenábar que ha obtenido una excelente respuesta de crítica y oúblico en los Estados Unidos. es un calculado y astuto juego filmico que confirma a Amenábar como el más internacional de nuestros directores. Con menos de 30 años ha conseguuido realizar un largometraje en la todopoderosa industria cinematográfica norteamericana, sin abandonar su estilo personal y salir bastante bien parado (tanto artistica como profesionalmente) de la aventura.
Utilizando como escenario, una vieja casa fantasmal llena de rincones y puertas en la que todo cruje y parece respirar,Amenábar demuestra tanta intuición como oficio, e incluso supera los excesos de sus anteriores filmes para crear una obra narrativa de estructura fluida y transparente, con una calculada eficacia dramática y un lirismo tan contenido como limpio. Destaca por encima de todo la excelente fotografía de Javier Aguirresarobe que resuelve con maestría la tensión entre eficacia dramática y búsqueda de misterio y lirismo. Una dialéctica que se materializa en el contraste entre luz y oscuridad como constante temática y formal durante toda la películay que nos deja algunos momentos mágicos como la escena de Nicole Kidman perdida en la niebla o imagen cenital de los niños estudiando a la luz de una tenebrosa vela.

Con Hitchokck y Kubrick como referentes ineludibles y similitudes temáticas (y en cierto modo tambíen formales) con la reciente El Sexto Sentido, LOS OTROS es ante todo una obra ingeniosa que engancha al espectador con una intriga que tiene que descubrir para comprender todo lo que le van contando. Un relato de suspense puro, elegante y sobrio, que huye de los recursos efectistas más evidentes y de los trucos fáciles. LOS OTROS remite a la mejor tradición del género y cautiva desde su desgarrada primera escena hasta su paradójicamente luminosa final, gracias a un ritmo in crescendo y un sólido guión de factura impecable. No obstante, la tercera película de Amenábar tiene una gran limitación: se agota en si misma y no da libertad de lección interpretativa al espectador. Eso le resta cierta fuerzza dramática y hace que la película resulte pulcra y fria en exceso, como un inteligente juego de malabares bien sostenido por estrategias promocionales, pero que carece de la hondura necesaria para conmover, emocionar o al menos inquietar, y con todo atado y bien atado, la película pierde gran parte de su interés y se percibe la rigidez argumental que ha hecho posible mantener el suspense hasta el final.

Amenábar ha elegido y dirigido con sabiduría y oficio al reducido grupo de actores que conforman el reparto de LOS OTROS, encabezados por Nicole Kidman como Grace Kelly reencarnada pero con más amplitud de registros dramáticos. Más alla de ese halo especial y artificioso que encuelve a las grandes estrellas hasta convertirles en personajes casi intocables (una de esas mixtificaciiones absurdas del mundo del cine), la actriz australiana ha realizado una de las grandes interpretaciones que consigue dar profundidad y dramatismo a su personaje atormentado. destacan igualmente la veterana Fionnula Flanagan como la misteriosa ama de llaves que todo film de suspense clásico requiere, y Alakina Mann, fantástica en su papel de hija de Grace, el personaje más ambiguo e inquietante del film.
En definitiva, la película queda servida para el espectador ni muy hecha ni poco, justo en su punto, acertando de lleno y guardando un honorífico recuerdo de ella en nuestras mentes.

ABBA. El Grupo de los 70´s. Reyes de la Pista de Baile.

Hoy escribiré sobre uno de mis grupos predilectos y del cual soy admirador desde hace ya varios años, sobre el grupo sueco de los 70´s llamado ABBA.
El nombre del grupo se forma por las iniciales de sus 4 integrantes, Agnetha, Björno, Bennie y Anni-Frid respectivas parejas. El éxito de este grupo se inició cuando ganaron el concurso de Eurovisión en el año 1974 con su canción "waterloo" y que a partir de entonces se conviertieron en un fenómeno musical no solo en su país de origen, Suecia, sino también llegó a conquistar otros merecados...la lista de éxitos de este grupo es tan variada como singles posee.
Sus mejores singles Mamma Mía, Knowing Me Knowing Toy, The Winner Takes It All, Fernando, Voulez_Vous, Chuiquitita, Dancing Queen entre otras. Fue muy famoso en su época y a pesar que se separaron en el año 1982, aún se siguen escuchando en muchas partes, inclusive la propia Madonna quien ha confesado ser una fan del grupo, utilizó para su canción "HUng Up" de su última disco, un sample del single Gimme Gimme,Gimme ( A man after midnight)e inclusive tiene su propio musical llamado "Mamma Mia" que es muy exitoso en varios paises, algo que me alegra bastante.
En Verano de 1971 Benny,Björn y Agnetha viajan a Suecia como una clase de Proto-ABBA poco después conocen a Frida, la pareja de Benny. Es cuando BjOrn y Agnetha consigue casarse en una boda en la que se reunió la alta sociedad sueca, y que fue considerado el evento del año.
El cuarteto hace un número no tna exitóso en Göteborg llamado "Festfolk", Björn y Benny también comienzan a trabajar para Sting Anderson (su futuro socio y manager) en polar Music, al principio como productores y arreglistas, el primer trabajo;Producir a un joven prospecto llamado Ted Gärdestad. Los miembros del grupo reconocen que esta pudo haber sido la peor etapa de sus vidas.
En 1974 ABBA va a preselecciones del festival de Eurovisión en un nuevo intento, este año con la canción "Waterloo". El título fue seleccionado especialmente para dirigirlo al mercado internacional. Y esta vez es un éxito, primero en Suecia en donde sus contrincantes no tienen nada que hacer ante el ponente tema de ABBA presentaba al certamen.
Después se dirigen a Brighton en Reino Unido hacia la gran final. Pero el grupo tenía más armas secretas- los vestidos coloridos y el glittery. ABBA introduce los sequins en la competencia de la canción de Eurovisión. Björn también trae una guitarra con forma de estrella. Y visto por 500 millones de espectadores ABBA gana el festival. Waterloo se convierte en un gran hit en todas partes de Europa e incluso en las listas de los Estados Unidos y en mayo el grupo lanza su segundo álbum Waterloo. Es el primer álbum en que utilizan su acrónimo ABBA y consiguen un lanzamiento internacional. Este álbun es seguido por su gira a través de Europa e incluso de una corta vista a los Estados Unidos. Varios golpes siguen a Waterloo, y diversas canciones en diversos territorios. Re-lanzan Ring Ring, Hasta Mañana, Honey Honey y So Long. Pero estos tres singles solo tienen un éxito moderado, bajo la sombra del éxito de Waterloo.
En 1977 es el año del acontecimiento principal y exitoso tour de ABBA alrededor del mundo. El primer paso, en primavera, lo dan en Europa, este tour incluía dos funciones en la arena británica Royal Albert Hall donde la demanda de boletos fue increible, un record para esa época. El segundo paso los lleva Australia en donde está rabiando la histeria completa de ABBA. Este viaje Australiano también se convierte en el tema principal en la película ABBA the Movie, dirigida por Lasse Hallströn. La película se estrena ese mismo año, con un éxito arrasador que la colocó como la 7ª película más taquillera de los años 70´s.
1982 este año marca el final de ABBA como grupo. Habían planeado originalmente lanzar un álbum doble con nuevas canciones pero terminaron sacando la coleccion The Singles: First Ten Years, con solamente dos nuevas canciones agregadas Under Attack y The day Before You Came, con el último de los videos de ABBA. Bajo la sombra del relativo fracaso de sus dos últimos sencillos, los mienbros del grupo comienzan a caminar bajo diversas trayectorias de un lugar a otro. Frida y Agnetha recomienzan sus carreras a solas mientras que Björn y Benny continúan su co-producción, ahora con los planes para hacer un musical.

EL EXORCISTA. Un Fenómeno Cultural.

El Exorcista (1973) es un largometraje clásico del cine de terror, dirigida por William Friedkin con un guión basado en la novela homónima de William Peter Blatty. Ambientada en los Estados Unidos de principos de los años 70, relata el exorcismo de una niña de 12 años llamada Regan Mc Neil (Linda Blair) que sufre posesión diabólica y es ptracticado en ella el rito del exorcismo por el sacerdote Lancaster Merrin (Max von Sydow) y Damian Karras (Jason Miller), a petición de su madre Chris Mc Neil.
Es una de la pocas plículas del género que tuvo una buena acogida por parte del público, hasta el extremo de llegar a convertise en un fenómeno cultural.
Probablemente, buena parte de su éxito se sustenta en la austeridad y realismo de la historia, así como en la dicotomía que en ella se plantea entre la ciencia y el laicismo comtemporáneo, por un lado, y formas de creencia y religiosidad con caracter terrible aparentemente ya superadas. Inspitada en su supuesto hecho real, consiguió dos Oscar y cuatro Globos de Oro. Muchos años después, se reestrenó en cines con un nuevo montaje, que incluía escenas descrtadas; a destacar la de la nina bajando las escaleras a cuatro patas. En 1977 apareció una secula llamada Exorcista II El Hereje, misma que NO tuvo éxito en taquilla, y que fue considerada como una pésima película, con una trama y diálogos ridículos en demasía.
En 1990, un tercer capítulo fue traido de la mano del mismo William Peter Blatty, creador de la original, basándose ésta vez en su novela Legión. (cual fue la verdadera secuela de el exorcista, con la historia de Padre Dyer y el teninete Kinderman, y el reencuentro con quien creian muerto: El Padre Karras). Para William Peter Blatty la secuela a esta película seria "The Ninth Configuration" dirigida por él mismo en la que se cuenta la historia del astronauta amigo de la adre de Regan.
En el año 2004 se produjo una protosecuela titulada El exorcista- El Comienzo dirigida por Renny Harlin. Para 2005 apareció una nueva protosecuela llamada Dominion-Protosecuela de el Exorcista, que ignora la presentada por Renny Harlin, y ofrece un guión completamente nuevo, con el que Blatty está de acuerdo.
En 1990 salió una película llamada Repossessed (Reposeida), que aunque no es una continuación de la saga, es figurativamente un cuarto capítulo de la historia, ya que es una comedia con la misma secuencia del exorcista donde el actor Leslie Nielsen interpreta al cura que exorciza, y la misma Linda Blair es la poseida, pero ya siendo una mujer casada y con hijos, no se le puede considerar directamente un cuarto episodio puesto que el nombre del personaje de la protagonista no es el mismo que en la original (Nancy Aglet).
PELÍCULA COMPLETA

MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS. La Obra Mestra de Pedro Almodóvar.

Es curioso que se considere este film de almodovar como el más importante de su primera etapa como cineasta, una especie de plenitud artística confirmada por los premios y la crítica nacional e internacional, siendo como es Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios, posiblemente su obra más costumbrista, además de ser una comedia mucho más amoldada a un estilo clásico heredero de Gregory La Cava y Goeorge Cukor, que sus primeras y más radicales películas, donde igual se juntaba lo escatológico de Jhon Waters con los conflictos dramáticos de Douglas Sirk y la mirada epidémica de Rainer Werner Fassbinder. Esta magnifica comedia con más sabor a mambo que a bolero, ayudó al realizador machego a fianzar una estética que se alejaba del pop que sus primeras obras hacia un Kitsch encadenado a lo geométrico, que con el tiempo, ha llevado a Almodóvar a ser uno de los realizadores con más fuerza plástica en su puesta en escena, como bien refleja La Flor de Mi Secreto (1995) y Hable con ella (2001). Esta sobriedad asumida por el realizador, hace de Mujeres...una obra peculiar en su filmografía, ya que por primera vez sus personajes, igualmente de desesperados y esquizofrénicos que los de toda su carrera, se alejan de lado más sórdido de la sociedad - de los Punk de Pepi,Luci,Bom y otras Chicas del Montón (1980) a los curas pederastas de La Mala Educación (2004), pasando por todo un catálogo de monjas heroinómanas, toreros asesinos y enfermeros violadores, para ser un conjunto intimista de personas corrientes, unidas todas, por el abandono del mismo hombre.
Pedro almodóvar sin embargo, había tocado techo hacia ya unos años con la que fue su gran obra maestra en su primera etapa: La Ley Del Deseo (1987) es sin duda la mejor obra de este autor, un hombre que a partir de Mujeres...y hasta la Flor de mi Secreto, pareció estancarse en un mismo estado de personajes, destinados a revivir las tragedias de los protagonistas de la Ley del Deseo, ¿Que he hecho yo para merecer esto? (1984) o Matador (1986). Mujeres...así representa un punto y aparte más a nivel moral que a nivel estético. Almodóvar empezaba a tomar conciencia de su envidiable posición en el panorama cinematográfico internacional, a sabiendas, de que una obra tan cuidada cómo intimista, habia sido la pieza clave.

Es por ello que las mejores obras del último Almodóvar, Todo sobre mi amdre (1999) y Hable con ella, planteen con suma inteligencia lo mejor del melodrama de la Ley del Deseo con el refuerzo estético de Mujeres al borde de un ataque de nervios. Es en esta variante de la movida madrileña a la comedia madrileña donde Almodóvar sabe encontrar su posición a medio camino de una y otra, implantando su caracter de autor con tanta pasión que rabia, durante el suficiente tiempo como para cofeccionar su comedia más lograda y a la postre, pácticamente su última comedia significativa, tras el fracaso de crítica y público con la despistada Kika (1993).
La producción de Mujeres...fue curiosamente fortuita, no así sus logros artísticos, al encontrase Almodóvar incapaz de tirar hacia delante el rpoyecto que más tarde sería la desganada Tacones Lejanos (1991), y nace además como una continuación del fragmento representado en La Ley del Deseo apropósito de la obra de Cocteau La voz humana, sin duda, uno de los mejores momentos de la película, Almodóvar coge el personaje de Pepa, una perfecta Carmen Maura en su última colaboración con el manchego, y lo sitúa en lucha contínua con el teléfono y el contestador automático, en palabras de Almodóvar:" Yo creo que en realidad me ha salido una película contra el telefono. Como he trabajado en Telefónica y odio el telefono, creo que es algo así como un arreglo de cuentas con ellos. Al final, la protagonista dice que empieza una nueva vida y que en esa nueva vida el teléfono no tendrá cabida".
Ampliando lo que en un principio es un monólogo, en una historia tragicómica, aún hay quien piensa que Mujeres es una comedia disparatada, donde se encuentra todos los personajes de la película, siendo la única linea exterior al conflicto la que viene marcada por el personaje de Candela, que se une al grupo debido a su relación con un terrorista chiita.
La película discurre vertiginosa a medida que se desarrolla un conflicto que Almodóvar plantea con precisión en los primeros diez minutos de la obra. Los derroteros de la que es posiblemente su obra más teatral, léase en su aspecto positivo- junto con Átame¡ (1990), ambas obras trascurren al 90% en el interior de un piso, mezclacon cariño y con total ausencia de tragedia a todos los personajes, alos que el realizador les concede la posibilidad de ser felices pese a que entienden la vida como un camino de sufrimiento.

CABARET. Wilkomen, Bienvenue, Welcome.

Cabaret es una película musical estadounidense del año 1972, basada en la novela Adiós a Berlín de Christopher Isherwood. Fue dirigida por Bob Fosse, y protagonizada por Liza Minnelli y Michael York, Cabaret surgió cuando el cine musical ya estaba prácticamente desaparecido, e hizo que la gente se volviera a fijar en este género.
Antes de llevarse a la pantalla, Cabaret fue un musical de gran éxito en Broadway. La película cuenta con numerosos números musicales intercalados en la acción e interpretados en el Kit Kat Club, el club sobre el que gira la historia. Legendarios son los números de Liza Minnelli, Mein Herr, que canta sobre una silla, Maybe This Time, Money,Money, que interpreta junto al Maestro de Ceremonias y el inolvidadle Cabaret toda una declaración de principios. La propia Minnelli se encargó de dar vida al personaje de Sally en las posteriores repeticiones del musical que Judi Dench había estrenado en las tablas londinenses en el año 1967.
Cabaret ganó los premios Oscar al mejor director para Bob Fosse, mejor actriz para Liza Minnelli, mejor actor secundario para Joel Grey y mejor música para Jhon Kander y Ralph Burns, En el apartado ténico, Cabaret, ganó los Oscars destinados a mejor decorado, mejor montaje, mejor fotografía y mejor sonido. La película fue una sorpresa, pues la favorita de ese año era El Padrino de Francis Ford Coppola, que se quedó con el de mejor película y el de mejor guión adaptado.
DATOS CURIOSOS: Joel Grey, que ya había hecho el papel del Maestro en Broadway fue impuesto por los productores a Bob Fosse. La advertencia fue clara: "Si presciendes de Grey, nos veremos obligados a prescindir de ti". Joel, actor americano, imitó en la película el acento alemán, pero sólo es perceptible en la versión original.
Bob Fosse quedó tan impresionado por Liza Minnelli que dirigio en su honor el programa Liza With a Z, ganador del premio Emmy.
Bob Fosse se convirtió en el primer ganador de tres distintos premios al mejor director en el mismo año: el Oscar por cabaret, el Emmy por Liza with a Z y el premio Tony de teatro por Pippin.
El propio Bob Fosse, afamado coreógrafo, fue quien diseño todos los bailes de la película.
El padre de Liza Minnelli, el director de cine Vicente Monnelli, fue quien diseñó junto a su hija, el maquillaje y el peinado del personaje de Sally Bowles.

ARGUMENTO:

Berlín, años 30, mientras el partido nazi va tomando poder, la cantante americana Sally Bowles canta en el Kit Kat Club, un local de la vida nocturna dirigido por el travieso Maestro de Ceremonias. El británico Bryan Roberts, un alumno de Cambridge que se está doctorando en letras, llega a Berlín y encuentra una pensión regentada por la masajista se señoras Miss Schneider y en la que vive entre otros personajes, la prostituta metida en años Miss Kost y el editor de novelas pornogrñaficas Herr Ludwig. Bryan se encuentra en la pensión con Sally y comienza una amistad. Una noche mientras Sally está trabajando en el club, Bryan conoce a Firtz Wendel, un cazafortunas que necesita clases de inglés. Bryan acepta dárselas.
En una de esas clases, Frizt conoce a Natalia Landauer, una rica heredera judía de la que se enamora. Entre los amores de Frizt y Natalia, aparece Maximilian un aristócrata bisexual con el que inician relación tanto Sally como Bryan, que también es bisexual.
tras una serie de acontecimientos, Maximilian abandona atropelladamente Alemania, dejando a Sally embarazada. Bryan ante esto se marcha a Inglaterra y Natalia y Frizt se casan.

INDIANA JONES. Icono de la Cultura Popular.

Henry Jones Junior (conocido como Indiana Jones o simplemente, como Indy) es un profesor, arqueólogo y aventurero ficticio, ingeniado por la mentalidad de los cineastas Steven Spielberg y George Lucas y además, el protagonista central de la serie de películas de aventuras:
Indiana Jones En Busca del Arca Perdida 1981
Indiana Jones y el Templo Maldito 1984
Indiana Jones y la Ultima Cruzada 1989
Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal
(a estrenar en 2008).
Indy es famoso por sus peculiares caracteristicas: un extenso látigo que usa como arma contra sus adversarios, su fino sombrero llamado fedora el cual porta en cada una de sus travesías y su inevitable fobia hacia las serpientes.
Jones ha sido personificado por diversas celebridades, sin embargo es el actor Harrison Ford quien ha consagrado el personaje convirtiendolo en todo un icono de la cultura popular en las últimas tres décadas. Otras personalidades que también han dado vida a la notable estrella animada son River Phoenix(conocido por interpretar al joven Jones en Indiana Jones y la Ultima Cruzada), Corey Carrier, Sean Patrick Flanery y George Hall (proveedor de la esencia inmortl del longevo Indy).
La idea de crear al personaje surgió al finalizar el rodaje del quinto episodio en la exitosa serie Star Wars, a partir del guión preelaborado por Lawrence Kasdan, el cual pretendía ser a su vez el argumento filmico para la originalmente especulada Raiders of the lost Ark. George Lucas y Steven Spielberg serían los encargados de la realización de dicho filme, por lo que en 1977 comienza la preproducción de su futuro proyecto, cuya trama básicamente se centraría en las multiples aventuras de un arqueólogo y buscador de reliquias llamado Henry Jones.
Su pseudónimo. Inicialmente contemplado como Indiana Smith (Indiana por el nombre del pastor alemá de Lucas; Smith simplemente por ser popular en Estados Unidos), sin embargo, finalemte quedó considerado como Indiana Jones.
Sus rasgos físicos y personalidad. Ambos aspectos basados directamente en personajes alternos del mismo género filmico, como Errol Flynn, Fred C.Dobbos y Charlton Heston. En cuanto a la indumentaria del personaje, ésta fue diseñada por el dibujante de comic, Jim Steranko.
Su Ideal Intérprete. Tras realizar una serie de audiciones con tal de encontrar al actor que encarnaría a su personaje, los cineastas propusieron en un principio a Tom Selleck, quien tuvo que rechazar la invitación al encontrarse trabajando en la serie televisiva Magnum P.I. Preocupado por el cercano comienzo de roodaje de la película, Spielberg propuso finalmente a Harrison Ford.
Finalmente, la esperada Indiana Jones En Busca Del Arca Perdida fue estrenada a mediados de 1981 y posteriormente nominada a 8 premios Oscar, entre ellos el de "Mejor Película", siendo suscedida por su predecesoras de 1984, 1989 y finalemte, de 2008.

WOODY ALLEN. Neurosis Neoyorquina.

Woody Allen (New York, 1 de diciembre de 1935) es un director,guionista y actor estadounidense ganador del premio Oscar en múltiples ocasiones. Está considerado como uno de los directores más respetados y prolíferos de la era moderna.
Nació en el barrio de Brooklyn, en New York con el nombre de Allan Stewart Konigsberg. Es considerado uno de los principales directores y guionistas cinematográficos contemporáneos. Nació y se crió en la ciudad de Nueva York. Proviene de una familia judia de origenes ruso-austriacos, a la que el propio Allen define como "Burguesa, bien alimentada, bien vestida, e instalada en una cómoda casa". Sus padres y su hermana también fueron neoyorquinos. Woddy estudió hasta sus 8 años en una escula hebrea, y depués acudió a la escuela pública de Midwood High School. Durante su infancia aprendió a tocar el violín, posteriormente se convertiría en intérprete del clarinete, hecho que le ayudaria más tarde en la creación de las bandas sonoras de sus películas. Hasta 1997 esta actividad de intèrprete musical tuvo lugar en el Michael´s Pub de Nueva York, pero al cerrar este local sus puertas en ese año, pasó a tocar cada lunes en el Café Carlyle, en el hotel del mismo nombre, al que sólo falta los días en que su actividad como cineasta se lo impide.
Allen recuerda así sus primeros años "Eran tiempos agitados, en parte debido a circunstancia económica y en parte por la escasez de vivienda en tiempos de guerra. Mifamilia siempre tenía que cargar con parientes. Constantemente habia tios y primos entrando y saliendo de las habitaciones y siempre nos estábamos mudando de casa".
Debido a que ambos padres debían trabajr, Allen tuvo niñeras desde el primer año de su vida; de un episodio con una de ellas se cree que proviene su aversión a los túneles largos y ascensores. Un día, cuando tenía tres años, la niñera de turno se acercó a su cama y depués de envolverlo en un colcha le dijo: "¿Ves? Ahora mismo podria ahogarte y lanzarte a la basura y nunca nadie sabria lo que ha pasado", pero la mujer no cumplió la amenaza y dejó al chico en la cuna.
Su primer encuentro con el cine fue a la edad de tres años cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. Fue tanta la emoción que le produjo ver cómo los personajes de la pantalla se movían, que corrió a la pantalla para tratar de tocarlos.
A los cinco años se le observó el primer cambio de caracter, se convirtio en un niño solitario e introvertido. Se cree que la razón fue su ingreso a la escuala pública. Años más tarde Allen definió ese lugar como "Una escuela para maestros con transtornos emocionales".
De su época adolescente comenta: "Yo no queria ser Bogart, tampoco queria ser Jhon Wayne. Yo sólo queria sel el capullo de la clase, queria ser ese chico con gafas que nunca consigue a la chica, pero que es divertido y cae bien a todo el mundo".
Allen empezó su carrera como humorista a los 16 años, siempre asociado a otros humoristas. En 1957 se le concedió su primer Sylvana Award. A los 17 años tomaría la decisión de adoptar el seudónimo de Woody Allen. Comenzaria a trabajar individualmente, llegando a ejercer la tarea de dirrector de sus espectáculos en la cadena de hoteles Brosch Belt de Nueva York, donde ya había trabajado otros humoristas importantes como Jerry Lewis.

En 1952, cuando se encontraba terminando la secundaria, comenzó a confeccionar chistes para enviarlos a algunos columnistas de los periodicos de su ciudad.
El primero en usarlos fue Kick Kenny, columnista de Mirror. Poco después, Earl Wilson, el más leido del New York Post, también usaría algunos chistes de allen. Inicialmente se publicaron de forma anónima, pero luego se publicaron con el seudonimo de Woody Allen.
A finales de 1953, Allen ingresó en la Universidad de Nueva York, entre otras materias cursaba Producción cinematográfica. Pero no le interesaba mucho las clases, le gustaba más asistir a las proyecciones de películas que tenía la asignatura. Después de dejar de asistira la mitad de las clases terminó su primer semestre en la Universidad con pésimas cilificaciones en varias materias. Se retiró sin iniciar el segundo semestre.
Su primer contrato lo logra en 1955 en el programa The Colgate Happy Hour, con una asignación de 175 dólares semanales. Actuó en numerosos locales en el Blue Angel fue gracias a una recomendación de Rollins. Ellos veían en Allen un excelente humorista, pero primero debían hacerle vencer su timidez.
En 1968 rueda su primera película (primera película completamente escrita y dirigida por él y en la que tambien actua), Take the money and run. Al comienzo fue dificil encontrar una productora que financiara el proyecto (costaba dos millones de dólares), Palomar Pictures decidió apoyar el proyecto. Aunque la productora no estuvo muy contenta con el resultado final, la película resulto ser un exíto de públio.
A partir de esemomento, Allen alcanza el éxito como director y guionista y también como actor, con la realización de películas ambientadas principalmete en su querida Manhattan, siendo uno de los primeros directores americanos en reivindicar a cineastas europeos como Ingmar Bergman.
Ha sido nominado varias veces al Oscar y en 1977 recibió el premio como mejor director por su película Annie Hall, pero no acudió a la entrega alegando que se habia olvidado de la ceremonia (se había quedado tocando el clarinete ese día), Diane Keaton obtuvo un premio Oscar como mejor actriz por ésta película.
En 2002 recibe el Premio Principe de Asturias de las artes. desde entonces tiene una estatua en su honor en el centro de Oviedo. Sus últimas películas (2005-2006) han sido filmadas en Europa, recibiendo, como ya ha sido una constante, la aclamación dela crítica especialmente la francesa.
En el verano de 2007 rodará una película en Barcelona, Oviedo y Avilés donde participa interpretes como Scarlett Johansson, Penélope Cruz o Javier Barden. La producción estará a cargo de MediaPro. El director de fotografía será el ganador de numerosos goyas, Javier Aguirresarobe.
Cuando actúa en una película, su actor de doblaje al español es Joan Pera, al cual le ha ofrecido un pequeño papel en su proxima película, agradecido por el trabajo del actor catalán, por el que llegó a decir que gracias a él "era más héroe de lo que es en realidad".
hasta la fecha ha realizado 39 películas.