MATRIX. REVOLUTIONS. Un Final Espectacular Para La Mejor Saga De Ciencia Ficción Del Silgo XXI.

No hay duda de que Matrix supuso un soplo de aire fresco en el momento de su estreno, y no porque fuera revolucionaria en su forma o en su formato, sino más bien porque hizo que mucha gente se acercara a los cines a dejarse fascinar por una pelíula relacionada con un género, el de ciencia-ficción, plagado de fracasos comerciales y no muy bien visto por la crítica especializada (por cierto, algo parecido han hecho hace poco "Harry Potter y La Piedra Filosofal" y la trilogía de "El Señor De Los Anillos" por el género fantástico). Si bien sigo pensando que sus efectos especiales no eran nada novedoso para la época (sus Oscars técnicos los ganó por la sencilla razón de que la gran mayoría de los miembros de la Academia de Hollywood no pueden ver a George Lucas y por ello decidieron darle a éste una lección y obviar completamente a "Star Wars, Episodio 1. La Amenaza Fantasma" en dichos galardones), sus creadores supieron aunar muy bien en una sola cinta todas sus influencias y pasiones, confeccionando un apabullante entretenimiento en el que nos encontrábamos con imágenes tan poderosas como las del "despertar" de Neo o el enfrentamiento entre el agente Smith y Morfeo.
Es evidente que con "Matrix reloaded" se disipó el efecto de la primera entrega, y aunque se incrementaron los hallazgos visuales y filosóficos de la saga, no fueron pocas las voces que se alzaron en contra de un producto que, si bien poseía nitidos defectos (centrados sobre todo en su medio hora inicial), contenía algo más que una serie de vulgares fuegos de artificio o un cúmulo de palabras que únicamente conducían a la vacuidad. Probablemente sea la película más controvertida de la trilogía, pero estoy seguro de que con el tiempo adquuirirá una mayor estima por parte de los aficionados, que por fin descubrirán en ella una sólida combinación de acción con proporcionados elementos metafísicos.
Dicho esto, una de las principales preocupaciones que asaltaba a la mente de todo aquel que en su día visionó "Matrix Reloaded" era la de cómo iban a resolver los hermanos Andy y Larry Wachowski las dicotomías que nos presentaban en la secuela de la obra que les dió a conocer en todo el mundo. Por un lado, nos encontrábamos con un agente Smith que no sólo se rebelaba contra las máquinas que lo habían creado sino que además se introducía en un mundo de carne y hueso con el único objetivo de destruir a Neo. Por otra parte, éste descubría que El Arquitecto, aquel que regía el mundo de Matrix, controlaba en realidad todos los movimientos de El Elegido, siendo en principio su camino una trayectoria programada que inexorablemente le llevaba hacia un funesto final para la raza humana.
Lo curioso de esta incógnita sin respuesta es que "Matrix Revolutions" da comienzo con nuevas preguntas que se han de resolver antes de que el filme retorne a su trama principal y, para mi gusto, más intrascendente, en este caso el ataque de la ciudad subterránea de Zion por parte de las perforadoras y de los centinelas. descubrimos entonces a un personaje tan curioso como El Ferroviario, encargado de llevar al sistema central a todos los programas que ya no resultan útiles en el mundo de Matrix. Es entonces cuando aparece otra de las variables que rompe con los esquemas establecidos por el Arquitecto: la posibilidad de que un programa también tenga sentimientos (de ahí la importancia de estas escenas, que muchos han calificado equivocadamente de triviales).
Si bien todos estos fragmentos filosóficos de la cinta desaparecen con prontitud y sólo resurgen en algunos instantes de du trama final, quisiera incidir ahora en ellos antes de introducirme posteriormente en un análisis de "Matrix Revolutios" centrando exclusivamente en su virtudes y defectos como producto de entretenimiento. Los Wachowski, y por mucho que se diga al respecto, si han cerrado la historia que querían contar, que no se otra que la de un mesias que ha de salvar a un mundo tiranizado por la guerra. Es él el que ha de establecer la paz en un planeta marcado por los enfrentamientos al tiempo que el verdadero mal, el que se oculta y va aumentando su poder hasta límites insospechados, espera agazapado mientras sus oponentes se destrozan entre si y se debilitan mutuamente.
La historia de los Wachowski, seguramente un tanto pretenciosa en su conclusión, no es otra que la de un nuevo Cristo que no ha llegado a la Tierra para reinar, sino para construir un punto de partida hacia un mundo mejor y utilizando para ello un arma nueva: el amor. Las referencias religiosas, tan comentadas en la primera entrega de "Matrix", se hacen ahora mucho más evidentes, descubriendose además dos movimientos antagonistas, representados magnificamente en el filme por dos de sus mejores personajes: El Oráculo y El Arquitecto. Ambos son inteligencias artificiales, pero mientras que en una anída la esperanza y la fé, la otra es fria y matemática, compensandose y equilibrandose a la vez tan divergentes personalidades, que son fruto, por cierto, de la verdadera naturaleza de las máquinas, pues no hay que olvidar que han sido creadas por humanos de mentalidades tan opuestas como, por ejemplo, la de Morfeo-creyente-o el comandante Lock (agnóstico). Ahí radica, pues, la famosa elección a la que continuamente hace referecnai el Oráculo, a la posibilidad de decantarse por una u otra opción, al hecho de que cada uno decida por sí mismo el papel que quiere desempeñar en la vida.
Semenjantes teorias vuelven inútiles, al menos desde mi punto de vista, cualquier crítica que se le haga a "Matrix Revolutions" con respecto al hecho de que Neo pueda sentir a las maquinas en el mundo real o de que un programa como el agente Smith sea capaz de salir de "Matrix" y envolverse en una armadura de piel, carne y esqueleto. "Matrix Revolutions" no busca otra cosa que el espactador haga también su elección, y que de entre toda la maraña de propuestas ontológicas y visuales que nos hacen sus creadores cada uno escoja aquella que más le satisfaga. ¿les gusta salir del cine reflexionando con su amigos o familiares sobre lo que acaban de ver? Adelante, esta es su película. Por contra, ¿prefieren que se lo den todo masticado y simplemente desean sentarse ante la pantalla grande para pasar el rato? Estupendo, pues nuevamente se hallan ante un filme que en buena parte de su metraje resulta adecuado para ello.
Dejando a un lado, pues, los aspectos más profundos de esta trilogía, que desde mi punto de vista se mantienen igual de sólidas en todas las entregas, pasemos ahora a valorar "Matrix Revolutions" como el espectáculo que también es. Aquellos que disfrutaron conlas antológicas secuencias de accion de "Matrix Reloaded" seguramente saldrán un tanto defraudados del cine, pues esta tercera entrega no presenta ni coreografias preciosistas ni momentos que en verdad dejen al espectador sin respiración. El encuentro de Morfeo, Trinity ySeraph con Morovingio y sus secuaces sabe a poco para aquellos que contemplamos extasiados los movimientos que exhibian Neo y sus amigos en el tramo central de esta trilogía. ahora toda la acción se centra en Zion, un escenario frío y metálico que se ve sometido a la irrefrenable embestida de los centinelas. Las imágenes infográficas se apoderan de la pantalla y atosigan al público con su convencionalismo. No hay nada que no hayamos visto antes en este campo, e incluso los hermanos Wachowski cometen el error de no intercalar estos combates con el viaje de Neo y Trinity a la ciudad de las máquinas, para así darle un poco de variedad al asunto(por cierto, espléndido el momento en el que la nave de los protagonistas traspasa las tinieblas que cubren los cielos terrestres y Trinity obseva encandilada la brillante faz del sol).
La guerra en Zion se hace un poco larga y pesada, y tanto los diseños de la ciudad y de las naves y artefactos que la pueblan, así como de las perforadoras o de los centinelas, carecen del carisma necesario como para convertirlos en algo único y nunca visto antes en una producción de este tipo. La lucha final entre Neo y Smith posee momentos de gran intensidad, pero, después de lo que comtemplamos en la segunda entrega de la saga, resulta dificil epatar al espectador, máxime cuando algunos de sus encontronazos cuerpo a cuerpo abusan de la cámara lenta para así intentar crear una artificial sensación de magnificiencia (por cierto ¿alguien les ha porpuesto a los hermanos Wachowski que sean los responsables de llevar al cine "Dragon-Boll"?). En todo caso, la cinta no resulta en ningún momento aburrida, aunque uno aún no entiende qué es lo que ha sucedido con esa impresioante presecución de helicópteros de más de diez minutos de duración que en su día Joel Silver anunció para este punto y final de la trilogía. O bien los medios de comunicación recogieron mal sus palabras o bien se la han guardado para una edición especial en DVD de la película (teoría que no se puede descartar teniendo en cuenta lo que ha hecho Peter Jackson con "El Señor De Los Anillos" y la escasez de contenidos extra de las ediciones actuales en DVD de "Matrix y "Matrix Reloadedd").
Nada se puede decir de los actores queno se haya comentado en las anteriores entregas de la saga, tan sólo el mayor portagonismo que cobra Seraph, siendo la interpretación física de Sing Ngai muy acertada para dotar de vida a este personaje (desde luego, no se echa de menos la presencia de Jet Li en el filme). Destacar, eso sí, la preciosa y emotiva escena en la que Trinity le expresa a Neo sus sentimientos y le pide que llegue hasta el final de la odisea en la que ha escogido adentranse. Tanto Keanu Reeves como especialmente Carie Anne Moss están muy convincentes en sus papeles.
Por suerte, "Matrix Revolutions" contiene pocos pasajes en los que la música instrumental se fusione con los sintetizadores de Juno Reactor ( uno de ellos, por cierto, tan sólo se escucha en los títulos de crédityo finales de la película). Don Davis lleva el peso de la partirua, sobre todo teniendo en cuenta que la elevada duración de las batallas y la escasez de los diálogos en estos momentos porvoca que su presencia sea más importante que en anteriores entregas, creando una imponente música descriptiva que, eso si, no se libra del uso pomposo de la orquesta, a la que en ocasiones no sabe moderar. No obstante, la incusión de los coros en el enfrentamiento entre Neo y Smith es particularmente brillante, al igual que sus aportaciones para las escenas más intimistas del filme.

KILOMETRO 31. Terror Mexicano Sobre Leyendas De Fantasmas.

Hay peores cosas que la muerte... Catalina y Ägata Hameran son hermanas gemelas, desde niñas han tenido una conexion asociada típicamente a su lazo carnal, una conexión casí telepática. Una noche, ägata se encuentra con un extraño niño en plena carretera, por el cual, sufre un terrible acidente que la deja en estado de coma, pero esta condición es algo más que un simple término médico.
ägata queda atrapada entre el mundo de los vivos y el de los muertos . Un extraño purgatorio que es transportado a la psique de su hermana Catalina. Tras una serie de aterrorizantes apariciones, sueños y alucinaciones, Catalina se da cuenta que el lazo entre ellas está más vivo que nunca, su hermana le pide ayuda.
Ella comprende que el cuerpo de ägata aún funciona, pero que su mente y su alma, ya no están ahí, ha entrado a otra realidad, a otro mundo...Catalina se ayuda de la amistad incondicional de Nuño y de un escéptico Omar, el noio de su hermana. Ellos tendrán que buscar la manera de ayudar a ägata a logar que regrese al mundo de los vivos. Buscar la entrada a ese mundo que tanto llama a Catalina, un purgatorio disfrazado de realidad, lleno de recovecos que engañan a los personajes hasta llevarlos a un lugar que representa todas las culpas de esas almas en pena que necesitan expiar con tiempo y sacrificio.
Pero este funesto universo de emociones, de rencores alimentados por el tiempo no les dejará ir tan facilmente. Su tiempo ha llegado, es la confrontación con una fatídica naturaleza donde nadie de ellos volverá a ser el mismo.......
Cuando nos hablan acerca de cine de terror mexicano, nos llega a la mente cintas como "Vacaciones de Terror" o "Sobrenatural". De las cuales, probablemente no es rescatable nada. Y es que con anteriores malos trabajos cinematográficos, no quedan ganas de ver terror hecho en casa.
Más de 320 efectos especiales se podrán encontrar en esta cinta, una historia de horror mucho más cercana a nosotros que aquellas que llegan de Estados Unidos y además, un buen homenaje a la leyenda de: La LLorona.
La dirección y el guión de la película, basada en un hecho real, es de Rogoberto Castañeda, quien señaló en conferencia de presna que la idea la tomó de la anécdota que escuchó en el radio de un camionero sobre los "fantasmas en las carreteras" y de algunas historias que le contaron diversas personas.
El filme se realizó durante 48 días en 20 localidades de la ciudad de México, en especial en el Desierto de los Leones y en un drenaje profundo. El largometraje KM 31 destaca por el maquillaje, la fotografía, el arte y los 327 efectos visuales que realizó la empresa Ollín Studio. Así que mi consejo es que vean esta película, no los defraudará.

G O T H I K A. Una Invitación Irrechazable Para Los amantes Del Cine De Terror.

Dark Castle Entertainment, una productora creada hace pocos años por Robert Zemeckis y Joel Silver, se ha dedicado en los últimos tiempos a presentarnos productos de serie B de una calidad más que discutible "House on Haunted Hill", "13 Fastasmas"y"Ghost Ship" son cintas que han conseguido unos ingresos bastante decentes en las carteleras de todo el mundo, especialmente si tenemos en cuenta su reducido presupuesto; no obstante, todas ellas presentan una malsana peculiaridad: su absoluta mediocridad (que conste que esto no quiere decir que sean auténticos bodrios). Quizás consciente de ello, los artífices de dicha compañia han querido dar un pequeño salto con "Gothika" resulta más interesante que sus predecesoras, sobre todo en su primera mitad, que es donde la película presenta una interesante perspectiva: la protagonista del filme, la psiquiatra Miranda Grey, y por determinadas circustancias que no voy a mencionar aquí, termina siendo una paciente más del mismo centro donde hasta ahora ella trabajaba, provocando con ello que uno se haga constantes preguntas acerca de lo que en verdad separa a una persona con una mente aparentemente sana de otra que en teoría está enferma. Por desgracia, el guión no ahonda demasiado en esta temática, apareciendo pronto los elementos fantasmagoricos del relato, un tanto trillados y previsibles, al igual que la investigación que sobreviene cuando se descubre lo que se oculta tras las extrañas apariciones que visitan a la doctora Grey (por si aún no lo sabían, en Hollywood uno puede enterarse con suma facilidad, y gracias a internet, de la realidad que se esconde tras un determinado hecho).
Mathieu Kassavitz ante todo es un tipo listo. Se dió a conocer con El Odio, una magistral película que ralataba como no ocurrria en Amelie, el lado oscuro de París, lo que le valió el reconocimiento internacional. Consiguió que una película aburridísima como Los Rios De Color Purpura fuese un éxito absoluto en Francia. ahora se ha reunido de un reparto encabezado por Halle Berry y Robert Downey Jr, para dirigir una inquietante y resultona pelicula que sin ser una maravilla le ha servido para afianzarse en Hollywood.
Gothika tiene unas cuantas cosas a su favor: Berry está fantástica en su papel de Miranda Grey, Kassovitz juega muy bien con la cámara y disfruta asustando al espectador, Penélope Cruz salo lo justo para no fastidiar la película y ante todo, tiene una historia que funiona bien manteniendo el suspense hasta el final.

Esi sí, Kassovitz como listo que es, sbe que una película de terror tiene que asutar. La dificultad radica en hacerlo de forma que el espectador no se lo espere y aquí el asunto se le escapa de las manos. Gothika peca de un uso excesivo de la música y de efectos sonoros para crear tensión. Tal vez sea ahí donde grandes películas como El Resplandor, Los Otros O La Semilla Del Diablo no caígan. Sus directores usaban su talento para asustar y tal vez eso, sea lo que hace que unas pelñiculas sean recordadas con el paso de los años y otras, como es el caso de Gothika, no son más que un mero pasatiempo para adolescentes palomiteros.
Otro problema que tiene el cine de terro es que las historias no nos cuentan nada que no hayamos visto ya. Pese a darle una vuelta de tuerca inicial, Gothika no es más que una versión llevada a un psiquiátrico de al final de la escalera, película a la que ya deben mucho otras como El último escalón o Dark Water.
Octava película del actor Mathieu Kassovtiz (el inolvidable Nino de "Amelie") que pretende ser la enésima vuelta de tuerca a un género que cada vez parece más cecano a la comedia que al terror.
En esta ocasión Kassoviz confia en la sobrevalorada Halle Berry, ganadora de un Oscar de la Academia por su ¿interpretacion? en "Monster´s Ball"; si bien todo parece indicar que la solidez del reparto y la credibilidad de la historia quedará en manos de los actores secundarios, gente como Bernard Hill, como Jhon Carrol Lynch o la desaparecida para el cine Penélope Cruz, que en mala hora decidió lanzarse a Hollywood. aunque quizás, la presencia más excitante sea la del gran Robert Downey Jr; un grandísimo actor que se ha echado a perder por su excesiva adicción a determinados vicios. Siempre espero mucho de él en una película.
Es de espear una película oscura, con direccion arriesgada, grandes sustos, mucho terror psicológico y cuidadad fotografía; lo que me tensa es que qui´zas la historia, como suele suceder en estos casos, no logre mantener el interés durante todo el metraje: Desde luego "Gothika" supone una invitacion irrechazable para aquellos amantes del cine de terror. La disfrutarán seguro.

NO ES PAIS PARA VIEJOS. La Nueva Película De Los Hermanos Coen.

La historia, basada en una de las más recientes novelas de McCarthy (publicada en el año 2005), se sitúa en el estado de Texas durante los años 80, y centra su atención en tres personajes con el tema principal de la degradación moral de la sociedad y las variadas actitudes ante la misma significada en el comportamiento y reflexiones de sus caracteres.
El film se abre con voz en off de un Tommy Lee Jones memorativo que también cierra de manera lírica y abrupta la película con una narración onírica.
El personaje de Jones (cada vez mejor actor) es el del viejo Sheriff Bell, quien evoca tiempos pasados mejores y que parece cansado en el presente de enfrentarse a una criminalidad cada vez más violenta y cruel. Es un desamparo perfectamente acentuado en su inicio por los escenarios abiertos y desolados del desierto.
A punto del retiro y auqnue se oinvolucra en la investigación, Bell parece querer evitar esta crueldad personificada en Chigurh/Javier Bardem, un ser que simboliza en la película la maldad y la muerte. La violencia. Frío, juega con la vida de quien se cruza ensu camino de manera arbitraria y sin piedad.
La peculiaridad en el retrato de Chigurh, con singularidad en su estética, en su arma y el empleo de puntual humor negro, junto a la morbosa atración que ejerce en gran parte del personaje lo perverso, convierten a este personaje en el pivote dela película. Cuando Javier Bardem aparece en escena alguien o algo parece que va a resultar destruido.
Si Chigurh es el generador de la violencia, el criminal, y el sheriff Bell es la ley, el persecutor de tal violencia que prefiere divagar sobre tiempos pasados y futuros apocalípticos antes que encararse a la misma y evitar la impunidad, Llewelyn Moss (interpretado por un Josh Brolin más cercano en su imagen a un Nick Nolte moreno que a su propio padre James) es el ciudadano corriente qiue se ve involucrado en esta caza de policía-delincunte de manera accidental.
su motivo es el interes monetario. Chigurh es el productor de la violencia, Bell el encargado de detener tal violencia, y llewelyn se convierte en testigo principal de esa violencia, con perros acribillados y un mexicano moribundo que le requiera agua.
Implicado en tal rpoducción-ciclo violento y motorizado por la mejora económica, Moss se convierte en el enganche emocional con el espectador a través de un vibrante juego de gato y ratón con Chigurh. Es un aspecto de presecución mortal que genera dosis disfrutables de suspense a través de moteles de mala muerte y calles desiertas nocturnas.
La ausencia casi total de música permite subrayar el desabrigo del perseguido en oscuros interiores, siempre pendiente del mínimo ruido, de un click de gatillo, de las pisdas de unas botas lucidas con planos a ras de suelo.
Este desasosiego es sintomático para la descrición de un mundo inseguro e impune en donde mandan y se conectan la violencia y el dinero.
Chigurh y Llewelyn luchan sin descanso por hacerse con el botín de las drogas, se cambian camisas por grandes cantidades de dinero, una moneda al azar es la que puede determinar el destino del inocente....
La fidelidad de Ethan y Joel Coen a su raíz literaria es máxima. lo que satisfará a los seguidores de McCarthy. El film, es su superficie, no es más que un western crepuscular, fronterizo, melancólico, con trazos de elegía por una época perdida y con un tragicómico asesino en serie de historia pulp al que se le reviste de contenido intelectual.
Tal revestimiento resulta da fácil cohesión en el libro, ya que la propia lectura impica un esfuerzo intelectual y una privativa representación sobre los hechos leídos, además de una profundización mayor de ideas de la que escasea la exhibición visual con la perspectiva de un tercero, con personajes de catadura situacional, de aposturas chulecas-.chuscas y con diversas frases de filosofia de bar.
Esa carga de profundidad que se intenta trasmitir, y que culmina la película de manera brusca, puede desvincular al espectador desconocedor de la obra de Cormac McCarthy y que simplemente quiera verse inmerso en su naturaleza de thirller con psicópata y ausentarse de implicaciones simbólicas, desapariciones destempladas de personajes importantes, apariciones menores de secundarios y vaguedades de tono resignado, algo que, como narración independiente al margen de su ascendencia literaria, no puede verse como positivo a pesar de sus virtudes propicias a la fabulación facilona.

e X i s t e n Z. Una Obra Realmente Original De David Cronenberg.

Allegra Geller (Jennifer Jason Leigh) crea un juego bautizado eXistenZ, mediante el cual los jugadores se conectan por medio de un cordón umbilical vinculado a su espina dorsal para aventurarse en un viaje de realidad virtual generado por sus emociones.
Ante todo, hay que reseñar que esta película es todol lo que uno se puede esperar de Cronenberg, una atmósfera fascinante, hipnótica, que incita a la reflexión obsesiva, pero por encima de todo, sucia y feísta. No en vano es el autor de "La Mosca" y la posterior y estupenda "Spider".
La principal virtud de eXistenZ es que sabe cuales son sus limitaciones y no es por ello excesivamente ambiciosa ni pretenciosa. Cronenberg ha estado a gusto filmado la película, aún a sabiendas de que estaba realizando una obra que traería muchos detractores. De hecho, en los principales ránkings de películas de ciencia-ficción no aparece ni entre las cincuenta mejores.
La estética de eXistenZ sólo es visible en eXistenZ. Su universo se compone de máquinas orgánicas conectables al cuerpo que permiten jugar a un juego aparentemente tan conexo con la realidad que es dificilmente distinguible.
En pleno ritual de inauguración de este juego, un joven terrorista antivirtual intenta matar a Allegra Geller, la principal valedora de videojuegos virtuales. Por ello, escapa junto al aparentemente inepto vigilante de seguridad Ted Pikul (Jude Law), iniciandose entre ellos una relación de mutua ayuda sospechosa.
En medio de una paranoia compleja que pretende mostrarnos un mundo en el que nuestra espalda actúa de puerto USB con una asquerosa vaina, el desarrollo es cuanto menos sorprendente, si bien no tendría mucho éxito llevado a novela.
Las interpretaciones de Jennifer Jason Leigh y Jude Law son censillamente sensacionales, sus actitudes son verosímiles a pesar de la lejanía del universo propuesto por Cronenberg. Y el resto del reparto es abrumador: Ian Holm, Willem Dafoe.
Hay muchas escenas que destacar, aquellas que hacen que eXistenZ sea dificil de olvidar. La más memorable es aquella en la que Allegra Geller mueve kla cabeza igual que si fuera un personaje virtual creado para el juego, nos da que pensar y anticipa la apabullante sorpresa final, que no desvelaré aquí.
Por mucho que Cronenberg afierm que este proyecto se debe a ideas del escritor hindú Salman Rushdie, su influencia principal son las obras de Philip K. Dick "Ubik" y "Ojo en el cielo" (sobretodo este último, por eso de que se cree un mundo virtual con aportaciones de todos y cada uno de ellos). Tanto es así, que los que hemos leído a este escritor, sinceramente no entendemos que no salga en los créditos, al menos un cartel como "Sugerido por las ideas de Philip K. Dick", ya que eXistenZ está descaradamente basado en el concepto de realidad del novelista.

En definitiva, habrá quienes se obsesione conesta película, pero ello no la hace obra maestra, ni que se pueda espear mucho de esta película, pero si uno es afin a la estética y desarrollo presentados, no defraudará ni muchos menos, llevándose al espectador la grata sensacion de que la aportacion de esta película es notable en todos los ámbitos que abarca.

EL BAILE DE LOS VAMPIROS. Una Comedia Divertida Sobre Vampiros De Un Joven Polanski.

Una pareja un poco atolondrada compuesta por un sabio profesor universitario (Jack McGowran) y su pupilo (Roman Polanki) se hallan en la fría región rumana de Transilvania para estudiar el fenómeno vampírico.
En mitad de su camino se alojan en un hospedaje apartado, en el cual convive una curiosa familia entre ellos una hiperaseada Sharon Tate.
La muchacha será raptada por un elegante vampiro lo que supondrá el intento de rescate por parte del dinámico dúo.
Producción británica del director Roman Polanski (nacido en París) que proyecta mediante una mezcolanza entre la comedia y el terror establecer un homenaje en tono paródico a los films producidos en uno de los estudios más insignes dedicados al género del horror que ha dado el cine mundial en general y el inglés en partiular: La Hammer.
Un año antes de comenzar su definitiva obra maestra del terro "La Semilla Del Diablo", Polanski facturó esta espléndida película, homenaje en tono cómico de las películas de terro, y del de vampiros en particular en los impresionantes parajes de los Dolomitas italianos, si bien la mayor parte del metraje está rodada en estúdios ingleses.
Con la colaboración en las lides de guionistas de Gerad Brach, alguien que ya había colaborado dos años antes con Polanski en el guión de ·Repulsión" y que lo volvería hacer años mas tarde en "Frenético", la fotografia de "aventuras" del impresionante Douglas Slocombe (la saga de "Indiana Jones","nunca digas nuna jamas"o "el gran Gatsby" entre otras) y una turbadora y fantasmagótica banda sonora a base de cantos eunucos y ritmos gregorianos de Christopher Komeda, el mismo que el año siguiente compondría la magnífica e inquietante banda sonora de "La Semilla Del Diablo".......
Polanski crea esta hermosa y turbadora historia de la MGM, donde incluso el mítico león del famaso slogan Ars Gratia Artis (de la MGM) es objeto de parodia en clave de terror cómico, al transformase al inicio en un dibujo de un vampiro de rostro verdoso y afilados colmillos que chorretean sangre por todos lados, títulos de crédito incluídos.

Parodia por tanto sobre los vampiros con desternillante baile final, donde las ristras de ajos por doquier, las estacas directas al corazón, los crucifijos, los ataúdes y los espejos se entremezclan como aderezo de esta bárbara cinta de aventuras que Polanski supo dar sentido.......
Visualmente loable gracias en gran medida a la cámara de Slocombe...narrativamente entretenida y llena de algunos buenos gags visuales y cómicos, Polanski supo además colar un casting bastante atractivo, donde el morbo lo puso su novia y mujer al año siguiente, la actriz Sharon Tate, tristemente famosa dos años despues por su asesinato a manos de la banda ("La Familia") satanista del estafador Charles Manson, uno de los criminales más famosos y apreciados¡¡¡ por la cultura yanki.....
En el corazón de Transilvania, Polanski desencadenó la locura, y nosotros los espectadores no podemos más que gozar con ella y de ella.

KILL BILL. VOLUMEN 2. La Venganza De La Novia.

Segunda parte de este tributo de Quentin Tarantino al cine de artes marciales y al spaghetti western con el tema clásico de la venganza dominando el desarrollo de la trama. En esta secuela y en su esencia y tempo, más enfocado al western que a las artes marciales.
De nuevo el resultado es una película empapada de estilo, colorido y múltiples referencias visuales pretéritas que no es de lo mejor que ha rodado el autor neoyoruino en cuanto a la profundidaad otrogada al asunto pero sí, sumando el conjunto de ambos títulos, de lo más escapista y enfático a nivel visual que jamás ha realizado, engulliendo la historia y sus personajes en un título delirante de aventuras con trazas de cómic y aliento épico de usar y tirar culminado por un anticlimax.
Tarantino concede a David Carradine un personaje prominente depués de décadas en películas de serie Z, intenta otorgar mayor calado emocional y desarrollo a sus personajes, ofertando menos acción que en la primera entrega y más perorata que no termina por detonar su usual brillantez en este apartado, una brillantez que tan excepcionales frutos le había dado en títulos como "Pulp Fiction" o "Reservoir Dogs".
Además se encuentra dubitativo en el tono a emplear y vuelve a utilizar como espejo a nivel narrativo a autores tan diversos como Akira Kurosawa, Howard Hawks, John Ford, Hideo Gosha o Sergio Leone.
El resultado final es un válido producto constituyente de la cultura pop que tanto adora y homenajea a lo largo de toda su carrera con una pasión y un talento que esperemos aproveche en futuras entregas para urdir mejores trmas, caracteres y diálogos, sin excesos ni autoindulgencia.
Una vex vista la cuarta película de Tarantino, no apta para todos los espectadores, uno no puede evitar ir a ver esta segunda entrega de las violentas andanzas de La Novia en busca de venganza.
Si bien como he apuntado anteriormente la primera entrega ha decepcionado a parte de los seguidore de Tarantino (No es mi caso) también ha atraído a espectadores desconocedores del universo tarantiniano.
Pero esta segunda parte (no se trata de una secuela, sino de una película larga dividida en dos mitades) se aleja bastante de la acción ofrecida en el volumen 1 (impresionante escena contra los 88 maníacos) para centrase mucho más en los personajes, pues vista Kill Bill Vol.1, una película de acción donde lo importante es la impresionante belleza visual y las múltiples referencias a la cultura pop y japonesa, era impensable que Tarantino pudiera darle la vuelta a este Volumen 2 para implicarnos emocionalmente (he de decir que casi se me saltaron las lágrimas cuando La Novia encuentra a su hija).
Ahora lo importante es la historia y la profundización en cada personaje, aunque me esperaba más presencia de Elle Driver (Daryl Hannah). Y Tarantino lo consigue. Sigue siendo distinta a sus dos obras maestras anteriores, Reservoir Dogs y Pulp Fiction, pero no por ello es peor que estas. No tiene esos brillantes diálogos que definieron su estilo en sus anteriores dos películas, pero cambia ello por escenas más emocionales y de mayor belleza visual.
En este film sientes la verdadera angustia de ser enterrado vivo, una extraño sentimiento al leer lo que hay escrito en la espada de Budd, ira hacia el personaje de Daryl Hannah, incluso llegas a apiadarte de Bill y, repito, el encuentro de La Novia con B.B.
Más larga que su predecesora, pero más intensa y brillante. Para acabar sólo me resta decir que, aunque haya decepcionado a algunas personas, la muerte de Bill no podría haberse hecho de una manera mejor (aunque fuera predecible). Tambien tengo que destacar esos dos últimos minutos que no describiré, véanla. ¡¡Bravo, Q & U¡¡.
Muchos dicen que las diferencias entre el vol. 1 y el vol.2 de esta película son tan grandes, que parece mentira que hayan sido concebidas como un sólo film. En realidad, Kill BIll funciona muy bien como diptico, pero hubiera funcionado aun mejor como una sola película (aunque hubiera durado 247 minutos), pues así, se habría ahorrado las comparaciones entre ambos volúmenes, y muy pocos habrían arremetido contra el vol.1 (que a mi me parece un film notable).
Pero centándose en este segundo volumen, he de decir que es impresionante, no sólo porque en 137 minutos es capaz de ofrecer una variedad de escenarios y situaciones inmensa, sino también por el montaje, la música, la fotografía y el apartado técnico en general. Todo él es magnífico.

LAS COSAS DEL QUERER. Refleja La España Triste y Gris De La Posguerra.

En ella actúan Angela Molina, Angel Andrés López, María Barranco, Juan Gea, Manuel Bandera, Amparo Baró, Mary Carmen Ramírez, Diana Peñalver, Rafael Alonso, Eva León, Manuel Gallardo, María Rus y Luis Barbero.
En la trama, "Pepita" se rufugia en el sótano de un edificio durante los ultimos bombardeos que sufre Madrid en el cruenta Guerra Civil. Allí conoce a "Juan", un joven del que se enamora perdidamente desde el primer momento.
"Pepita", joven, bella y cantante, es explotada por su madre, quien busca en los hombres ricos, poderosos e influyentes una oportunidad para que su hija tenga acceso a una mejor forma de vida, sin importarle que ésta se prostituya.
El guión es de Jaime Chávarri, la música de Gregorio Garcia Segura y la fotografía de Hans Burman. "Las Cosas Del Querer" tiene una clasificación para todo el público y dura 101 minutos.
Este filme, realizado por Jaime Chávarri e inspirado en la vida de Miguel de Molina, se rodó en exteriores de Madrid, alcalá de Henares, Aranjuez, Ubeda, almeria y en plató. Fue nominada a siete premios Goya en España.
La accion principal tiene lugar en Madrid entre el 1939 y 1945. Narra la historia de Mario Ruiz (Manuel Bandera), cantante y bailarín homosexual, que triunfa en los escenarios de un país arruinado por la guerra, sometido al racionamiento de alimentos, testigo atónito del estraperlo, dominado por conductas autoritarias e intransigentes.
Sensible al capricho de los personajes influyentes y victima de la efervescencia de prejuicios homófobos. Al salir de prisión, Mario conoce a Juan (Angel de andrés López) y Pepita (Angela Molina) y deciden formar un grupo en el que Mario y Pepita se encargan de cantar y bailar y Juan de acompañarlos al piano.
La película ante todo es un musical que recoge una bonita selección de las canciones de moda en la España de Posguerra. Hay canciones melódicas ("Las Cosas Del Querer"), castizas ("Ay Carbé y Hurí"), cómicas ("Chewing gum"), sarcásticas ("La bien Paga"), costumbristas ("El Olé"), provocativas ("El tracatrá"), trágicas ("Compuesta y sin novio"), solemnes ("Te lo juro yo") y populares ("El cochecito leré"), "Mi casita de papel"). Traza un esbozo cariñoso y entrañable de unos años en los que la pobreza se alibia con la prostitución y ésta con las ambiciones de prosperar en la escena, el cine y la canción. El apoyo de personas influyentes era decisivo para encontrar trabajo, conseguir plaza de funcionario,obtener contratos. De igual modo, el resentimiento de una persona influyente podía ser causa de desgracia, prisión o exilio. Los influyentes gozaban de privilegios tan incívicos como el que permite a la Sra, Marquesa saltar la cola de los que esperan ser recibidos por don Benito Campoverde (Rafael Alonso). Las conductas homófobas se ven reforzadas y apoyadas desde el poder, que invita a reprimilas y castigarlas con impunidad. Miguel de Molina se vio obligado a huir a Argentina, donde vivió 50 años hasta su muerte en 1993.

HARD CANDY. Una Caperucita Roja Muy Vengativa.

Con una brutal interpretación, Ellen Page se ha situado con esta gran ópera prima del director nóvel David Slade en una de las actircez jóvenes más prometedoras que se hayan podido ver mucho tiempo y en una más que digna competidora hacía las también enormes Scarlett Johansson y Natalie Portman, a las cuales Ellen no tiene absolutamente nada que envidiar en lo que a talento interpretativo se refiere.
Secundada por un gran actor, visto recientemente en el "Fantasma de la öpera", Patrick Wilson, también enorme en el papel fisica y emocionalemnte dificl, Hard Candy se convierte en un "Tour de Force" interpretativo como pocos se han visto últimamente. Pero no son sólo las interpretaciones de estos dos interesantes actores las que consiguen hacernos temblar sino además un guión muy, pero que muy cuidado (pulido multiplicidad de veces) junto con unos diálogos mordaces y tensos, la sobriedad de una único escenario como desarrollo del film y la fantástica química existente por los dos únicos actores protagonistas de toda la película. Todo ello dan lugar a una obra maestra "extraña" pero, al fin y al cabo obra maestra que no deja indiferente a nadie y que debería ser vista por cualquier persona que se precie de ser cinéfilo. Por último queda claro que Hard Candy ya se ha ergido como un film no apto para el gusto unánime del público y que será tan vapuleada por unos como amada por otros; Pero es precisamente esa gran variedad de opiniones lo que la convierte en un interesantísimo largometraje (desencadenante de numerososo debates) que pasará a englosar la lista de las llamadas "películas de culto".
Dejando a un lado todo lo dicho Ellen Page ya constituye una única razón por sí misma para visionar esta polémica película que desagradará a más de uno (y con razones). Finalmente, con unas situaciones increíblemente tensas y terroríficas, Hard Candy consigue lo que se propone sin enseñar ni una sola gota de sangre y dejando todo el protagonismo a la mente humana, a la imaginación de cada uno de nosotros que nos jugará más de una mala pasada.
La escena de la castración y la desesperada prolongacion de ésta por parte del personaje de Jeff supone el climax de tensión de este film que jamás decae y que se pierde entre la multitud de género cinematográfico haciendosnos muy dificil su catalogo dentro de un determinado "cajon".
El tema escabroso elegido en esta ocasión es la de las citas a través de Internet y sus variantes pedófilas, todo ello muy al día, ciertamente; así que llegados a este punto uno que siempre es desconfiado, puede empezar a temerse lo peor.
Por suerte y pese a sus defectos la película no se convierte en un despropóstito nada más comenzar debido en gran medida a las intensas interpretaciones de sus (tan sólo) dos actores. La situación limita desde su planteamiento del duelo entre los personajes y reducida prácticamente a un único espacio, se apoya en un guión bien construido y de diálogo ágil, pero con demasiada tendencia a los giros sorpresivos que ofrecen una nueva perspectiva sobre la situación y a la derivación hacia lugares comunes del thriller que diluyen poco a poco su interés. Estos ingredientes se acompañan por una tensa puesta en escena en casi perpetuo plano medio, en la que David Slade alterna momentos de gran control sobre el campo visual (el arranque en el que sólo vemos la pantalla de ordenador y las manos que teclean; los interesantes juegos con lo colores de fondo tras los personajes), con el dejar hacer a sus actores y la inserción entre éstos de momentos de cierto impacto.
Efectivos en ocasiones: la sensacion de aceleración y confusión de Jeff ante los provocaciones de Hayley....y no tanto en otras: las transiciones con efectos de imagen acelerada en el coche que tratan de adornar un tiempo muerto. Dedudoras unas y otras (es decir para bien y para mal) de su formación en el video musical.
En definitiva, una gran pelíucula con suspense, terror y realismo que te hace pensar muy mucho sobre las nuevas tecnicas de "Ligue" por internet y sus posibles consecuencias.

UNDERWORLD. Visualmente Espectacular.

Durante soglos una guerra entre hombres lobo y vampiros se lleva a cabo sin que los humanos se den cuenta. Selene, una guerrera vampiro encargada de encontrar y asesinar a sus enemigos, descubre que los locántropos persiguen a Michel, un joven médico que aparentemente es una persona normal.
Kraven, líder de los vampiros, no cree lo que le cuenta Selene y ésta decide solicitar ayuda a Viktor, uno de los vampiros ancianos.
Mucho se ha hablado en los últimos tiempos de Underworld. Una historia a medio camino entre Matrix y Romeo y Julieta, donde los Montesco y Los Capuleto son sustituidos por vampiros y hombres lobo. Cierto es que la éstetica de Matrix está presente en toda la película: en la fotografia, el vestuario, los efectos especiales; Asimismo, puede que un ligero toque de Romeo y Julieta pueda apreciarse tambien. Sin embargo y ante todo, Underwordl es un película de mafias y crimen organizado hecha por y para freaks.
Con un guión que bebe por todos los lados de los libros de rol Vampiro: La Mascarada, cuyos editores han demandado a la película, Len Wiseman dirige una pelúcla fascinate de principio a fin, con una ambientación maravillosa, una historia que engancha, unos personajes ambiguos a cada cual más interesante y unos efectos especiales, que sin ser espectaculares, ayudan de sobra a mantener el buen nivel del film.
Kate Beckinsale, en un papel muy alejado de las comedias románticas de la que es habitual, está simplemente perfecta, una pena su doblaje, que no está a la altura de su interpretacion. La química entre ella y Scott Speedman, al que ya vimos en Felicity funciona, y eso beneficia enormemente al conjunto de la película.
Otro gran acierto de Underworld, es haber sido rodada en Praga y Bucarest, ciudades encantadas cuyas calles con el escenario perfecto para este tipo de películas. De hecho, Stephen Sommers ha rodado su proxima película Van Helsing en las calles de Praga. Como en todas las película, Underworld tendrá sus detractores. pero lo que es innegable es que Len Wiseman, recién llegado del mundo de los video clips y novio de Beckinsale, ha sabido dotar de personalidad a la película, impregnandola de un estilo propio, algo poco habitual en estos días y que únicamente algunos directores como Tim Burtom son capaces de hacer.
En definitiva, una película muy recomendable para freaks, gente que le guste el cine fantástico y amantes del cine vampirico.
Primera película de Len Wiseman, cuyo currículum de autor de videoclips musicales se aprecia a lo largo del film, sin entender que el lenguaje del videoclip poco o nada tiene que ver con el lenguaje cinematográfico ya que el acomodo narrativo al tirmo, tiempo y objetivos de cada lenguaje resultan en origen totalmente diferentes. Traspasado al cine, que tiene que ir más allá de la simple dictadura visual, lo normal es una recarga inaguantable del estilo por encima de la sustancia, cuyo único mérito es la consecución de una ambientación adecuada, en este caso la búsqueda de una atmósfera gótica y nocturnal.
El film solamente tiene algún momento inspirado (de igual planteamiento a previas películas de similar concepto estético, como "Blade" "Matrix" o "El Cuervo") en las escenas de acción, desaprovechando las demás situaciones por su incapacidad para dominar el tempo más allá de los momentos de lucha y el plantemaiento y factura de la mayoría de las escenas.
Por otra parte, la explotacion del encuentro entre los dos personajes del fantástico resulta pueril (burlando la singularidad mítica de los vampiros y hombres lobo para acomodarlos en sus personalidades, ropajes y ambientación a la conyuntura filmica actual). Underworld es visualemnte espectacular, con una cinematografía lúgrube y estilizada que complementa perfectamente la gótica trama, los competentes técnicos de la cinta emplean unos sobreslientes efectos viosuales, una mezcla de trucos digitales con prótesis de latex, haciendolos impactantes; el director y los guionistas respalnda la acción con un elaborado marco mitológico, encontrando un balance apropiado, el resultado es que las frenéticas escenas de acción con los que inicia y concluye la cinta contrastada de maravilla con la intriga y la conspiración de los personajes, y también con el romance de la pareja protagonista.

30 DÍAS DE OSCURIDAD. La Mejor Película De Vampiros Desde Entrevista Con El Vampiro.

A una pequeña ciudad en el norte de alaska, donde no se ve la luz del sol en invierno durante treinta días, un grupo de chupasangres ha decidido instalarse y alimentarse de la población.
Tras una primera noche en la que acaban con prácticamentre la totalidad del pueblo, el sheriff local y un grupo de personas tedrán que hacer todo lo posible por sobrevivir hasta que vuelva a salir el sol.
Hace un par de años David slade nos aterró con Hard Candy, ese ejercicio dislexico de Caperucita Roja que debería ser de obligada visión para la gente que se escuda en el anonimato de Internet para dar riendas sueltas a sus fantasias....por muy censurables que estan sean.
El talento de Slade (que le hizo triunfar en el festival de Sitges) no pasó desapercibido y poco tiempo después se embarcó en el proyecto de llevar al cine 30 días de noche, la maravillosa novela gráfica escrita por Steven Niles e ilustrada por Ben Templesmith.
30 Días De Oscuridad (seguimos sin entender el cambio de título) es un homenaje al mito vampírico. Ya desde el primer momento Stoker esta muy presente en la cinta con ese carguero encayado (al igual que ocurría en el Demeter) o el extraño visitante recién llegado del pueblo de Barrow, cuyo nombre podría ser perfectamente Rendfield.
Como ya ocurría en el cómic, y cuya participación en el guión de Niles se nota por su fidelidad a éste, olvidaros de vampiros romanticos o chupasangres salidos de novelas de Anne Rice. Aquí es su tremenda sed de sangre la que los arrastra al último reducto de alaska como han ido haciendo decadas pero sin demostrar al mundo que existen fuera de sus pesadillas.
El pueblo de Barrows, con su blanco manto de nieve envuelto por su oscuridad perpetua, es el marco perfecto para este título que revitaliza el debilitado género vampírico con la mejor película de chupasangres desde Entrevista con el Vampiro.
En definitiva, si quereis ver un gran título de terror, con unos actores en estado de gracia (inmneso Danny Huston como Marlow), con grandiosas escenas de acción y sangre, muchísima sangre...30 Días de Oscuridad es vuestra elección.
Así que salvo algún detalle sobre su manera de hablar o su afición por el negro, los vampiros que tenemos en este film de David Slade (un tio que sabe que hacer con una cámara, anticipo) se inserta directamente en esta categoría. El caso que nos ocupa transcurre en el pueblo de Barrow (Alaska), en el cual una época del año se caracteriza por el hecho de que el sol no sale durante un mes entero. Precedidos de la llegada de un hombre llamado El Extraño (Ben Foster, de nuevo haciendo de tio cabraloca), una horda de estos bicharracos hace acto de presencia en la ciudad con el objetivo de ponerse hasta arriba, sabiendo que serían prácticamente invulnerables durante el tiempo al que hace referencia el título.
Parece un plan diseñado por Walter el del Gran Lebowski, pero desde luego cae por su propio peso y su ejecución es simple, pero eficiente: hacer a todo el mundo picadillo. Es decir: son malos sin ambiguedades, así que para equilibrar la balanza tiene que haber un héroe, un protagonista que se enfrente a la adversidad aún en la hor más oscura. Total un Lider, Un apoyo, Un Valiente. Y es Josh Hartnett.
No es el personaje más memorable de la película: por delante de él están Danny Huston, lider vampiro, que simplemente se limita a clavarlo, decir frases molonas como "Lo que puede romperse, debe romperse", cobra y marcharse del set), o el entrañable Mark Boone Junior.
El filkm tiene una puesta en ecena algo naturalista, dentro de un entorno aislado de toda civilización. Hay espléndidos tétricos planos generales de Barrow, que casi emerge como un personaje más del film. El diseño de produccción me parece especialmente ciudado. En ese sentido me pareció excelente y tal, pero los vampiros son el premio gordo porque acojonan un huevo.
Mucho más animales que humanos, slade se toma su tiempo en mostrartelos, y se deleita cuando se presentan de cuerpo entero. El maquillaje es excelente y el director no es especialmente dado a dar mucha información sobre ellos, incrementando así la tensión.
Sucede que treinta días son muchos días y si bien en el cómic las páginas se pasan muy rápido, en película tienes que meter escenas que reducen la tensión y alargan la película. Consciente de todo esto, supongo, la pelicula mete un acelerón final que lo flipas. Además no es una adaptación fidedigna del cómic en algunos aspectos importantes, pero es pecata minuta. Carece de profundidad a la hora de desarollar a sus villanos, y quizás algunos secundarios y líneas argumentales están de más, impidiendo que la película sea más compacta. Y no apunta mucho más alto que ser un exponente de ese cine de terror/acción sólido, competente, y con una puesta en escena por momentos muy inspirada.