STANLEY KUBRICK. Genio y Figura.

Nació en un barrio del Bronx de Nueva York, en el seno de una familia de clase media-alta. Desde muy joven mostró su interés por la fotografía, que practicaba con una cámara Gaflex, regalo de sus padres. Otras aficciones eran la música en general, el jazz en particular (llegó a tocar la batería en la Taft Swing Band) y el ajedrez.
Estos tres pasatiempos serían fundamentales para su futura carrera como director. Su afición a la fotografía le permitió, en primer lugar, trabajar para la revista Look, donde hizo reportajes fotográficos a importantes profesionales. Su melomanía le permitió a lo largo de toda su carrera poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda sonora de sus películas, llegando en ocasiones a prescindir de compositor y escogiendo personalmente piezas de música clásica para sus películas (como en el caso de 2001: Oidesea del espacio, descartando en el último momento la banda sonora original de Alex North). Y su aficción al ajedrez quizás pulió el perfeccionismo y la futura frialdad profesional del director. El ajedrez, gracias al cual subsistió durante un inestable periódo de su vida, sería homenajeado enalgunas de sus películas como Atraco Perfecto o 2001 Una Odisea del Espacio. Durante su juventud Kubrick iba frecuentemente al cine Loew´s Paradise y al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Poco a poco nació en él la idea de abandonar su trabajo en Look y dedicarse a la relización de películas. Cuando Kubrick aún concedía entrevistas, se refería a Max Ophüls y Serguéi Eisenstein como sus dos referencias cinematográficas más influyentes, el primero por su trabajo con la cámara, y el seguno por su técnica de montaje.
Day of the Fight sería el primero, en 1951 (sobre un trabajo fotográfico hecho por él mismo para Look acerca de una pelea de boxeo). Le seguiría Flying Padre (a través del cual sacó el título de piloto, aquneu años más tarde se negara a volar alegando pánico a los aviones), que documenta la vida de un sacerdote que viaja en avioneta de pueblo en pueblo. El último de sus cortometrajes sería The Seafarers, su primer trabajo en color.
Tras esto se metería de lleno en la industria del cine. Siu primer largometraje es Fear And Desire (1953)(del que quedan escasas copias debido al empeño de Kibrick de destruir todo rastro de lo que él consideraba un "eror de juventud", acerca de un pelotón de soldados que lucha en una tierra sin nombre. Tras la relización de la película se separa de su primera esposa, Toba Metz.
Aunque la película tuvo escaso éxito, le permitió financiar su siguiente trabajo, El beso del asesino (Killer´s Kiss) (1955), una película de suspense sobre un boxeador que onoce a la chica de un mafioso y se enamora de ella.
En la película aparece, en el papel de la bailarina, la que sería su segunda esposa, Ruth Sobotka. La película contó con pocos medios, pero el trabajo de Kubrick con la fotografía en blanco y negro llamó la atención de James B.Harris, un productor de la NBC.
Kubkic y Harris se asociaron en una productora y de su unión surgió Atraco Perfecto (The Killing)(1956), su primera obra maestra. Partiendo de una novela de Lionel White, y sobre un guión de Jim Thompson, Kubric relató la historia del atraco a un hipódromo. La utilización del tiempo cinematográfico hecha por Kubrick (que sería imitada por el cineasta Quentin Tarantino en Reservoir Dogs) supuso una innovación para la época. En la película aparece mucho del pensamiento Kubrickiano: la lucha de un antihéroe en su enfrentamiento con el mundo, y su derrota final.
Atraco perfecto atrajo las mirads de algunos personajes de Hollywood. Entre ellos se encontraba Kirk Douglas, que firmó con Harris-Kubrick un contrato para cinco películas. La primera de ellas sería Senderos de Gloria (1957), que interpretaría al propio Douglas haciendo el papel de coronel Dax, encargado de defender a sus soldados, acusados de cobardía ante el enemigo, en el marco de la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial.
También sería la primera polémica de Kubrick,aunque no la última. El mensaje antibelicista de la cinta hizo que en Francia, a cuyo ejército pertenecian los protagonistas, estuviera prohibido durante décadas. En Senderos de Gloria, Kubrick muestra su vena mas humanista y sentimental. Sus siguientes películas se volverían más frías, aunque no menos humanistas. En el rodaje de la película conocería a Suzanne Christianne, que se convertiría en su tercera y última mujer. Tras Senderos de Gloria, Kubrick estuvo trabajando junto a Marlon Brando en El rostro impenetrable (1961), auqnue tras varios meses sería despedido por desavenencias con el actor.
En esta situación lo encontró de nuevo Douglas, que buscaba un director para sustituir a Anthony Mann al frente de Espartaco (1960). Kubrick aceptó, sabiendo que una película da tan alto presupuesto podía suponer un empujón a su carrera como director. Aunque apenas tuvo oportunidad de intervenir en el guión (como había hecho antes y haría depués en todas sus películas), la película supuso al fin de las listas negras /debido al estratñegico interes de Douglas de reducir el sueldo del guionista Dalton Trumbo, a cambio de colocar su nombre real en los créditos). Los rumores dicen que Kubrick fue su propio director de fotografía, auqnue el que subió a recoger el Oscar por esta categoría fue Metty. La película ganó otros tres premios dela Academia, y fue un éxito comercial. La carrera de Kubrick estaba definitivamente lanzada.
Kubrick y Harris lograron rescindir el contrato que les unía con Douglas por otras tres películas. Las aspiraciones artísticas y comerciales de Kubrick le llevaron a hacer Lolita (1962):fue su siguiente trabajo. Tras arduas negociaciones, convenció a Vladimir Nabokov no sólo para que aceptase vender los derechos de su novela, sino para que fuese él mismo quien adaptase el guión. La película fue un escándalo y dirigentes conservadores exhortarona no ver la película, lo que únicamente provocó que la cinta fuese un éxito. Narra la historia de Humbert Humbert, un soltero demediana edad interpretado por James Mason que se enamora de Lolita, una púber de catorce años (interpretada por Sue Lyon de dieciseis), y que para conseguirla está dispuesto a casarse con la madre de la menor. La película es otra obra maestra, que demuestra el pulso narrativo de Kubrick.
Tras el éxito de Lolita, Kubric supo definitivamente que el prestigio que había logrado con Espartaco le permitía afrontar proyectos más arriesgados. Se separó de su socio y amigo Harris para producir su nueva película en solitario. Así que, en medio de la grurra fría y de la crisis de los misiles cubanos, Kubrick comenzaría a rodar Dr Strangelove o cómo aprendí a dejar de preocuparme y a amar la bomba (1964). El título en español para esta película due ·Dr.Insólito"con el que fue conocido en el mundo hispanoparlante excepto en España, donde se dobló con el título de Teléfono rojo, volamos hacia Moscú.
Aunque en un principo pretendía aborar de forma seria la guerra fría y la posibilidad de un conflicto atómico, a medida que se iba documentando encontraba aspectos cada vez mas hilarantes y esperpenticos, de forma que decidió realizar una comedia de humor negro. El actor británico Peter Sellers sería el encargado de dar vida a tres personajes de la cinta. El guión de Terry Southern, Peter George y el propio Kubrick está lleno de gags deliciosos, y narra cómo un acceso de locura del general Ripper povoca que varios aviones estadounidenses ataquen suelo ruuso con armas nucleares, provocando que se haga realidad la tan temida MAD (destrucción mutua asegurada). La película fue un gran éxito, pero las críticas arreciaron sobre el diurector por el cuestionamiento que éste hacía al sistema de defensa estadounidense por lo que Kubrick traslado su residencia a Inglaterra de manera definitiva.

MADONNA. HARD CANDY. Lo Ha Vuelto Hacer¡¡¡

El nuevo álbum de Madonna, habrá sido producido íntegramente por Timbaland, para este mismo 2008, y más concretamente el 28 de abril en europa y en el resto del mundo, y para el 29 de abril en Norte América. El titulo ya definitivo será HARD CANDY (Caramelo Duro). Este será el último álbum de la cantante con el sello de Warner Bros. El nuevo single llevará el nombre de "4 Minutes" que se estrenará a fines de marzo de este mismo año. El disco será una mezcla entre R&B, Hip Hop, y un sonido "muy urbano", con un toque de electropop,alternativa,electronica pura, house, new wave, techo, y también incluimos algunas que otras baladas, semjante al último disco de Justin Timberlake, pero mucho más espectaculares. Fuentes cercanas a Madonna han dicho que esta vez, la Reina del Pop no quiere innovar en sonidos, ni buscar musicas alternativas; sólo quiere tener un disco con música de ahora. Algunas canciones, también tendrán un estilo a Ray of Ligth y Music; aunque apreciaremos estilos a Confessions on a dance floor.
La revista Rolling Stone ha publicado estos días de febrero un artículo destacado hablando sobre cinco de las canciones del disco de Madonna:
El nuevo álbum se aparta del sonido disco de Confessions y va al funk y sonido urbano. El productor Danja afirma que Madonna sólo quiere "canciones de baile, de club y movidas, y todo ello con un toque hip hop". añade que fué muy sencillo trabajar con Madonna y que se podía pasar horas en el estudio junto con los productores Timbaland y Justin Timberlake.
El primer sencillo, "4 Minutes", suena un poco como una marcha, entre un fuerte sonido y Madonna canta "Road to heaven is paved with good intentions so fly it (contine samples de Sky Fits Heaven del disco Ray of Ligth editado en 1998, tanto en la letra como en el sonido y ritmo, aunque con una mezcla un poco distinta"). La canción termina tras un pequeño bajón donde sólo se oyen los típicos ritmos de lo Bhangra de Timbaland y el "Tick Tock" de Madonna. Es una cacnión sonora, alta y énergica. En el clip, dirigido por los franceses Jonas & Francois, Madonna y Timberlake son superheroes luchando contra diversos obstáculos fisicos, con coreografía de Jaime King.
"Candy Store", con la producción de Pharrell, empieza con un gran sonido y la invitación de Madonna a "come to my store" /Entra en mi tienda). Tiene unas estrofas muy desnudos, pero hay armonía en el estribillo cuando Madonna canta "I´ll be your one stop(one stop) candy shop". También tenemos un breve rap de Pharrell. La canción acaba con un descenso rápido de la música y, al final, sintetizadores y sonidos muy alternativos y urbanos parecidos a los de la canción Impressive Instant, de Music 2000. Esta canción, sonidos muy de la India, que Madonna visitó hace un par de meses, creando una canción a la vez muy disco y melódica.
El tema más lirico de los cinco es "Miles Away", un tema sobre relaciones a distancia que en su sonido recuerda al CD Future Sex/Love Sounds de Justin Timberlak. "Teníamos que conseguir un tema donde Madonna y él hiciesen las melodías juntos", explica Danja. El tema empieza con el toque rápido de una guitarra acústica, luego entra otro ritmo y lentamente va fluyendo hasta que se llena de atmosféricos sintetizadores. "Your always seem to have the biggest heart when we´re 6,000 miles apart", canta Madonna lamentándolo, "I guess we´re at our best when we´re miles away". El tema es más etéreo que los otros, y va en consonancia con la letra, y contiene el sonido de las olas del mar al final de la canción, con un suave descenso de su voz.
El tema que más suena a urbano y como continuación de Confessions en la excelente "Give It To Me", con un fuerte sonido de sintetizador típico de Danja, Es un tema agrasivo, muy de baile con un ritmo muy house, y Madonna canta "When the ligths go down and there´s no one left I can go on and on". Termina con un rápido descenso donde canta "Get stupid" sobre una especie de sonido de xilófono mientras canta "Give it to me/ No one´s gonna stop me now". El inicio de la canción recuerda mucho alde The power of Good-Bye, de Ray of Ligth.
El tema de la pista de baile vuelve de nuevo en "Heartbeat", con sonido hip hop y sentetizadores muy a los 80. Madonna abre más su voz, canta "Can´t you see when i Dance I feel Free / Which makes me feel like the only one the ligth shines on". Hay un pequeño rap a medio camino en el que Madonna recita-canta "See muy booty get down", pero al final vuelve a sus raíces de baile.
La fotos de la portada de álbum y en general tuvieron lugar el 22 de diciembre de 2007, con una Madonna diferente, creando un icono distinto (de nuevo), depués de pasr de una mujer espiritual, madura y de chaqueta tejana con el pelo largo y rizado en Ray of Ligth 1998; una vaquera en Music 2000; una militar en American Life 2003; y una bailarina de rosa y exitosa en Confessions on a dence floor en 2005. Así que, habrá que esperar hasta el 29 de abril de 2008 para dar la bienvenida al predecesor de "Confessions". Por fin, el fin de semana del 15 al 16 de marzo se pudo apreciar la definitiva portada de Madonna: el icono de una boxeadora.
El título de álbum, "HARD CANDY", (Caramelo Duro), fue escogida por la misma Madonna, transmitiendonos en todo el conjunto del álbum una reflexión sobre los momentos duros y dulces de la vida, tanto en el amor y desamor, pensamientos, ilusiones o compensaciones; en definitiva, una yuxtaposición.
También se espera la colaboración de Kanye West. Mika ha desmentido publicamente por una emisora de radio que colabore con la Reina del Pop.
Recientemente, la portavoz de Madonna, Liz Rosenberg ha afirmado que el nuevo álbum podría contener las letras de las canciones. según la portavoz, hay muchas posibilidades, depués de largos años omitiéndose las letras.
Además también sabemos que el último álbum de Madonna en esta década y el nuevo depués de casi tres años, contará con 13 pistas adicionales.
Otras noticias que se han vinculado sobre Madonna han sido el nuevo recopilatorio que vería la luz en Octubre de 2008, desde 1998 hasta este mismo año, incluyendo también canciones nunca aditadas y otras de la década de 1980 y principios de 1990. Tabién se esperan unos cuantos temas nuevos para la edición del álbum. actualmente la cantante tiene prevista una gira mundial para el verano de 2008, y se dedicara a promocionar su disco todo el verano. La gira está recientemente confirmada por ella, para dar promoción al nuevo álbum, y conllevará el título de Madonna At Fifty´s (Madonna a los 50). En la reciente entrega de la Edicion Número 50 de los Grammy, la cantante recibió el premio número 7 de su carrera al ganar en la categoría de "Mejor DVD Musical en Formato Largo", por The Confesions Tour. Los oyentes del nuevo disco han confirmado que es un disco con una excelente producción, y que se esperan que sea mucho mejor que su antecesor, superando las ventas de Music, con una nueva innovación, reflexiones de amor, desamor, sociedad, confusión y obsesión en las letras, con una música a la vez agradable, fuerte, intensa, ect. Se espera ser uno más de los suyos, realzando las ventas de esta década que, desde 2003 ahn ido aumentando, pero no de una manera muy rápida. asi que, habremos de esperar a escucharlo que, seguramente, reconoceremos nuevos estilos de la diva, que tanto sorprenden a los fans, tanto enlos videoclips como en las canciones.
Madonna Louise Veronica Ciccone Fortin Ritchie, mejor conocido como Madonna, es una cantante, bailarina, productora, actriz,compositora, diseñadora de moda, escritora y últimamente, directora de cine estadounidense, conocida como la Reina del Pop. Nació en Bay City, Michigan, el 16 de Agosto de 1958. Madonna es un icono artístico internacional de las últimas tres décadas. Estrella de pop conocida por reinventar su imagen, por su ambición, innovación y provocación en sus videos musicales y espectáculos, por su controversia personales y laborales con determinadas personalidades sociales y por el continuo uso de simbolos políticos, religiosos y sexuales a lo largo de su carrera. Desde sus inicos en 1983, con el lanzamiento de su primer álbum Madoona y hasta su último disco Confessions on a dance floor, ha adquierido y sigue manteniendo intactos tanto su éxito como su fama mundial, que ha atravesado distintas generaciones.
Madonna es la artista femenina más exitosa de todos los tiempos. Según la lista Forbes, es la personalidad más poderosa en el ambito musical, superando incluso a Michael Jackson. Una revolucionaria del espectáculo y de la creatividad que se ha hecho a sí misma, marcando una tendencia muy influente en la musica de los últimos veinticinco años.
A temprana edad Madonna huyó a Nueva York a finales de los años 70 para dedicarse a la música. Ha logrado múltiples reconocimientos, incluidos 7 premios Grammy de un total de 27 nominaciones para estos premios. Su renombre como artista la condujo a apariciones y papeles protagonistas en exitosas películas como Evita, por la cual ganó el Globo de Oro a la mejor actriz.
En el 200, el libro Guinness de los Records publicó que Madonna es la artista femenina más exitosa de todos los tiempos, estimando que las ventas superan los 338.600.000 ábunes t sencillos vendisos en todo el mundo. Su actual cmpañia discográfica, Warner Bros, reportó en el 2005 que la ventas mundiales de Madonna excenden los 300 millones de álbunes. su gran éxito ha hecho que se la considere uno de los mas grandes iconos del pop.
El martes 16 de octubre Madonna y Live Nation Inc, anunciaron un acuerdo en el que dicha empresa promotora de conciertos participará en los disco, giras, mercancía, películas y otros proyectos musicales de la cantante. Bajo los términos del acuerdo propuesto, Madonna; de 49 años, recibirá un bono de unos 18 millones de dólares al momento de la firma, y un adelanto de unos 17 millones por cada uno de los tres discos compactos que grabe. Una porción para Madonna unos 120 millones de dólares por los proximos 10 años.
La infancia de Madonna estuvo marcada por la tristeza y la pérdida de su madre, quién murió cuando ella tenía cinco años de edad a consecuencia de un cancer de mama. Su padre, al morir su esposa, se unió sentimentalmente a la niñera de la familia. Madonna tomó como una traición que su padre se casara con la niñera, por lo que nunca acabó de aceptarla y nuica volvió a tener la misma relación con su padre. La relación paterno-filial se enfrió considerablemente. Tony requería que todos sus hijos tomaran lecciones de mñusica. Depués de varios meses de lecciones de piano, Madonna convenció a su padre para que la dejara tomar clases de ballet, en el cual resultó ser una bailarína nata. Madonna asistió a la escula superior Rochester Adam High Scholl, donde fue una estudiante de excelentes calificaciones, muy buena en los deportes y miembro del escuadrón de animadoras. Depués de gradurse en la escuela superior en 1976, recibió una beca de baile para la Universidad de Michigan, donde conoció al maestro de ballet Christopher Flynn. Además de ser el mentor de Madonna en el baile, él le mostró las primeras discotecas gays a Madonna y le aconsejó que probara suerte en el mubndo del baile. Su vena artística se disparó y en 1977, gracias al apoyo de Flynn, Madonna abandonó la universidaad, tras solo dos años de asistencia, y se fue a Nueva York para seguir una carrera profesional centrada en la danza. Sobre esa época Madonna ha dicho:
"Cuando vine a Nueva York fue la primera vez que viajé en avión, la primera vez que viajé en taxi, la primera vez en todo. Y sólo llegué con 37 dólares en el bolsillo. Es la cosa más valiente y más afortunada que he hecho nunca".
Madonna experimentó, durante sus primeros años en Nueva York, graves problemas económicos, llegando a pasar hambre (cuando no vivía de la amabilidad de amistades o amantes), trabajando en una serie de trabajos mal pagados. por necesidad, Madonna aceptó trabajar posando para fotógrafos como modelo nudista. Depues de los años, cuando Madonna ya era famosa, muchas de esas fotos fueron la causa de chantajes frente a los cuales la artista tuvo que luchar durante años. Durante esa dura época, también estudió con la leyenda de la danza moderna Martha Graham y con el discípulo de Graham, Pearl Lang. Madonna más tarde trabajó con varias compañias de danza moderna, incluyendo a Alvin Ailey y Walter Nicks. Su anónima carrera como bailarina fue prosperando pregresivamente.
Mientras trabajaba como bailarina par la gira mundial de 1979 del francés Patrick Hernandez, la estrella de la música disco, Madonna conoció a Dan Gilroy, con quien, además de iniciar una relación amorosa, crearía su primera banda de rock The Breakfast Club, en Nueva York. Madonna empezó tocando la batería, depués tocaría la guitarra y finalmente sería brevemente la vocalista del grupo, antes de formar, con su novio Stephen Bray, Emmy ah the Emmys en 1980. Depues terminó su rlación con Bray para buscar una carrera de solista, comenzó a escibir y proucir varias canciones de música disco y dance, las cuales le trajeron fama local en los clubs de Nueva York, particularmente en Danceteria y Kansas Kansas. Un demo, producido con Bray, llamó la atención de un popular DJ de Nueva York, Mark Kammis, quien llevó la cinta al productor de Sire records. A partir de ahí comienza la exitosa carrera de Madonna llena de éxito fama y dinero.

MADONNA "GIVE IT TO ME"


MAKING OFF VIDEO "4 MINUTES"

EL ÚLTIMO EMPERADOR. Una Obra Majestuosa.

EL ÚLTIMO EMPERADOR de Bertolucci es una obra majestuosa, creada a través de la complejidad tanto argumental como técnica. El film está rrealizado en función de un paralelismo: Por una lado, la rápida evolución histórica de una país desde la coronación del último emperador de la dinastía Ching hasta la llegada de la revolución maoísta, y por otro, la evolución de un hombre desde la soledad hasta la convivencia social y el reencuentro personal más íntimo. Estos dos hilos paralelos discurren explícita e implicitamente durante todo el desarrollo de la película.
Bertolucci ha sido siempre un enamordo del movimiento de la cámara. En este film combina el movimiento de los personajes con el de la cámara y, en otras ocasiones, aprovecha los grandes especios de la Ciudad Prohibída para hacer que sus personajes, moviendose en direcciones perpendiculares, creen el movimiento de un plano general fijo. El ritmo, tan dificil de mantener en una película de tan larga duranción, se pierde y se recupera con el vaivén de la propia narración.
En definitiva, una gran película donde se destaca también la adecuada sincronización de la música el buen trabajo de la fotografía, que deviene el complemento perfecto de los majestuosos decorados.
Chna, 1908. En Pekin un niño de tres años llamado Pu Yi, destinado a convertirse en el último emperado del país asiático, es llevado a la Ciudad Prohibída después de ser despojado de su familia.
El ültimo Emperador recibió nueve premios de la Academia, si bien el año 1988 no fue de un gran nivel, provocando que esta película, sin ser del todo una maravilla, no tubiera apenas rival.
Se cuenta la vida del emperador Pu Yi de forma cronológica, pero alternando eficientes flash-forward, cuando éste ya se encuentra en un centro penitenciario acusado de disidente del comunismo.
Bertolucci sin duda consigue lo que quiere: realizar una superproducción sin perder su esencia, centrándose en la evolución del status del emperador y de la situacion de China más que en la caracterización de personajes.
En este aspecto se nota mucho que las interpretaciones de John Lone y Peter O´Toole dejen que desear al no estar suficientemente explotadas. De hecho el actor protagonista ni siquiera optó a la estatuilla.
También se le puede achacar a la director Italiano que su manejo de las cámaras es muy mejorable, su ir y venir distrae más que ayuda. Da la sensación de que esta potencial obra maestra que sin duda provoca orgullo entre los cinéfilos europeos, tiene algunos fallos que no le permiten pasar a la historia del cine como una de las mejores películas jamás realizadas. aparte de las ya mencionadas interpretaciones con claras limitaciones, y el deficiente uso de planos lejanos.
A Bertolucci indudablemente le cuesta mantener el ritmo que exigen algunos momentos ciertamente maravillosos. Esto se nota sobretodo en el periodo en el que PU Yi es emperador de Manchuria, desembocando la disminución inevitable de interés del espectador, en detrimento de un guión a priori plausible.
Decepciona que l final no esté correctamente aprovechado. Con todo esto "El ültimo Emperador" es altamente recomendable por su facilidad de llegada a todo tipo de público. Bertolucci ha tenido los ojos bien abiertos, y depués de Novencento, consigue realmente afianzarse en el cine de calidad.
Destacable también la deliciosa banda sonora de David Byrne y Ryuichi Sakamoto (que incluso aparece en la película interpretandoa un diplomático japonés), muy al estilo Nyman.

M A R I L Y N M O N R O E. ¿Alguna Mujer Más Impactante Que Ella?

Marilyn Monroe (1 de junio de 1926 - 5 de agosto de 1962), nombre artístico de Norma Jean Mortenson, fue una actriz estadounidense nacida en Los ängeles, California, símbolo sexual de los años 1950.
Norma Jean es en honor a la actriz del cine mudo Norma Talmadge. Con respecto a su segundo nombre, hay otra teoría según investigación del biógrafo Donald Spoto (autor de Marilyn Monroe, La Biografía):"Siempre se ha dicho que el nombre de Norma Jeane (con "E" al final como aparece realmente) procede de Norman Talmadge y Jaen Harlow. Pero lo cierto es que Jean Harlow es el seudónimo de Harlean Carpenter, que lo cambió en 1928 (recordemos que Marilyn nació en 1926; así que posiblemente, durante los años 20, los nombres compuetos estaban en el orden del día".
Aunque Marilyn nunca mencionó el nombre de su padre, se supo de varios pretendientes de su madre, Gladys Monroe, en la época en que ella trabajaba como cortadora de carretes en una empresa de cine. Entre ellos, el más popular fue Martin E.Mortenson, inmigrante noruego con quien Gladys también tuvo relación. Marilyn fue dada alternativamente en adopción desde las 6 semanas de nacer y hasta los 7 años de edad, cuando su madre se la llevó a una pequeña casa que había comprado;pero un año más tarde Gladys era internada en un psiquiátrico por un problema derivado por la obsesión de lo que se creía un trastorno psicológico que podia acabar con su propia vida, lo cual heredó de su padre, que falleció en circunstancias similares. Monroe vivió obsesionada con la idea de haber heredado esta enfermedad, especialemnte tras ser internada en varias ocasiones debido a sus crisis de pareja. Durante las crisis psíquicas de su madre, Monroe vivía con el matrimonio Bolender, con vecinos de su abuela, en un orfanato o con alguna familia adoptiva.
En noviembre de 1938, a los 12 años, Monroe compartió habitación con Edith Ana Lower, su amiga y tía de su madre adoptiva, a la que quería profundamente. A los 16 años, y según la propia Monroe, animada por esta amiga, con la intención de buscar estabilidad para su vida y no tener que regresar al orfanato, se casó con James E. Dougherty, irlandes de 21 años, empleado de una fábrica de aviones. Monroe se entregó a la tarea de ser una buena ama de casa, hasta que estalló la Segunda Guerra Mundial.
Su marido se incorporó a la Marina y fue enviado como instructor a la isla Catalina, frente a Los ängeles. Lo acompañó unos meses, pero depués su marido embarcó hacia Australia. En 1945 un fotógrafo de la Marina visitó la fábrica donde ella trabajaba con su suegra, para hacer un reportaje sobre el trabajo de las mujeres durante la guerra. Monroe fue elegida para salir en las fotos. La revista Yank le propone convertirse en modelo. Seguidamente es contratada por la agencia de modelos Blue Book.
Monroe comenzó su carrera como modelo, representada por Emmeline Snively, quien le aconsejó teñirse el cebello a un rubio platino. En 1945 salió en la portada de más de 30 revistas. Era conocida como "el sueño de los fotógrafos". En julio de ese mismo año, Ben Lyon, jefe de reparto de la 20th Century Fox accede a entrevistarla y queda fascinado. Poco después la contrata por 125 dólares a la semana. Le cambia el nombre por el de MARILYN MONROE.
Joe Schenk le consiguió su segundo papel protagonista en Ladies Of The Chorus 1948. Un año depues Monroe aceptó posar desnuda para el fotógrafo Tom Kelley, para un candelario que más tarde sería el impulso definitivo para su consagración. En 1951 participó en la entrega de los Oscar. En 1952 aparece en la portada de la revista Life. En 1953 inmortalizó sus huellas en el cemento de la entrada en Hollywood Boulevard, junto a Jane Russel.
En diciembre de 1953 apareció en la portada del primer número de Playboy, siendo por lo tanto, la primera chica del mes de la revista, con la famosa fotografía "sueños dorados", gracias a sus medidas de 37-23-36 (94-58-92). Dicha revista le dedicó 5 veces la portada, y la última ocasión fue en la edición de diciembre de 2005, la cual tiene información reciente sobre su muerte.
Aunque Monroe irradiaba sensualidad y ante las cámaras aparecia como una mujer segura, en realidad padecía una inseguridad patológica. Esta insegirdad y sus retrasos y ausencias provocaban grandes pérdidas a los productores, que comenzaban a exasperarse. En 1954 comenzó a estudiar artes escénicas con Lee Strasberg, director de Actor´s Studio en Nueva York. En ese mismo año creó Marilyn Monroe Productions junto al fotógrafo Milton Green, para conseguir mayor control sobre sus contratos. Su nueva empresa produjo Bus Stop (1957) y The Prince and the Showgirl (1957), esta última dirigida y coprotoganizada por Laurence Oliver. En 1955 la Fox le interpone una demanda por incumplimiento de contrato, pero en ese mismo año firma nuevamente con este estudio, recibiendo finalmente 8 millones de dólares por un total de siete películas.
En 1956 Monroe se casó con el dramaturgo Arthur Miller, quien escibió especialmente para Monroe el guión de The Misfits. Esta sería su última película. Todavía casada con Arthur Miller, Monroe se enamoró de Yves Montand, marido de Simone Signoret, con quien compartía cartel en El multimillonario. Monroe y Arthur Miller se divorciaron en 1961.
En 1960 Monroe fue galardonada con el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia. En 1961 es internada en la clinica psiquiátrica Payne de Nueva York por una crisis depresiva.
Al año siguiente compró su casa en Santa Mónica, en Los ängeles. En ese año comienza el rodaje de su última película, la inacabada Something´s Got To Give, coprotagonizada por Dean Martin y dirigida por George Cukor. La Fox confiaba en este proyecto para sanear su econimía, ya que la empresa amenazaba quebrar, debido a los desmesurados gastos que estaba generando la película Cleopatra. No en vano Monroe había sido durante una década la estrella más rentable de la Fox desde Shirley Temple. Pero Monroe estaba delicada de salud, con frecuentes sinusitis, bronquitis, y síntomas cada vez más marcados de inseguridad y depresión. Sus ausencias hacen que la película se retrase cada vez más, y la Fox no se podía permitir más pérdidas.
En 1962 tuvo lugar, en Nueva York, la gala por el cumpleaños del presidente John F. Kennedy, en la que Monroe le cantó el "Happy Birthday Mr President", que se volvería tan célebre. Para acudir a esta gala, Monroe se ausentó durante 7 días del rodaje, a pesar de que la Fox le exigió que se quedase para cumplir con su contrato. En 1962 la Fox rescinde su contrato debido a sus repetidas ausencias y retrasos, despidiendola del rodaje de Something´s Got To Give, que dirigía George Cukor. La Fox intenta completar la película utilizndo a otra actriz, pero Dean Martin se opone, por lo que la Fox no le queda más remedio que readmitir a Monroe.
En 1962 aparece la última entrevista de Monroe a la revista Life. El 4 de agosto de ese mismo año se había mostrado muy contenta. A las 9 de la noche dio las buenas noches a su criada, Eunico Murray.
A las 10:30 una ambulancia se estacionó cerca del lugar. La actriz aún estaba viva; no se eplica por tanto que hacía esa ambulancia en aquel lugar, unas 5 horas antes de la muerte de la actriz.
Antes de su muerte, según se dice, había vivido un romance con Robert F.Kennedy y John F.Kennedy, y la repentina decisión de este último de abandonarla podría haberla impulsado a consumir una sobredosis de Aloperidol.
El hecho es que el clan Kennedy nunca aceptó que John y Robert Kennedy se relacionaran con ella, primordialmente por la intervención de J.Edgar Hoover, quien sospechaba que la actriz sostenía peligrosas relaciones con comunistas de la época, que se acrecentaron mientras sostenía su amistad con los Kennedy. Ella estaba en contacto con información que podia afectarlos gravemente.
Su deceso se cubrió de un halo de misterio. Fue encontrada sin vida por su criada, tendida sobre la cama, con el teléfono descolgado, en su casa el 5 de agosto de 1962 a las 3 y media de la madrugada, a la edad de 36 años. De la ambulancia, que llevaba estacionada 5 horas, salieron enfermeros, que entraron escoltados por personajes del gobierno y fueron los primeros en entrar al departamento. Una asesora del departamento creyó reconocer a Robert Kennedy. En el informe policial calificó el suceso como probable suicidio, si bien se han barajado otras posibilidades, incluida la del asesinato. Un testigo afirmó que, mientras era retirado el cuerpo, uno de los presuntos enfermeros aplicó una inyección entre los pechos de la actriz ya fallecida. Muchas conjeturas de asesinato han apuntado a la familia Kennedy y a J.Edgar Hoover. La autopsia jamás reveló el menor rastro de barbitúricos en el estómago de la actriz, y sus órganos vitales, que fueron extraidos para un análisis mas concienzudo, desaparecieron misteriosamente.
Tres días después, Joe Di Maggio, su segundo marido, celebró el funeral en privado. Lee Strasberg pronunció las siguientes palabras de despedida: "No puedo decir adiós a Marilyn, nunca le gustaba decir adiós. Pero, adoptando su particular manera de cambiar las cosas para así poder enfrentarse a la realidad, diré "hasta la vista". porque todos visitaremos algún día el pais hacia donde ella ha partido."
Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Prak de Los ängeles, California.
Un mito sexual de los años 50 que ha perdurado hasta la fecha y que sin duda perdurará para la eternidad, sensual, bella, impactante.

CON FALDAS Y A LO LOCO

EL DRAGÓN ROJO. La Tercera Entrega De El Silencio De Los Corderos. Salvada Por Un Guión Extraordinario Y Unos Actores Magníficos En Sus Papeles.

Tan sólo ha transcurrido un año y medio desde el estreno de "Hannibal", la secuela de "El silencio de los corderos", y ya tenemos nuevamente en nuestras pantallas al doctor Lecter, dispuesto, para disgusto del público más impresionable, a volver a hacer de las suyas. A Anthony Hopkins, al que últimamente no se le ce muhco interés por abandonar el cine comercial, no le importa retomar el papel que lo envió al estrellato, y menos cuando, si bien esta vez no es dirigido por un realizador de prestigio, al menos sabe que cuenta con un guionista de auténtico lujo. Así, el firmante del libreto de la película original , Ted Tally, se acerca más al espíritud de aquella cinta que al falso vanguardismo que Ridley Scott le insufló a "Hannibal". Por su parte, Brett Ratner, autor proveniente del ruido más intrascendente ("Hora Punta"), asombra al público con su contención, ofreciendonos una puesta en escena clasicista que, a mi modo de ver, le va mucho mejor al personaje.
El interés de "El Dragón Rojo" puede dividirse en cuatro partes bien diferenciadas. En primer lugar, el plato fuerte de la historia se centra en los enfrentamientos dialécticos entre Hannibal Lecter y Will Graham, siempre intensos y dotados de un carisma que indudablemente favorece a la credibilidad del filme.
Por otro lado, no falta la previsible investigación de turno que conduce a la incansable búsqueda de Dolarhyde, el nuevo asesino en serie que mantiene en jaque a la policía. En ocasiones tediosa, es el verdadero punto flojo de la narración, sobre todo cuando el protagonista se introduce en los hogares de las victimas, explorándolos con tanto ahínco que uno a menudo piensa que se va a quedar a vivir en ellos. sin embargo, otro aspecto a favor de la obra es la relación entre Dolarhyde y Reba McClane, pues dota al filme de una humanidad que en parte se había perdido en "Hannibal".
Finalmente, otro cariz positivo del guión es su electrizante final, casi media hora de angustia y drama que atenaza al espectador con su furia.
Puede que se trate de unos minutos un tanto previsibles, pero tampoco se les puede achacar a los responsables de "El Dragón Rojo" el querer incluir unos cuantos fragmentos cuya única finalidad sea la de entretener al espectador. Si ello se hace, además, con una calidad general bastante aceptable, como es el caso, no cabe tampoco excederse con los reproches.
A pesar de lo dicho, es el reparto el que en verdad otroga al filme la moderada brillantez que en algunas ocasiones exhibe, pudiéndose afirmar que son los intérpretes de la obra los que precisamente la hacen triunfar. Pocos halagos más caben lanzar ya a Anthony Hopkins, por lo que esta vez habrá que dirigir nuestros piropos a gente como Edwatd Norton, un actor joven de gran talento ( sólo hay verlo en "America History X") al que es dificil encontrarlo últimamente en el cine comercial.
Ralph Fiennes da vida al asesino en serie del relato, y en ningún moemnto recurre al histrionismo para desarrollar su papel, sino que dota a Dolarhyde de una necesaria sensibilidad, ayudándose además de su físico para componer a un hombre torturado y repleto de traumas. Fabulosa también está Emily Watson, que tiene a su cargo un personaje difícil, e igual de espléndidos se muestran el resto de los actores, desde Harvey Keitel a Philip Seymour Hoffman, pasando incluso por Mary-Louise Parker, que no aparece mucho en pantalla (en todo caso, se la ve insuperable en los dramáticos acontecimientos finales).
Danny Elfman nos brinda una múscia muy, muy oscura, donde no hay sitio para el optimismo.
Así, lo tenebroso y el sentido armosférico de la historia son captados a la perfección por el compositor, que nos brinda una partitura dura de ecuchar fuera del filme pero que se integra adecuadamente con las imágenes de Ratner.

P A R K I N G 2. No Es Nada Innovadora, Pero No Aburre Al Público.

Como introducción para aquellos (entre los cuales confieso que me encontraba yo en un principio) que desconocen la génesis de este proyecto, decir que no se trata de ninguna continuación ni nada similar, el título de "Parking 2", una nueva vuelta de tuerca al género del thriller en espacios angostos y terroritorios acotados, hace referencia precisamente a un lugar, ya que acontece en su mayor parte en la segunda planta de un tétrico parking de un edificio de oficinas. Y como tal espacio limitado, la historia requería mucha pericia para salir airosa de tan arriesgada propuesta (sobre todo alargar un hecho que podría haberse despachado en 30 minutos de metraje), cosa que por desgracia, no ha sido así, quedándose todo en un intento de quiero y no puedo constante, pese a ocasionales aciertos en su desarrollo.
de haber visto una película más del monton pero sin aburrirse. En Definitiva para lo que está hechEn cualquier caso, ese limitado guión, no ayuda en demasía a darle mayor empaque a toda la historia, resultado como ya comentaba anteriormente, solo rescatable ciertas set pieces efectivas donde la violencia se apodera de la pantalla, ya que conversaciones como la que transcurre justo antes de la tortura de cierto personaje denotan una sensación de hastío hacia esos enfrentamientos verbales tan comunes ( y en la cual además Bentley se muestra horriblemente sobreactuado) que dan al traste con todo intento de empatizar con la sensación de terror que supuestamente vive Ángela.
Y es una pena, ya que Bentley demuestra en sus primeros quince minutos de aparición en pantalla que podría haberle dado un transfondo malévolo a su personaje que hiciera más crreíble su inconsciente demencia. A partir del primer enfrentamiento físico, recurre a esa tediosa sensación de locura absurda que lleva a un personaje a realiar acciones de lo más absurdas e imcomprensibles ( ver su reacción depués del incidente con su perro Rocky, realmente imbécil a todas luces), y eso, unido a la plana caracterización de Rachel Nichols (mediocre actriz que se limita a poner cara de susto y que en su carrera jamás demostró un mínimo de capacidad actoral), dejan al espectador una sensación muy tediosa, de distanciamiento mortuorio hacia el nulo interés de la propuesta.
Aún suerte que los elementos técnicos visuales se muestran con bastante personalidad, resultando ciertas escenas un juego de contrastes visuales a tener en cuenta, pero sin llegar a aprovechar del todo el lugar donde acontece la historia, que se daba para múltiples posibilidades y que por contra, cae en los tópicos de este tipo de situaciones (como ya le ocurría a la mediocre Mr. Brooks, otro film que versionaba, para mal, el thriller de personajes reales de finales de los 80, principios de los 90).
Y es que cuando pretendes rodar una historia de noventa minutos dentro de un parking, la construcción de atmósferas y situaciones de tensión deben de ser impecable para resultar efectiva, allí donde otros films recurren a lugares parecidos para crear escenas puntuales de sus historias de terror "Parking 2" se acomoda para mostrarnos como no crear tensión en esta situación puntual prolongada hasta más allá de la hora y media.
De poco sirve que la base de la historia, se diera para dobles lecturas interesantes, ya que evidencia de forma metafórica el aislamiento social y emocional que padecemos en esta sociedad moderna, tan esclava de las tecnologías y que provoca el distanciamiento emocional a la vez que nos aceca al conocimiento superficial.
En ello se encuentra lo más rescatable de "Parking 2", en un contraste evidente de personajes aislados de las emociones, pero por motivos contrarios. Mientras Thomas debe su solitaria vida al aislamiento involuntario, a la emoción reprimida y la autoincomprensión, siendo un ser que ansía la compañia y abandonar la soledad, ängela por su parte, asume su condición de aislamiento, ya que ha elegido el camino del éxito profesional para sepultar todo intento de acercamiento humano, incapaz de mostrar emociones como le ocurre a gran parte de los mayores triunfadores en el ámbito profesional.
La soledad de ambos personajes es lo que sutilmente también les separa, y crea una ambigua descripción de personajes ( y que podría haber sido aún más efectiva, repito, si la labor de Bentley hubiera continuado por el camino que llevaba en sus primeros 15 o 20 minutos), ya que mirándolo con distanciamiento, la ironía hace acto de presencia cuando Thomas solo pretende la compañia de una amiga ( eso si, motivado por una locura exacerbada), mientras ella, en el mejor apunte de toda la historia, desearía durante su reclusión aquello a lo que ha renunciado, la compañía de un ser querido que la echara de menos y al cual acudir en ese instante de peligro. El plano final, repleto de sentido, nos muestra la soledad y el desamparo que vive Ángela, tan solitaria como el demente Thomas.
En definitiva, un film fallido, con aciertos aislados de puesta en escena durante las escenas más violentas, una interesante doble lectura encubierta, pero repleto de tópicos, lugares comunes y una resolución indigna, que hace de la mediocridad su bandera.
Aun que no del todo el espectador se da cuenta de ello, saliendo de la sala de cine con una sensación o el cine, para entretener.

LA CRIATURA PERFECTA. Un Fallido Intento Del Mito Vampírico.

La Criatura Perfecta es una coproducción entre Nueva Zelanda y el Reino Unido dirigida por Glenn Standring y protagonizada por Dougray Scott, Saffron Burrows, Leo Greogory, Scott Willis, Stuart Wilson, Craig Hall, Robbie Magasiva, Lauren Jackson, Peter McCauley y Glen Drake.
La película nos sitúa en un alternativo y retro-futurista 1960, donde vampiros y humanos coexisten pacíficamnte desde hace 300 años. Pero este delicado equilibrio se romperá cuando un vampiro empieza a alimentarse de humanos, propagando en ellos una extraña enfermedad similar a la rabia, amenazando con la paz entre los llamados Hermanos y el resto dela sociedad.
Pco puede destacarse de La Criatura Perfecta. Con una ambientación neogótica fusión de Underworld y La Brújula Dorada, si bién su simil más proximo sería el de Van Helsing futurista, La Criatura Perfecta es un fallido intento más de atraer al público a partir del mito vampírico.
La película se basa en la suposición de que un alquimista del siglo XV creó a los vampiros mientras trataba de hallar una vacuna para las plagas que azotaban al mundo por aquel entonces, tales como la peste. Los vampiros, considerados como una aberración a pesar de no ser otra cosa que un paso más en la evolución del Hombre, hallaron la cura a dichas plagas y juraron proteger a los humanos, conformando la llamada Iglesia y convirtiéndose ellos mismos en Hermanos.
Como idea, ciertamente, no está mal del todo, pero tanto el fondo como la forma de La Criatura Perfecta hacen aguas por todas partes, resultando su estética neogótica lo único rescatable de esta cinta cuyas influencias van desde las anteriores citadas, a títulos como Equilibrium o Ultraviolet: la trama pierde todo su atractivo una vez ha sido planteada, presentándonos una sucesión de personajes arquetípicos interpretados por unos actores que parecen competir por el premio al peor actor del año, de entre los cuales cabría destacar a un anodino Dougray Scott, probablemente el vampiro más insulso de los últimos tiempos.
Aunque, seamos sinceros, podríamos decir vampiro como podríamos decir ukelele sociópata, ya que una contenida sed de sangre y una mayor potencia física son los únicos indicios que apuntan a confirmar la naturaleza del no-muerto. Por otro lado, el leitmotiv de Edgar, némesis de la cinta, tampoco nos queda excesivamente claro en ningún momento, justificando todos sus actos a partir de una enfermedad que él mismo ha creado.
A destacar la ambientación. Una ciudad superpoblada, en cuyas calles oscuras apenas da el sol, y en donde todo tipo de gente se mezcla, nos lleva directamente a la ambientación de "Blade Runner", de la que pilla su desesperanzadora visión de una sociedad totlmente decadente, a los que la continua lluvia no limpia. A esto yo le añadiría que la idea de mezclar seres humanos y vampiros coexistiendo en paz hace cuatro décadas me parece como menos original y atrayente, pero si miramos la trama en sí, la cosa ya cambia. La película camina por unos derroteros más que conocidos y termina siendo lo de siempre pero con un envoltorio distinto.

LOS CRIMENES DE OXFORD. Cine Por Encargo Que No Siempre Tiene Buenos Resultados.

Dependiendo de quien vea "Los Crimenes De Oxford", octavo proyecto para la gran pantalla y segundo internacional tras "Perdita Durando"(1997), del bilbaíno Alex de la Iglesia, sacará una impresión u otra. Si es público ocasional, saldrá de la sala satisfecho, pues habrá asistido a un buen espectáculo visual y cinematográfico, que además es desafio intelectual, muy bien llevado y construido, cimentado, además, sobre unas interpretaciones muy sólidas en líneas generales.
Pero si es Fan del director...Lamentablemente, saldrá decepcionado, conmocionado y confundido. Seguramente, repase los títulos de crédito con perceptible incredulidad, intentando consolarse con un error de lectura o de interpretación, o buscando el milagro que le desmienta que "Los Crimenes De Oxford" es, efectivamente, una película de älex de la Iglesia. Porque no lo parece, ya que desde su primera hasta su última secuencia, el filme se comporta, y reacciona, con unos códigos y una técnica que no es la que acostumbra a desplegar el director vasco.
Para entendernos, el humor negro que suele presidir sus títulos, así como su gamberreo canalla y esos perdedores entrañables que abundan en su cinematografía, aquí solo existen en la retina y la mente de quien ha disfrutado, por ejemplo de "El Día De La Bestia".
De la Iglesia ha querido hacer borrón y cuenta, optando por prescindir de su esencia, en esta película quizás para conectar con un público más internacional y allanar el camino que le permita trabajar en el extranjero; a resueltas de lo cual, no debe sorprendernos los inmensos problemas a los que tuvo que enfrentarse durante su rodaje. De la Iglesia se siente extraño e incómodo y no puede evitar que estos sentimientos trasciendan y empapen esta obra.
Así, nos encontramos ante un título pretencioso, pedante hasta la insufrible (quedan avisados si se pierden ante tanta teoría matemática), humoristicamente "snob"(o, si prefieren, impregnado de esa fina ironía inglesa que, de tan fina acaba siendo translúcida), hierático, anodino, pero elegante, rodado con oficio, con interés y pasión. Juzguen ahora si, entre tanta etiqueta, pueden encontrar alguna que se ajuste al distintivo de fábrica de De la Iglesia.
Indudablemente la película ya no sólo de ambientación, sino también de cultura inglesa; pero de cultura de altos vuelos, elitista, superficial y enquistada en la apariencia. Tanta ampulosidad e inteligencia suprema, rayana en la genialidad, molesta sobremanera; a ello contribuye un John Hurt espléndido, si, y orgulloso de su herencia teatral también, sabedor de su superioridad interpretativa respecto a Elijah Wood (por mucho que se empeñe, el peso del Anillo ünico sigue pesando en su carrera) y de Leonor Watling, bellezón mediterráneo que comparte con la diva latina por antonomasia del cine actual: Monica Bellucci. Ambas lucen formas privilegiadas y envidiables, muestran un alto dominio del inglés y se esfuerzan en presentarse como dos actrices de limitados recursos y hondas carencias.
No debe nadie tampoco confundirse: "Los Crimenes de Oxford", iniciados con la muerte de una anciana en extrañas circunstancias, no es la enésima película de crímenes ferpectos (o perfectos): se trata, más bién, de la descripción de un potente duelo intelectual entre un maduro y brillante profesor y su alumno, eso que tanto hemos visto antes, incluso en condiciones más frenéticas y , todo hay que decirlo, también más aburridas.
Con los crimenes de oxford pasarán un buen rato enfrascados en una intriga falsa pero efectiva, amena, que les hará olvidar sus preocupaciones mientras siguen, extasiados, las diatribas de Arthur Seldom y las lúcidas respuestas de Martin en pos de un asesino imprevisible e imposible. El crimen y la realidad como juego, el cine como encargo. eso es lo que hallarán en la nueva cinta de älex de la Iglesia.